Para la copa mundial de futbol 2026 se esperaban muchas cosas. La llegada masiva de turistas del deporte, la fiesta interminable, quizá un juego final soñado entre las verdaderas mejores selecciones de futbol.

Pero nadie esperaba que la serie animada para adultos La familia del Barrio, presentara una película en la que prometiera y quizá cumpla, terminar con el sino de la selección mexicana de futbol. Por eso, la película se llama La maldición del quinto partido.

¿Por qué la selección mexicana se atora siempre en el mismo lugar en las copas del mundo? ¿Cómo podemos disipar de una vez y para siempre esa nube maligna que nubla la historia del futbol maxicano? Pues bien, La familia del barrio no tiene ningún tipo de respuesta a esto.

Lo que promete es mucho más y, lo decimos en el mejor de los sentidos, nada serio.

Para conocer los detalles de La maldición del quinto partido, realidad y película, invitamos a este podcast Cinegarage a Sergio “Teco” Lebrija y Arturo Navarro, creadores de La familia del barrio y responsables de peso de las barbaridades que van a ver ustedes en la pantalla.

La familia del barrio: La maldición del quinto partido.

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Imaginen que una vecina joven e inteligente llega a su fiesta una noche de fin de semana, gritando que alguien quiere asesinarla, con el maquillaje corrido y la voz alterada, vestida solamente con ropa interior de lujo.

Con una secuencia como esa Luis Alcoriza prepara el desolador remate de su película Terror y encajes negros, cinta que destaca del grupo de historias que el cine mexicano entregaba a mediados de la década de los 80, precisamente por nadar a contracorriente de las sexy comedias y las rom com musicales de su tiempo. Alcoriza dibuja desde ella una caricatura mordaz del machismo mexicano y envuelve todo en cine de género, de ese que suelen despreciar los académicos.

Para discutir esta gratísima anomalía protagonizada por Maribel Guardia y Gonzalo Vega, invitamos a este podcast a Mayte Duarte, fotógrafa, crítica de cine colaboradora de Fósforo UNAM, video ensayista y estudiosa del cine que, desde el cambio generacional, nos dará pistas para sacarle provecho a Terror y encajes negros.

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Un revolucionario anarquista se enfrenta a un estado fascista. Él, simplemente conocido como V, quiere liberar a Inglaterra del totalitarismo y la intolerancia, y con ella, levantar al mundo entero. Pero su camino estará lleno de dificultades muy difíciles de prever.

El rodaje de V de Venganza, la película que cuenta esa historia, también estuvo lleno de penurias, desde un guion rechazado por Alan Moore –porque según él se separaba demasiado del cómic escrito por él y que fue la inspiración para la película–, hasta un rudo proceso de doblaje de los diálogos de nuestro anti héroe, encarnado por Hugo Weaving.

Ligada a Matrix en más de un sentido, muy aplaudida en su estreno, revisada con devoción por hordas de fans, V de Venganza cumple 20 años y para celebrarlo es que hacemos este episodio del podcast Cinegarage.

El invitado no podía ser otro que Cha, que además de integrante de Fobia y Gran Sur, es especialista y conocedor del mundo del cómic y fan de V de Venganza, una historia explosiva, como un Judas gordo de semana santa.

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Toda la primavera de 2026, la Ciudad de México alojará la exposición fotográfica Maravillosas, monstruosas, que recoge varios rostros femeninos del cine de terror mexicano. La invitada a este podcast, doctora en cine con especialidad en terror latinoamericano, es Valeria Villegas Lindval y nos va a contar su papel en esta exposición pero además, el enfoque que generó la idea de la misma.

Por si eso fuera poco y aprovechando esta puerta a la oscuridad, extenderemos la plática para entender precisamente, los papeles que muchas figuras femeninas juegan en el cine de terror mexicano que, a su vez, tiene también múltiples rostros.

En otras palabras, Valeria nos va a llevar desde el origen del terror mexicano con La llorona de 1933, hasta Huesera, de 2022.

Si eso no es suficiente para que se queden, es que el lado terrorífico de su corazón está más escondido que un ratón en panadería. Déjenlo salir.

Hablemos de las mujeres en el cine de terror mexicano con Valeria Villegas Lindval, alias Morena de fuego.

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En 1988 el mundo se sacudía, de nuevo, gracias al estreno de una película de Martin Scorsese. En ese verano apareció en cines La última tentación de Cristo, un proyecto que Scorsese tenía en mente desde que leyó la novela de Nikos Kazantzakis, casi 10 años atrás.

Tachada de hereje antes de comenzar su rodaje, vilipendiada durante el mismo y señalada con rabia por grupos conservadores alrededor del estreno, la película es muestra no solamente del misticismo scorsesiano, sino de que se pueden rodar películas de altos vuelos con muy poco, casi nada de presupuesto.

Con un reparto que hoy merecería un Oscar, una cámara trepidante dentro de la historia que cuenta –el viacrucis de Jesús con una ligera variante hacia el final–; con música de vanguardia y llena de espíritu, hoy la película puede revisarse con calma para ver si es cierto que estamos frente a una gran herejía plasmada en la pantalla de cine.

Para debatirlo, el invitado a este episodio es el crítico de cine, maestro y experto en Scorsese, Leonardo García Tsao.

Aquí va el Scorsese hereje con La última tentación de Cristo.

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A finales de 2025 Criterion Channel anunció que en el mes de marzo de 2026 iban a publicar una versión restaurada en 4K de Viridiana de Luis Buñuel, una de las mejores películas en la historia de la humanidad, premiada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1961.

Con ese pretexto, este podcast Cinegarage está dedicado a Viridiana, la película, a las ideas de Buñuel alrededor de ella, al legado del propio director y a resaltar la importancia de que una mente tan lúcida y rebelde como la de don Luis se haya decidido a contar esta historia de la manera como lo hizo.

Por eso es que invitamos a este episodio a Gabriela Román Mérida, profesora, investigadora del cine mexicano y amiga de Cinegarage.

Exploremos los distintos universos dentro de Viridiana, de Luis Buñuel.

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Bien podríamos decir que las películas de semana santa nunca se acaban. Y precisamente por eso es que en este episodio del podcast Cinegarage vamos a rescatar una de las que menos se mencionan en esta época: Semana Santa en Acapulco, también conocida como Viacrucis nacional.

Pero no lo vamos a hacer a la ligera.

Primero vamos a relacionarla por donde se pueda con el gran clásico de cine religioso mexicamo recordado como El mártir del Calvario.

Y después, vamos a ver cómo y por qué Semana santa en Acapulco sigue siendo una comedia incisiva y muy actual, a pesar de reflejar con un ojo muy crítico y a través de una comedia ácida como sangre de xenomorfo, al México y los mexicanos de la entonces naciente década de los años 80, años de crisis profundas en el país.

Su reparto es de primera, pero la manera en que Luis Alcoriza juega con él es sencillamente brillante.

Nuestro invitado es Elías Leonardo Salazar, mandamás del proyecto Cinéfilos en Apuros y amante, como nosotros, del cine popular.

Hablemos como se debe de Viacrucis nacional.

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A finales de febrero de 2026 se dio a conocer una noticia realmente emocionante. Hundida en varios rollos de películas viejas, que a su vez estuvieron arrumbados en sótanos y bodegas, apareció una película de 1897 que va a cambiar la historia de la ciencia ficción y de las películas de robots.

Se trata del corto de apenas 45 segundos llamado Gugusse y el Automatón, dirigido nada menos que por George Mélliès, uno de los pioneros del cine fantástico y de los efectos especiales en el cine.

Es decir, nuestra relación con los robots y lo que nos dicen a través del cine es mucho más vieja de lo que pensábamos.

Para conocer esa historia (y a sus robots favoritos en el cine), invitamos a este podcast a Veka Duncan, Historiadora del Arte, asesora cultural, comunicadora y gran amiga de Cinegarage.

Conozcan aquí la historia del primer robot en el cine y, claro, una nueva lista de robots buenos y malos en las películas.

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Cuando la huelga de escritores estalló en Hollywood en 2023 el tema de la Inteligencia Artificial quedó sobre la mesa. ¿Qué tanto puede esta herramienta desplazar el trabajo humano en actividades en las que la creatividad es pieza fundamental?

Hoy, a casi tres años, la problemática sigue viva. En México, muy concretamente alrededor de la comunidad de actores de doblaje –la más poderosa de Latinoamérica– ha tomado un color muy peculiar. A últimas fechas sus voces han sido emuladas a través de la Inteligencia Artificial para lucrar con ellas y con los personajes a quienes han dado voz en español.

Hace apenas unos días el gobierno mexicano anunció una serie de apoyos e incentivos al cine y la industria audiovisual. Entre ellos listaron una serie de medidas para proteger las voces de los actores de doblaje frente al plagio y predominantemente frente a la Inteligencia Artificial.

¿Qué tan efectivas son esas medidas? ¿Protegen realmente a los actores de doblaje? ¿Se les tomó en cuenta? ¿Solucionan en algo el problema?

Para platicarlo invitamos a este podcast Cinegarage a René García, actor, actor de doblaje de amplia trayectoria, una leyenda que ha prestado voz a más de 200 personajes entre los que destacan Vegeta en Dragon Ball y Nick Wilde en Zootopia,  así como a actores como Tom Cruise, Michael Keaton y Keanu Reeves.

Los actores de doblaje vs la Inteligencia Artificial.

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Hace apenas unos días el gobierno de México convocó a la comunidad cinematográfica nacional y a varios medios (ahí estuvimos) para anunciar un conjunto de incentivos económicos y fiscales para impulsar la producción audiovisual nacional y, sobre todo, la internacional que quiera trabajar en México.

Como siempre ocurre ante anuncios como este, al inicio hubo recelo. La industria cinematográfica mexicana ya ha sido descuidada e incluso maltratada (basta recordar el hoyo en que la sumió el Tratado de Libre Comercio de América del Norte). A ello hay que sumar que el sector cultural ha sufrido un marcado descuido de parte de las autoridades correspondientes, especialmente en los últimos años.

¿Cómo debemos tomar entonces este anuncio? Con cuidado y buscando el mejor enfoque. En especial porque tampoco se debe caer en situación de falsa alarma y mucho menos ser parte de la desinformación, como lo hicieron medios muy pocos serios que dicen cubrir las actividades de la industria cinematográfica.

Por eso, para conocer detalles y opiniones sobre estos incentivos, es que a este podcast sobre el tema invitamos a Abril Alzaga, comunicadora, ex directora del FICUNAM y actualmente Directora General de PROCINE, Fideicomiso para la Promoción y Desarrollo del Cine Mexicano en la Ciudad de México.

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En 1996 dos películas sobre invasiones extraterrestres y la necesaria respuesta de la especie humana llegaron a cartelera. Una fue El día de la independencia del amo del fin del mundo, Roland Emmerich. La otra fue Mars Attacks! o, como se conoció en México, Marcianos al ataque, dirigida por nuestro marciano favorito, Tim Burton.

Una fue un trancazo gigantesco en la taquilla. La otra no tanto.

Ambas cumplen 30 años y en este episodio del podcast Cinegarage hemos decidido revisar la película de Burton, no solamente para hacernos voltear de nuevo a su cine, últimamente muy vilipendiado, sino porque es, en verdad, una película que merece más cariño.

Así que, para iniciar esta fiesta alrededor de Mars Attacks!, van en este podcast diez muy poderosas razones para revisar la película y, a través de ello, regresar al mundo de Tim Burton al que, a veces se nos olvida, le debemos mucho y le deberemos más.

Felices treinta, Marcianos al ataque. Aquí van 10 razones para celebrar esos 10 950 días.

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Alex Garland es uno de los cineastas más inclasificables con los que cuenta la industria del cine en Estados Unidos. Al mismo tiempo, los proyectos en lo que se involucra cuentan siempre con su sello, uno que, paradójicamente, puede identificarse pero no es sencillo definir.

En los últimos dos años tuvimos dos de esos proyectos en cine a través de tres películas. Primero llegó Guerra Civil, escrita y dirigida por él. Y después se estrenaron Exterminio: Evolución y Exterminio: Templo de huesos, en las que fungió como guionista. Las propuestas se ubican en mundos alternos al nuestro, quizá en el futuro. Pero al revisar estas tres películas salta ante nosotros algo que las une. Prácticamente cuentan la misma historia pero de forma muy distinta y, por si eso fuera poco, es una historia muy parecida a la del mundo en el siglo XXI.

¿Es verdad que Guerra Civil, Evolución y Templo de huesos se parecen tanto? Para responder invitamos a este podcast Cinegarage a Edna Campos Tenorio, directora de Macabro, Festival Internacional de Cine Horror de la Ciudad de México, y experta en fines del mundo.

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Enero de 2026. Hace un año y cuatro meses el Instituto Mexicano de Cinematografía estrenaba directora. Daniela Alatorre, productora, documentalista y gente de cine, suplió a la también cineasta María Novaro al mando del Instituto encargado de fomentar la producción y la exhibición de cine en México.

¿Qué ha pasado en este tiempo? ¿Es real que el presupuesto asignado al IMCINE aumentó? ¿Cómo se va a usar ese dinero?En estos 15 meses el IMCINE ha ajustado tuercas y con la creciente presencia del cine mexicano en el mundo, es momento de hacer un rápido recuento de lo que se ha hecho y de lo que se quiere hacer… Porque eso nos importa a todos y a todas

Las razones son varias y Daniela Alatorre, directora del IMCINE, es la invitada para comentarlo con nosotros en este podcast.

¿Quieren conocer las convocatorias que lanza el IMCINE ahora que inicia 2026? También de eso trata este episodio.

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En 1976 Estados Unidos estaba de mal humor en lo político y en lo social. Era muy poco probable que una película como Todos los hombres del presidente llamara la atención.

La cinta, escrita por William Goldman, dirigida por Alan Pakula y protagonizada por Robert Redford y Dustin Hoffman, recreaba la investigación periodística que desenmascaró el hoy famoso caso Watergate, una historia de espionaje y corrupción que obligó al nada inocente Richard Nixon a renunciar a la presidencia de los Estados Unidos en 1974. Con las cosas como estaban, la película era una apuesta arriesgada.

Sin embargo, tras su estreno en la primavera de ese año, crítica y público se volcaron a favor de la cinta y hoy, cincuenta años después, tenemos un clásico gigantesco tanto del cine policiaco cono del que se vincula al trabajo periodístico, un drama político tanto como una clase magistral de cinematografía de alto calibre.

Vamos a celebrar el 50 aniversario de la película con la participación de Axel Muñoz Barba: director, sonidista, amante del buen cine y amigo de Cinegarage.

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Rocky, el semental italiano, está cumpliendo 50 años… De haber perdido su primera pelea importante.

Con guion del propio Sylvester Stallone y dirigida por el siempre atinado John G. Avildsen, Rocky cuenta la historia de un perdedor sin remedio. Y sin embargo, desde el momento mismo de su estreno se convirtió en una de las películas más exitosas de su año y hoy es toda una leyenda.

Hay muchas razones para verla e incluso para volver a verla. Pero hoy, a cinco décadas de su estreno, Rocky puede entregar nuevas reflexiones y, especialmente, puede nutrir con algo de cine del bueno los ojos de nuevos públicos, de generaciones que a lo mejor no la tienen en la mente.

¿Por qué y para qué?

Para responder a esas preguntas y para celebrar el cumpleaños 50 de una de las mejores películas de box –que es al mismo tiempo una historia de amor– invitamos a este episodio del podcast Cinegarage a Leonora Milán, científica, comunicadora, locutora, parte fundamental del exitoso podcast Mándarax y, por lo que nos dice, experta en Rocky.

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Hace 50 años, con un guion escrito por David Seltzer, el director Richard Donner, uno de los mejores ojos que Hollywood tuvo en la segunda mitad del siglo XX. sorprendía al mundo con La profecía, una película de terror en toda regla que se convirtió en un éxito histórico.

La película recaudó 60 millones de dólares alrededor del mundo, y a la fecha se debate si esa recaudación es producto de la solidez cinematográfica que impuso Donner, de su magnífico reparto, de su poderoso suspenso sobrenatural… O por la enorme y clara carga política puesta entre sus encuadres.

Reflejo de la decadencia política de su tiempo, a cincuenta años de su estreno La profecía cumple de nuevo su misión: evidenciar los juegos retorcidos y oscuros de la política de los setenta, igualmente decadentes que los de la política de nuestros tiempos, que, como anuncia la película, nos pone al borde del fin del mundo, real y metafóricamente hablando.

Así que, comenzando 2026, año en que La profecía cumple 50, invitamos a hablar de ella a Marcelo Lara, comunicador, creador de Burger Man, bluesero consumado, cinéfilo de altos vuelos y amigo de Cinegarage.

La profecía no solo cumple 50 años, es tan pertinente hoy como cuando se estrenó.

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En 2023 Depeche Mode realizó su primera gira mundial sin la participación de Andy Fletcher: Memento Mori.

La gira presentaba el álbum de estudio número 15 en la historia de Depeche. Todo muy significativo.

Memento Mori llegó a la Ciudad de México a inicios de marzo de 2023 en donde Depeche Mode dió tres conciertos realmente emocionantes. Pero todo adquirió nueva dimensión cuando se informó que esos conciertos se iban a convertir en el rockumental oficial de la gira, y que esa película iba a ser dirigida por Fernando Frías, conocido director mexicano a quienes ustedes recuerdan por el trancazo cumbiero Ya no estoy aquí. El nombre del proyecto es simplemente M.

Hoy que M se ha visto ya en México y va apareciendo en varios cines alrededor del mundo, entregamos un podcast Cinegarage en el que comentamos todos los detalles, secretos y datos de la película, nada menos que con el director de la misma, Fernando Frías.

Let’s have a black celebration.

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Sí, tenemos que hablar de las películas que no nos gustan por la sencilla razón de que el cine que no nos llena también nos define. Y sobre todo, detectar a las películas que no nos gustan nos ayuda a entender también al mundo que habitamos y cómo lo vivimos.

Este episodio del podcast Cinegarage se centra, entonces, en esas películas que nos hicieron rabiar o dormir… O ambas cosas: cientos de historias de superhéroes, cine de mal terror, refritos de los refritos pasados por aceite quemado, cine de autores necios, películas que son más un anuncio que una historia en la pantalla, musicales eternos que de cine tienen poco.

¿Quién más podría ayudarnos a hacer una selección como esta sino Andrés “Bolud” Durán, uno de los amigos más fieles y levanta ratings de Cinegarage.

Él es el invitado ideal para este otro especial de fin de año: Las peores películas de 2025.

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Es momento de cerrar como se debe. No podíamos dejar ir al 2025 sin el ya famoso y siempre solicitado podcast especial con el recuento de las mejores películas del año. Y aquí estamos. Nadando entre apuntes, memorias, emociones que se apagan al encenderse las luces y muchas ganas de compartir con ustedes lo que en Cinegarage consideramos lo mejor que tuvo el cine que vimos, porque películas hay muchas más.

Del terror reimaginado al documental ultra realista y de ahí al cine que mezcla todos los géneros posibles, aquí recordaremos las películas más emocionantes o las más extravagantes que, por eso y más merecen ser mencionadas en nuestro recuento anual.

Para hacerlo no hay nadie mejor que el crítico de cine Ernesto Diezmartínez, una de las mentes más destacadas y respetadas de la crítica nacional e internacional.

Sin más preámbulos, iniciemos el recuento de las mejores películas de 2025.

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Como cada fin de año, en el podcast Cinegarage seguimos con los recuentos de fin de año. Y como parece que el cine mexicano tuvo movimientos interesantes en 2025, es momento de revisarlo.

Ya lo saben. A diferencia de la opinología que se toma esto con excesiva superficialidad, en Cinegarage no acomodamos las películas de la mejor a la peor. Esa pelea es inexistente en el arte y el cine mexicano, que siempre ha estado entre los mejores del mundo, no merece ser tratado así.

Por ello para este episodio en el que haremos recuento de lo mejor que entregó el cine nacional para que ustedes estén al tanto, invitamos al crítico de cine Jorge Negrete, co responsable del proyecto amigo Derretinas, y que, a diferencia de muchos que solo presumen de hacerlo, sí ve cine mexicano y ve mucho.

Revisemos lo mejor del cine mexicano de 2025 con Jorge Negrete.

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Sí, estamos ya en ese momento del año, la revisión de nuestras pantallas y de todo lo ocurrido entre el agitado enero y diciembre, que nos invita, en este caso, a leer el año cinematográfico a partir de la taquilla.

Lo sabemos, leer lo ocurrido en el cine solamente a través del dinero que cada película recauda puede llevarnos a interpretaciones chabacanas y muy, muy superficiales. La diferencia que queremos marcar en Cinegarage es, primero, que no es el único recuento que haremos del año. Y después, que lo hacemos interpretando los números sin confundirlos como verdades absolutas o metas.

Para hacerlo, claro, también nos acercamos a analistas de verdad y por eso, para revisar como se debe a la películas más taquilleras de 2025, invocamos al especialista de la industria y gran amigo de Cinegarage, Edgar Apanco, para ayudarnos con este podcast especial de fin de año.

Vamos pues a revisar esos números.

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Hace 20 años, después de presentar Guerra de los mundos y antes de realizar El reino de la calavera de cristal, Steven Spielberg se acercaba a los atentados terroristas de los Juegos Olímpicos de Munich, para explorar en una nueva película, al Mossad, la organización de contraterrorismo implementada por el gobierno de Israel. La película lleva por nombre Munich, la ciudad donde comienza la historia.

Las críticas no se hicieron esperar, en especial ante lo violento y explícito en la narrativa creada por Spielberg. Pero también, ante una supuesta parcialidad frente la brutalidad desplegada en la pantalla.

Hoy, con las luces, y sobre todo frente a las oscuridades de nuestro tiempo, la película merece ser revisada y el discurso de Spielberg debe ser visto en toda la magnitud posible, porque probablemente la película es mucho más pacifista y neutral de lo que se pueda sospechar.

A 20 años del estreno de Munich, este podcast Cinegarage quiere invitar a esa reflexión. Por ello para hablar de la película, su maestría y el dilema ante el que nos pone, invitamos a Antón Goenechea: director, guionista, cinéfilo y amigo entrañable de Cinegarage.

Revisemos Munich a 20 años de su estreno.

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Desde que en 1973 William Friedkin impactó al mundo con El exorcista, la película de terror perfecta, una verdadera marejada de cintas alrededor de los exorcismos ha mantenido al tema vivo y a sus detractores muy activos con sacerdotes contando sus experiencias reales y demonios que se nos meten en el cuerpo, .

Lo decimos porque, aunque el tema es emocionante, pocas o ninguna vez se ha llegado al nivel que Friedkin impuso a la primera y porque con todas las posibilidades temáticas y visuales que los exorcistas abren al cine, hemos tenido también verdaderos churros y películas completamente fallidas.

En estos momentos, en que nos disponemos a comenzar el exorcismo del año 2025 —que entra a su mes final–, y a propósito del cumpleaños 20 de dos grandes películas con este tema (Constantine y El exorcismo de Emily Rose), es que vamos a revisar las mejores y peores películas sobre exorcistas y lo haremos con un gran amigo de Cinegarage: Leoncio Lara Bon, rockero, músico, compositor para cine y exorcista de tristezas mediante el blues, una de sus especialidades.

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Olallo Rubio, figura mediática, podcaster, locutor y cineasta, entrega en estos días su nueva película, Tormento, una a la que podemos llamar, sin empacho, su primera ficción 100% ficción. Y lo hace inscrito en el terreno del terror.

Después de sus trabajos documentales Olallo vuelve a la dirección en un género muy fuerte en México, pero que pocos pueden controlar en realidad, así que todo está a prueba en una historia que combina los cuentos de aparecidos, las viejas maldiciones, manifestaciones inter dimensionales y, por supuesto, atmósferas opresivas.

La película, protagonizada por Natalia Solían (¿la recuerdan en Huesera?) juega con eso pero, conociendo a Olallo, también con mucho más.

Con ese pretexto el invitado para conocer los procesos y uno que otro secreto detrás y alrededor de la película, es precisamente el director y guionista Olallo Rubio.

Tormento, próxima a estrenarse, es su apuesta dentro del terror.

Vamos a desentrañar sus secretos.

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Michael Mann es uno de los directores más meticulosos del buen Hollywood y esa dedicación nos ha regalado películas intensas como Heat, quizá su obra más significativa, que en 2025 cumple 30 años.

Rebasando por mucho los géneros a los que se ha vinculado esta historia de policías y ladrones, Heat es también mucho más que la famosa escena que reunió a Robert De Niro y Al Pacino por primera vez en la misma película. Es una tragedia  intensa, con olor a pólvora, con traiciones enfrentadas a los códigos tanto de la ley como del crimen. Un retrato de las profundidades del alma humana con sonido de metralletas activas en el centro de la ciudad. Es, para bautizarla nuevamente desde Cinegarage, un machine gun drama en toda regla

Para rendirle un merecido homenaje a esta pieza artística que es tanto cine de crimen como un análisis psicológico de todo lo que nos motiva y de los riesgos que tomamos, tan desencantada como gélida e intensa, hacemos este podcast Cinegarage para celebrar sus primeros 30 años.

El invitado es Enrique Figueroa Anaya, historiador, analista de cine, fan de Godzilla y amigo de Cinegarage.

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Para nadie es sorpresa que Tiburón, obra de Steven Spielberg, cumple 50 años en 2025.

En Cinegarage hemos celebrado a la película desde hace mucho. Por eso, ahora nos sumamos a la fiesta desde un ángulo diferente. Nos centramos en una de las cientos de películas que, queriendo aprovechar la ola expansiva de Jaws, copiaron, imitaron, exageraron, destrozaron y luego armaron de vuelta lo que Spielberg hizo para bien del género de monstruos, de aventura, de acción y hasta de terror.

En este podcast Cinegarage vamos a comparar los logros de Tintorera con los desaciertos de Tiburón… O al revés.

Tintorera, escrita y dirigida por René Cardona Jr. (príncipe del cine serie B mexicano), es una peculiaridad en toda regla. Protagonizada por Andrés García y Hugo Stiglitz, tiene, creemos, todo para hacerle frente a uno de los mejores Spielbergs de la historia… O no.

Para debatirlo invitamos a Elías Leonardo Salazar, mandamás del proyecto Cinéfilos en Apuros y amante, como nosotros, del cine popular.

Tiburón y Tintorera lo son.

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En este 2025, uno de los críticos de cine más respetados de México, Leonardo García Tsao, cumple 50 años ejerciendo esa profesión. Y no es poco.

En este podcast queremos celebrar la consistencia y el profesionalismo que ha demostrado a lo largo de estas cinco décadas, y lo haremos.

Pero dada la situación que se vive hoy en día en México alrededor de lo que es, se cree que es y lo que podría ser la crítica de cine, también queremos reflexionar con él sobre las transformaciones que esta ha experimentado.

¿Hay de verdad una nueva ola de la crítica de cine? ¿Está, como incluso se ha demandando, en las redes y los mal llamados nuevos medios? ¿Qué se necesita hoy para ser crítico de cine?

También, sin dejar de reconocer el ojo y la carrera de Leonardo, queremos ver si, como han dicho muchos, la crítica de cine agoniza y se aproxima a su desaparición.Lo debatimos con Leonardo García Tsao mientras celebramos sus 50 años como crítico profesional.

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Hoy y ahora, todo mundo habla del Frankenstein de Guillermo del Toro. Y no es para menos. Pero como aquí nos gusta ir siempre al fondo, a propósito del estreno de la película más reciente de don Memo, nos lanzamos a un recuento película a película, emoción por emoción y máscara a máscara, por varios monstruos de Frankenstein en el cine.

Y como el monstruo de este año tiene toque mexicano, nada nos va a impedir viajar de Boris Karloff a los varios y coloridos Frankenstein del cine mexicano, en particular aquellos que causaron pesadillas enfrentándose al Santo y Blue Demon en el famoso cine de luchadores.

Para hacerlo invitamos al crítico de cine César Martínez, colaborador de Fósforo UNAM: Revista de crítica cinematográfica de la Filmoteca de la UNAM, amigo de Cinegarage y una de las voces más creíbles de la nueva crítica.

Recorramos, tornillo a tornillo, al monstruo de Frankenstein en todas sus manifestaciones.

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Seguimos camino a Halloween y Día de Muertos y, como debe de ser, nos mantenemos muy cerca del cine de terror mexicano, que tantas alegrías nos ha dado.

Hoy nos enfocamos en dos películas emblemáticas. La bruja, de Chano Urueta, estrenada en 1954, y La Llorona, de René Cardona, que llegó a los cines en 1960. Si alguna vez el cine de terror mexicano ha mostrado originalidad y audacia, ha sido primero al rescatar una vieja leyenda como la de La llorona y, después, al jugar con los géneros, desde el noir hasta el terror, con apuestas tremendamente populares como la de La bruja.

En plena época de espantos y para alargar nuestra conversación alrededor de casas embrujadas y maldiciones, traemos de regreso a este podcast Cinegarage a la investigadora del cine mexicano Gabriela Román Mérida, quien nos ayudará a detectar las cualidades de dos figuras femeninas determinantes para el cine de terror de este país.

La bruja y La llorona, juntas.

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Era 1968. El país estaba a punto de vivir una transformación social poderosa. El cine mexicano exploraba nuevos caminos y encontraba una modernidad fascinante. El cine de terror no podía quedarse atrás y justo en ese año presentó una de sus fichas más sólidas: El escapulario, una película de terror tan vanguardista como tradicional, una muestra de los alcances del género y del poder de sus discursos.

Dirigida por Servando González (director de Viento negro, otro gran clásico) y fotografiada por Gabriel Figueroa, la película está llena de atmósferas, suspenso y aparecidos, una historia ideal para la temporada de espantos… O para cuando se antoje ver una película de primer nivel.

Enfilándonos a Halloween y Día de Muertos, en este podcast vamos a repasar a El escapulario al lado de nuestra invitada, Edna Campos Tenorio, Directora de Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México y fan de la película.

Este es el podcast dedicado al clásico del terror: El escapulario.

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Belleza americana, ópera prima de Sam Mendes, fue una de las primeras películas estrenadas en México en el siglo XXI. Llegó temprano al calendario, llenó salas, ganó varios premios Oscar y se convirtió, también, en una rareza en comparación con el resto de sus contemporáneas y en la lista de cintas premiadas por la Academia de los Estados Unidos.

Se trata de un drama con mucho humor negro que se separaba del cine de entretenimiento tradicional de esos años, muy en boga al finalizar los 90. Pero es también una propuesta plástica potente, viva y, tenemos que repetir la palabra, extraña en sí misma.

Punzante, trágica, incorrecta a los ojos de unos, premonitoria en la mirada de otros, es una película que quizá perdió vigencia al poco tiempo de haberse estrenado, pero que la ha adquirido de vuelta debido a los oscuros tiempos que viven los Estados Unidos hoy, a 25 años del estreno de la película.

Para hablar de Belleza americana, su propuesta y su renacimiento, invitamos a este podcast al investigador, maestro y crítico de cine Sergio Huidobro.

Miremos más de cerca y hablemos de Belleza americana.

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Hace apenas unos días Netflix estrenó la serie Las muertas, un macabro relato ambientado en el México de la segunda mitad del siglo XX, basado en no menos trágicos hechos reales.

El caso de Las poquianchis, cuatro mujeres proxenetas, asesinas, explotadoras y torturadoras también conocidas como las hermanas González Valenzuela, fue ampliamente difundido por la prensa de nota roja y discutido en la sociedad mexicana de su época. En su momento, 1976, Felipe Cazals y los guionistas Tomás Pérez Turrent y Xavier Robles, transportaron el relato al cine con una película del mismo nombre, Las poquianchis.

Un año después, en 1977, el escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia se basó en el mismo caso para escribir su novela “Las muertas” que, tras varios intentos de adaptación de parte del director y guionista Luis Estrada, hoy finalmente se concreta en formato serie.

Pero, ¿quién es Jorge Ibargüengoitia y cuál es el peso de “Las muertas” y otras de sus novelas? ¿Por qué costó tanto trabajo llevar una novela relativamente corta al audiovisual? ¿Por qué nos tomará más tiempo revisar la serie que leer el libro?Con ello en mente invitamos a este podcast Cinegarage a Antonio Ortuño, narrador, guionista y profesor de escritura creativa, especialista en la literatura de Jorge Ibargüengoitia y, claro, en “Las muertas”.

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Creados en 1945, en plena explosión de la cinematografía mexicana, los Estudios Churubusco han sido desde ese año un referente para el cine, la cultura, la historia y el arte no solamente de México, sino del mundo.

En sus 60,000 metros cuadrados de extensión se han desarrollado y concretado importantísimos proyectos cinematográficos de corte universal, y se han generado miles, millones de imágenes que han hablado de nosotros al resto del mundo, y que al mismo tiempo han traído el mundo hasta nosotros.

En 2025 los Estudios Churubusco Azteca cumplen 80 años y la fiesta no podía ser pequeña. No solamente porque ocho décadas son una cantidad considerable. Sino porque en esos 80 años los rostros de México que mostramos al mundo son ya tan variados, distintos, cercanos y reconocibles, que desde ahí se refuerza una idea central del cine: conectar y conectarnos con otras historias, otros discursos, otras ideas, siempre a través del arte.

Para este podcast Cinegarage que celebra los 80 años de los estudios cinematográficos más importantes de Latinoamérica, invitamos a Cristian Calónico, Director de los Estudios Churubusco Azteca.

Que comiencen las celebraciones.

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En plena noche de Halloween, el cuerpo de un asesino en serie es robado de la morgue por un grupo de estudiantes que creen, inocentemente, que no ocurrirá nada más después de la broma. Sin embargo, tras realizar un extraño ritual, estos estudiantes desatan una serie de sucesos que inundan la pantalla de terror y de sangre rojo psicodélico.

Cementerio del terror cuenta esa historia. La película estrenó en 1985 y es, contra los deseos de la policía de la crítica de cine, una verdadera cinta de culto.

Hicimos cuentas y memoria y Cementerio del terror, película de Rubén Galindo Jr., protagonizada por Erika Buenfil y Hugo Stiglitz, cumple nada menos que 40 años. Así que iniciando el mes de septiembre, convocamos a este podcast Cinegarage para celebrarla, a Andrés “Boludo” Durán, nuestro amigo más nerd, y a Daniela Medina, comunicadora, entusiasta de la cultura pop, el anime, el manga, el cine y los videojuegos. Actualmente co-anfitriona en el podcast El Fandalorian.

Celebremos los 40 años de Cementerio del terror.

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Tras el final de la Segunda Guerra Mundial un niño experimenta un evento tremendamente traumático y a partir de ahí enmudece y queda ciego al 100%. Sin embargo, conforme su problemática vida transcurre, inexplicablemente se convierte en campeón de pinball y también en líder de un extraño culto que lo lleva a la cima de la popularidad… Con todas las sombras correspondientes.

La historia pertenece a Tommy, la ópera rock escrita por Pete Townshend e interpretada por The Who, una de las bandas de rock que alcanzaron la inmortalidad apenas salieron a la luz. El disco “Tommy” salió a la venta en 1969, pero en 1975 –y tras varios intentos de adaptación– Tommy se transformó en una película bajo la dirección del no menos mítico Ken Russell.

Plagada de estrellas, posteriormente nominada al Oscar, maltratada por la crítica rancia, Tommy se convirtió en éxito de taquilla hace exactamente 50 años. En este podcast Cinegarage queremos recordarla, homenajearla y recomendarla a quienes aún no la conozcan.

Para hacerlo invitamos a este episodio al infalible Marcelo Lara, experto musical, bluesero de corazón, amante de The Who y levanta ratings en este, su podcast Cinegarage.

Tommy explotó ante el mundo hace 50 años.

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En 2015 la película mexicana Un monstruo de mil cabezas, dirigida por Rodrigo Plá, inauguraba la sección Horizonte del Festival Internacional de Cine de Venecia y poco después se presentaba en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia, convirtiéndose en todo un suceso.

La historia de una mujer común que se enfrenta, después de años de pagar su seguro médico, a un corporativo médico, en busca de obtener respuesta y justicia ante una emergencia, invitaba e invita a quien la ve a involucrarse en el tema a través de una verdadera experiencia cinematográfica que mezcla thriller, drama y múltiples puntos de vista alrededor de ese hecho.

La cinta cumple 10 años de ese estreno y por eso creemos pertinente traerla al presente no sólo porque se trata de una propuesta más que valiosa, sino porque el tema y la forma en que se expone sigue siendo importante.

Por eso, a este episodio del podcast Cinegarage invitamos a Laura Santullo, guionista, cineasta, escritora, maestra y autora del guion de Un monstruo de mil cabezas y desde ahora le damos una cálida bienvenida.

A 10 años de su estreno hablemos de Un monstruo de mil cabezas con la autora del guion: Laura Santullo.

Debajo de la publicación de este episodio en nuestro perfil Patreon, encuentran las ligas para ver en plataformas a las películas mencionadas hoy.

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En agosto de 2025 el mundo conmemora (quizá no como deberíamos) 80 años del bombardeo atómico sobre Hiroshima y Nagasaki que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial.

En Cinegarage ese evento aún nos conmueve. Por eso, proponemos una serie de reflexiones alrededor de esta tragedia final de esa guerra, y lo hacemos, como siempre, desde el cine.

Rashomon, película de Akira Kurosawa estrenada en 1950, y Godzilla, de Ishiro Honda, estrenada en 1954, son dos películas que lanzan poderosas y profundas reflexiones sobre la Guerra, sobre la participación de Japón en ella, sobre los bombardeos atómicos y, por supuesto, sobre sus secuelas.

Para ahondar en estas lecturas la invitada ideal es Veka Duncan, autora, investigadora y difusora cultural –a quien pueden ver y seguir en su canal de YouTube (Veka Duncan) en el espacio Martes Cultural– y es también gran amiga de Cinegarage.

Godzilla y Rashomon nos dan, desde aquí, la oportunidad de reflexionar sobre los bombardeos atómicos de hace 80 años.

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Las pantallas del verano 2025 van a recibir una nueva entrega de Mirreyes contra Godínez, una de las series cinematográficas más exitosas del cine mexicano contemporáneo y, como casi siempre en esto de las secuelas de secuelas, muchos esperan que la nueva apuesta luzca más grande, quizá más ruidosa.

¿Apuesta? Sí. Dentro de todo y sumergida en la muy menospreciada ola de comedias mexicanas, una nueva entrega de esta serie en la que los dueños de los medios de producción se ven las caras con la clase trabajadora, tiene primero un compromiso con sus públicos, que han llenado salas y salas para conocer sus historias. Y después con la taquilla pues, evidentemente, se espera que esta película sea tan o más exitosa que las anteriores.

Pero hay otro obstáculo. ¿Se tiene que procurar la corrección a toda costa en una comedia que funciona a través de estereotipos?

Para hablar de ello, de las dificultades de la comedia actual, de los logros de las comedias mexicanas y de este inesperado viaje a Las Vegas, invitamos a este episodio al director de la saga Mirreyes contra Godínez: Chava Cartas.

Conozcamos con él los entretelones de su nueva película.

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El cine de terror mexicano cuenta con la suficiente historia, y sobre todo personalidad, para dotar a elementos como las casas embrujadas del género de terror, un peso singular y atmósferas que no pueden replicarse en otras industrias cinematográficas.

Por esa razón, las historias que el cine mexicano ha contado alrededor de las casas embrujadas, son tan especiales, responden a otras reglas, no dependen ni buscan el susto barato detrás de la puerta y, sobre todo, no buscan exorcizar sus fantasmas ni santificar sus paredes.

Por esa razón es que en este episodio del podcast Cinegarage vamos a explorar a las casas encantadas del cine mexicano, los espacios que nos abren, las puertas que nos cierran y, claro, los fantasmas que nos presentan.

Para hacerlo invitamos a la respetada y experimentada investigadora de cine mexicano Gabriela Román Mérida, quien viene a ilustrarnos sobre esta inigualable característica del cine mexicano: sus casas embrujadas.

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Hace apenas una semana falleció Ozzy Osbourne. Delantero de la banda Black Sabbath, icono del metal, figura central de la cultura popular del siglo pasado… Y de este, Ozzy se había despedido de los escenarios 15 días antes en un concierto que ofreció en Birmingham, Inglaterra, a los 76 años.

Como en Cinegarage el cine y las artes en general van siempre de la mano, hoy tomamos el ala del heavy metal para hacer un homenaje a Osbourne repasando primero, algunos de sus cameos más emblemáticos en el Hollywood de nuestros tiempos. Luego, haciendo una selección de las canciones de Black Sabbath que han aparecido, siempre de forma impactante, en películas que no siempre, ni necesariamente, tienen que ver con el metal.

Y al final, cómo no, hablaremos de ese último concierto que, como debe de ser, tras ser transmitido en vivo, quedó registrado para la inmortalidad y es ya, un rockumental-concierto-homenaje emblemático, histórico y claro, un show lleno de sentimiento.

Nuestro invitado para este episodio es Tony Kings, bien conocido en los micrófonos de la radio rockera de México, experto musical y gran amigo de Cinegarage.

Ozzyne, Ozzy Osbourne. Viva el metal.

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Cuando el director Michael Gracey y el cantautor Robbie Williams cruzaron ideas para generar Better Man, nunca imaginaron que estaban a punto de entregarle al mundo uno de los mejores rockumentales de la historia.

Pero menos pensaron que la película, llena de cualidades que el cine contemporáneo no ejecuta más, era también un ejercicio de reconocimiento de los demonios de Robbie Williams y que, desde la perspectiva de la exploración de sus sentimientos, iba a entregar un discurso que nada tiene que ver con la ya muy manida historia del rockero, su ascenso, su caída y resurrección.

Desde la difícil relación con su padre, la exploración de las capacidades de Williams y la mirada crítica al mundo que le tocó vivir, Better Man es más de Shakespeare y de la psiquiatría, que del drama convencional de superación personal.

Así que, para este episodio del podcast Cinegarage, vale mucho la pena explorarla al lado de nuestro doctor psiquiatra de extrema confianza, Rafa López, experto en el tema, mandamás del podcast Supracortical y amigo de Cinegarage.

Vamos a revisar como nadie a Better Man, a Robbie Williams y, de paso, a nosotros mismos.

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El 20 de septiembre de 2025 la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas entregará los premios Ariel, el reconocimiento a lo mejor del cine nacional.

Se trata de la entrega 67 del premio de una Academia que está por cumplir 80 años. Es decir, tenemos premios a lo mejor del cine sustentados en historia y tradición. Y eso tenemos que recordarlo.

Este año, sin embargo, al conocer la lista con películas y personas nominadas al Ariel surgieron muchas dudas.

¿Por qué hay categorías con tres nominaciones y otras con seis? ¿Por qué solo un largo nominado en la categoría de animación? ¿Es un Ariel seguro? Este año hay nuevas formas de votar así que… ¿Cómo se eligió a las nominadas y cómo se votará a las ganadoras?

Mucho se ha opinado desde las redes sociales. Y mucho se va a especular hasta que llegue la tarde de la premiación.

Por eso en este podcast Cinegarage decidimos resolver esas dudas e inquietudes y derribar un par de mentiras en una conversación con Armando Casas, productor, director y actualmente Presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

¿Listos para resolver sus dudas alrededor de la entrega 67 del premio Ariel?

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American Psycho, la novela, es uno de los grandes libros de finales del siglo XX.

American Psycho, la película, también raya en la perfección.

Ahí podríamos detenernos en la presentación de este podcast. Pero no. Hay que advertir que mucho de lo malo que, desde la opinología se dice de la película, es falso.

A partir de la novela de Bret Easton Ellis, la directora Mary Harron y su guionista Guinevere Turner, armaron un retrato amargo y tremendamente divertido, lleno de sangre y violencia gráfica, del final del siglo XX. Pero también dejaron ahí, ocultos en lo evidente, una serie de avisos sobre aquello raro y amargo, idiota e insensato en que se convertiría el mundo en el siglo XXI.

Hoy la película cumple 25 años y es momento de decirle a quienes no la han visto que se acerquen a ella. El cine de nuestros tiempos ya no corre riesgos como los que se impuso American Psycho y, pocas veces, cada vez menos, alcanza logros similares mientras dibuja al mundo que vivimos con desparpajo y tremenda inteligencia.

Nuestro invitado es el guionista y director Antón Goenechea… Y no había nadie mejor que él para celebrar los 25 años de American Psycho.

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Llegamos al verano del primer cuarto del siglo XXI, una marca en el calendario que debió pasar a la historia con una oferta de cine de verdad, de historias interesantes y determinantes para un momento tan peculiar como el que vive la humanidad.

Sin embargo, la oferta de este verano cinematográfico es todo lo contrario.

Por razones que vale la pena entender para tratar de cambiarlas, el verano cinematográfico del muy determinante 2025 va a quedar marcado como uno de los peores de este siglo. La cartelera está ya poblada de secuelas sin sentido, otras completamente sacadas de la manga, vendrán nuevas versiones, reboots, películas que imitan a otras encuadre a encuadre y el regreso de, por lo menos, dos temas alrededor de los superhéroes que creíamos ya superados.

Y la cosa se va a poner peor.

Para entender este fenómeno y ver si nos hace mal o bien… O qué podemos hacer al respecto, invitamos a este podcast a la guionista Anna Grajales que de contar historias, especialmente nuevas, sabe y mucho.

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Hace 50 años el director Gilberto Martínez Solares sorprendía al mundo. Artífice de más de 160 películas, muchas de ellas englobadas en la Época de Oro del cine mexicano., estrenaba un delirio visual tremendamente bien filmado, estupendamente actuado y montado llamado Satánico Pandemonium, una aberración dentro de su filmografía y del cine mexicano de la época.

También conocida como La sexorcista, la película es una mezcla de terror, cine fantástico, melodrama y nunsploitation, el subgénero repleto de historias de monjas rebeldes que comenzaba a poblar las pantallas de cine en la década de los 70.

Sin embargo, Satánico Pandemonium es mucho más. Admirada en todo el mundo, referenciada por directores como Quentin Tarantino, inclasificable y ambigua, ha impulsado cientos de conversaciones en todo tipo de medios.

Estrenada en junio de 1975 la película atípica del gran Gilberto Martínez Solares cumple ya 50 años. Y queremos celebrarla revisándola desde el siglo XXI al lado de nuestra invitada, Edna Campos Tenorio, directora de Macabro, Festival de Cine de Horror de la Ciudad de México y amiga de Cinegarage.

Entremos pues a la orgía casi psicodélica de Satánico Pandemonium a 50 años de su estreno.

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Hace apenas unos días, en el marco del Festival Internacional de Cine de la UNAM, se presentaba en competición el documental Sex Panchitos, dirigido por Gustavo Gamou. Las funciones de la película fueron todo un suceso y la famosa banda de Los Panchitos, protagonista también de otra película alrededor de sus andanzas, se hizo presente con un séquito más que festivo.

Ante ese éxito y sin dejar de hablar de estas dos películas, invitamos a este podcast a Demian Torres, voz nueva de la crítica, colaborador de la revista de crítica cinematográfica Fósforo UNAM y artista interdisciplinario, para hablar de las juventudes en palomilla dentro del cine.

¿Cómo ha visto el cine a las bandas juveniles? ¿Qué ha hecho con ellas el cine mexicano y cómo las han tratado personajes como Spielberg?

Repasemos a La banda de Los Panchitos y otras pandillas juveniles en el cine.

Bienvenido Demian Torres.

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Hace una semana publicamos una entrevista póstuma con Jorge Fons, director de El callejón de los milagros –piedra angular del cine mexicano de fines del siglo pasado– a propósito de los 30 años que cumple de haberse estrenado.

Hoy, para mantener el tema alrededor de la película y al lado del crítico de cine, investigador y profesor Sergio Huidobro, veremos qué peso tiene o ha dejado de tener esta película en el cine mexicano contemporáneo.

El callejón de los milagros cuenta con muchísimas cualidades y puso al cine mexicano en el nivel que merece en medio de una crisis casi mortal de esa industria, crisis que también cumple 30 años.

¿El cine mexicano actual sigue vinculado a películas como esta? ¿Por qué y para qué?

A 30 años de su estreno, revisemos desde otro ángulo, el de la actualidad, a una de las películas mexicanas más universales: El callejón de los milagros.

Bienvenido Sergio Huidobro.

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Hace 30 años el cine mexicano vivía una de las peores crisis de su historia. De esa crisis, sin embargo, surgió una de las películas más importantes en su historia: El callejón de los milagros.

Impresionante adaptación de la novela de Naguib Mahfouz de parte de Vicente Leñero, la película fue dirigida por Jorge Fons, pilar del cine nacional.

Hace ya varios años tuvimos la oportunidad de comentar a detalle la película con el propio Jorge Fons, quien nos dio todo tipo de detalles de la concepción y del rodaje de la película, multipremiada en todo el mundo.

Hoy, de forma póstuma, rescatamos esa plática con Jorge Fons para celebrar los 30 años de El callejón de los milagros, de su éxito, de la proyección que la película le dio a Salma Hayek y obra de primer nivel de uno de los mejores directores del cine mexicano, a quien también recordamos hoy a través de esta entrevista.

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El rockumental es un género muy activo en México y, dadas las circunstancias en las que el rock mexicano se vio obligado a sobrevivir, sus registros, por ahora, están centrados en los convulsos años 80 del siglo pasado. Tutti Frutti: El templo del underground, estrenado hace apenas unos días, es una muestra peculiar de ello.

La película registra lo que nadie se encargó de documentar y cuenta desde la emoción viva cómo mucho del rock mexicano se pintó, desde el escenario del Tutti Frutti –tan minúsculo en lo físico, como gigantesco en su enfoque– con los colores de Los Caifanes, La maldita vecindad, Atoxxico, Santa Sabina, tanto como los de Café Tacvba y Bon y los Enemigos del silencio.

Para hablar de la película que registra a una generación que picó piedra en una ciudad que estaba por despertar, invitamos a este podcast Cinegarage a Brisa Vázquez, co fundadora del mítico Tutti Frutti, baterista de la banda Los Esquizitos y protagonista involuntaria del rockumental Tutti Frutti: El templo del Underground.

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Stanley Kubrick fue un cineasta de muchos rostros y el que imprimió en el género de terror es, quizá, uno de los más sólidos en su carrera. El resplandor es la película con la que lo hizo, un prodigio no sólo desde el aspecto cinematográfico sino desde las reglas del género, que maneja a conveniencia para llevarlo a un nivel tan explosivo como indescriptible.

Basada en la novela de Stephen King, que también tiene lo suyo, El resplandor de Kubrick ha generado un aura mística que sólo adquieren obras mayores y al mismo tiempo populares, una mezcla casi imposible de lograr. Con un rodaje lleno de abusos, con personajes atormentados en todos los sentidos, con un director obsesivo y perfeccionista a la par de inaccesible y dominante, El resplandor sigue siendo un éxito a 45 años exactos de su estreno.

Por eso hablaremos de ella en este episodio al que invitamos a Leoncio Lara Bon, rockero, músico, compositor para cine, bluesero de corazón y desde hoy, huésped de honor de Cinegarage.

Celebremos 45 años de El resplandor y sus secretos.

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El Instituto Mexicano de Cinematografía está de fiesta. Su Anuario Estadístico del Cine Mexicano ha llegado a su edición 15 y la celebración es obligada. Lo es porque detrás de este anuario hay un trabajo descomunal de registro y documentación de lo que es y lo que ocurre con el cine mexicano, un proceso que se ha sostenido y robustecido a lo largo de XV años, que no es poco.

¿Es real que México sólo produce comedias románticas? ¿Es cierto que las películas se pagan con nuestros impuestos? ¿Es verdad que nadie ve cine mexicano? ¿Qué papel juega en todo esto la piratería? ¿Y el streaming?

Este año y a partir de los números que nos da el Anuario, el análisis va en esa dirección y para hacerlo convocamos al gran experto de la industria, Edgar Apanco, que lee los números como nadie y además es amigo de Cinegarage.

Conozcamos mucho del cine desde el ángulo de los números de este año. Analicemos el Anuario Estadístico del Cine Mexicano número 15.

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En 2005 el cine mexicano sufrió una revolución. El estreno de El violín, ópera prima del director Francisco Vargas, suscitó un entusiasmo nuevo en el cine mexicano que apenas se recuperaba de los golpes recibidos en la década anterior.

Sensible, abierta, humana y con propuestas estéticas poderosas, El violín, ganadora de tres premios Ariel, entre ellos el de Mejor Ópera Prima y Mejor Guion, se convirtió en referencia para muchos cineastas posteriores. Es también, y lo merece, película de culto en el gusto cinéfilo mexicano del siglo XXI.

Hoy El violín, una de las películas más importantes surgidas del Centro de Capacitación  Cinematográfica de México, cumple 20 años y vale la pena revisarla, en especial cuando el cine mexicano ha pasado, no siempre de la manera más afortunada, por un periodo de reflexión alrededor de la violencia enraizada en el país.

El violín es, y será, una película propositiva al respecto y, lo creemos desde ahora, una de las mejores películas mexicanas con esa temática y, sin duda, también en términos generales.

¿Por qué? Para responder invitamos a este podcast  Cinegarage al director Axel Muñoz Barba, fan y conocedor de El violín, así como amigo entrañable de Cinegarage.

El violín y su revolución cumplen 20 años.

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Hace cinco años el mundo, casi todo el mundo, estaba confinado. La pandemia de la COVID 19 demandaba que quienes tuvieran casa, espacio, lugar dónde hacerlo, se encerraran para, en lo posible, cortar una cadena de contagios que amenazaba con provocar mucha más enfermedad y muerte.

En ese contexto en México estrenaba Nuevo orden, película del ya controversial Michel Franco, ganadora del gran premio del jurado en el Festival de Venecia de 2020. La respuesta, tanto de público como de crítica fue casi unánime y una ola de rechazo ante el discurso de la película -e incluso ante su forma- circuló por los medios de México, serios y no.

El director y guionista reaccionó. Sus declaraciones no ayudaron mucho a cambiar las ideas que la gente desarrollaba alrededor de su película, centrada entre el melodrama, la narración distópica, el tremendismo y la tragedia futurista  disfrazada de lectura social.

Eso fue, repetimos, hace cinco años. Y hoy vale la pena preguntarnos. ¿Fuimos muy duros con la película? ¿Fuimos demasiado blandos con ella? ¿Se trataba de una película visionaria o de una reacción casposa y rancia? ¿Tenemos que revisar Nuevo orden?Para debatirlo invitamos a este podcast Cinegarage al crítico de cine Jorge Negrete, colaborador y parte fundamental de Butaca Ancha y anfitrión de lujo en el programa de radio Derretinas.

A cinco años de distancia, ¿estamos más lejos o más cerca de Nuevo orden?

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Hace 30 años Terry Gilliam, director surgido del proyecto Monty Python, artífice de maravillas como Brasil y Las aventuras del Barón Munchausen, recibió un encargo gigantesco: dirigir una película de nombre intrigante, 12 Monkeys, que contaría la historia de un hombre que va y viene en el tiempo, para tratar de entender las razones de una pandemia que aniquilará al 99% de la población humana.

Afortunadamente Gilliam aceptó y con Bruce Willis y Madeleine Stowe a bordo, concretó después de un rodaje muy accidentado con presupuesto muy justo, una de las mejores películas de ciencia ficción distópica que se hayan filmado.

Convertida hoy en película de culto, merecedora de estudios y análisis apasionados, 12 Monkeys cumple 30 años de haber sido, además, una película muy exitosa en taquilla.

Para celebrar ese cumpleaños invitamos a hablar de la película a Leonora Milán, científica, comunicadora, locutora, melómana, una de las cabezas del exitoso podcast Mándarax y entusiasta de la filmografía de Terry Gilliam.

Celebremos 30 años de 12 Monkeys.

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El 1 de abril de 2025 el mundo del cine recibió una noticia realmente triste. Val Kilmer, uno de los actores más populares en Hollywood, había fallecido.

Kilmer poseía un carisma muy particular. Fue una estrella que se diferenció siempre del resto de las estrellas, no sólo por su físico sino por su capacidad para entrar y salir de todo tipo de géneros: el de acción, la comedia, el western, las biopics, la fantasía, el neo noir, ciencia ficción… Iceman, Jim Morrison, Wyatt Earp, Batman, Simon Templar. Los nombres de sus personajes son prueba de su capacidad tanto para actuar como para transformarse… Y al utilizar esa capacidad transformó, a su vez, la vida de miles y miles de cinéfilos en todo el mundo.

Lamentando enormemente su muerte y en pleno año 11 del podcast Cinegarage invitamos a nuestro querido amigo Cha, bajista estelar de varios grupos de rock desde Fobia hasta Gran Sur, a revisar la carrera y el legado del inigualable y muy querido Val Kilmer.

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Si el Diablo les concediera siete deseos, ¿qué pedirían?

Porque hace 25 años eso le ocurrió a Elliot. El Diablo, sexy y provocador, le ofreció varios deseos y Elliot pidió, de muchas formas distintas, conquistar a la mujer de sus sueños. El resultado es una de las comedias más exitosas de este siglo a nivel de público, una historia con la que cada vez nos encariñamos más llamada Al Diablo con el Diablo.

Basada en Bedazzled, escrita por Peter Cook y Dudley Moore, dirigida por Stanley Donen, Al Diablo con el Diablo es más que una actualización de aquella película. Es en realidad una producción que se atrevió a algo más, que jugó mejor con sus elementos y que hoy, a 25 años de su estreno, merece una revisión para que quienes la conozcan la recuerden, y quienes no, que se acerquen a ella… Aunque pongan en peligro su alma.

¿Cómo vamos a celebrar el primer cuarto de siglo de esta película dirigida por Harold Ramis? Invitamos a este episodio a Andrés “Boludo” Durán, especialista en videojuegos, Star Wars, cómics y cine del bueno y que, por si fuera poco, se sabe de memoria, minuto a minuto Al Diablo con el Diablo.

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“Frankenstein o el moderno Prometeo” es una de las novelas más influyentes en la literatura universal. Su origen está marcado con detalle en esa noche del inexistente verano de 1816 en la que Mary Shelley aceptó el reto lanzado por Lord Byron: escribir un texto sobre fantasmas mientras afuera, las cenizas de una erupción volcánica en Indonesia -ocurrida hace exactamente 110 años- le daban al idílico paisaje un toque siniestro que ya era mezcla de ciencia y superstición.

“Frankenstein”, la novela, ha sido desde entonces la inspiración de cientos de películas que tienen su origen en el enorme trabajo de Shelley. una novela que nació para convertirse en inmortal, como algunas de las películas surgidas del texto. Entre ellas, la genial Novia de Frankenstein, que este año cumple 90 de haberse estrenado.

Considerada por muchos como la mejor película hecha alrededor de este famoso monstruo, celebraremos aquí su cumpleaños. Y nuestra invitada para lograrlo es Edna Campos Tenorio, directora de Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México.

Del lejano origen del monstruo a los 90 años de su mejor película: La novia de Frankenstein.

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Todo ocurre en el salto del siglo XX al XXI. Una droga cibernética inunda las calles de Los Angeles y un activista afroamericano acaba de ser asesinado provocando levantamientos en toda la ciudad. Un poco íntegro ex policía se ve atrapado en este enredo. Kathryn Bigelow, cuya película anterior había sido Punto de quiebra -otro clásico- levanta desde aquí un thriller futurista y emocionante pero que, desde el 2025, a 30 años de su estreno, nos sabe tremenda y preocupantemente actual.

Strange Days (con Ralph Fiennes, Angela Basset y Juliette Lewis) está basada en las revueltas angelinas de 1992 y es uno de los cyberpunk que mayor culto ha desarrollado con los años. Pero es también una película que parece vaticinar mucho de lo que ocurre hoy en Estados Unidos, ya sea que hablemos de política, de economía o de problemas sociales.

Mientras eso se confirma, en este episodio del podcast Cinegarage tenemos muchas y variadas razones para que se decidan a ver Strange Days, un clásico incomprendido, un presente alterno: una película sci fi dura y emocionante, con uno de los mejores soundtracks de la época.

Strange Days cumple 30 años.

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Miremos hacia atrás. Cien años. Mil novecientos veinticinco fue y será siempre un año extraordinario y determinante para el cine. Ese mismo año estrenaron en el mundo El acorazado Potemkin y La quimera del oro.

La primera, obra del realizador soviético Sergei Eisenstein, es un ejemplo claro del poder del lenguaje cinematográfico y de cómo su ejercicio es un arte en sí. Mucho se debate sobre si es la obra cumbre de Eisenstein, pero tenemos claro que es una película que se ha estudiado, se estudia y se seguirá haciendo en escuelas, cursos y talleres de cine de todo el mundo.

La segunda es la película que el británico Charlie Chaplin escribió, dirigió y protagonizó para unir en una sola historia, un western atípico pero ejemplar, a la tragedia y a la comedia. Se trata de una historia que también eleva al lenguaje del cine al nivel de arte puro. Pero también y a su manera, muestra algunas grietas peligrosas del sueño americano.

Dos obras cumbre del cine se estrenaron hace cien años: El acorazado Potemkin y La quimera del oro.

Para comentarlas desde el amor puro que tenemos al cine invitamos a este episodio al crítico Sergio Huidobro, profesor cinematográfico, tallerista y amigo de Cinegarage.

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Máximo logró restaurar la República en Roma no hace cientos de años, sino hace apenas 25. Gladiador, la película de Ridley Scott ganadora de cinco premios Oscar, pero también nominada a 6 premios de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Horror de los Estados Unidos, cumplió ya un cuarto de siglo.

Gladiador inauguró toda una época, hizo de Russell Crowe una figura más que internacional y se convirtió en la segunda película que más recaudó en taquilla en el 2000, solamente detrás de Cómo el Grinch se robó la navidad… Nada mal.

Con una secuela estrenada en 2024, considerada un clásico por toda una generación, muchos la revisan hoy solamente para señalar sus errores en cuanto a precisión histórica.

¿Es válido o útil ese ejercicio?

Para platicar del tema y de este peliculón invitamos a este podcast a Veka Duncan, Historiadora y Divulgadora del Arte, autora y admirada por toda la redacción de Cinegarage.

Felices 25 años Gladiador.

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Las relaciones entre mujeres mayores y chamacos de menos de 30 no son nuevas y, la verdad, tampoco son un pecado. Pero por alguna razón el tema está volviendo con furor al cine de estos años. En lo que llevamos de 2025 hemos tenido en las salas por lo menos dos historias en las que una mujer mayor se lanza a la aventura erótico sexual con hombres bastante menores que ellas. Por un lado tenemos al último capítulo del simpático melodrama alrededor de Bridget Jones, con Renée Zellweger, y por el otro a Babygirl, con Nicole Kidman en el papel estelar.

Pero habrá más películas con estas situaciones en el centro y, claro, también hay que aclarar que antes que estas dos, tuvimos a varias otras y muy divertidas cougars en el cine.

En este episodio vamos a recordar algunas de ellas: las más divertidas, las más escandalosas y, claro, las más rabiosas.

Para hacerlo invitamos a Saraí Campech, colaboradora de Cinegarage, periodista cultural, colaboradora de La Lista y conductora de 80 millones, programa en ONCE TV.

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“¡No vayas a meterte drogas!” le grita Elaine a William, su hijo de 15 años que acaba de encontrar trabajo en la revista Rolling Stone y está por embarcarse en la gira de Stillwater, el grupo del momento, para registrar todo en su bloc de notas.

Por supuesto, lo que ocurre es todo lo contrario y en parte esa experimentación con lo prohibido, con lo nuevo, con lo cool, es lo que nos cuenta Almost Famous, la película casi autobiográfica escrita y dirigida por Cameron Crowe, y que este año cumple 25 de haberse estrenado.

Entre ser una declaración de amor al rock and roll, un viaje de nostalgia de la buena, una reflexión sobre los amores, el crecimiento y la fama, la película es también una oportunidad para comprobar, de nuevo, que el cine es emoción antes que nada, igual que el rock, igual que el amor.

No se trata de ponernos cursis, así que para entrarle de nuevo a Almost Famous a 25 años de su estreno, invitamos a este episodio a Marcelo Lara, famoso de verdad y bluesero y rockero de altura en más escenarios de los que ustedes creen y amigo atemporal de Cinegarage.

Hablemos pues de esa maravilla que cumple un cuarto de siglo: Almost Famous.

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¿En qué momento pasaron 30 años del estreno de Toy Story al día de hoy?

Hace 10 950 días (más o menos) una empresa llamada Pixar colocaba en los cines su primer largometraje que es, al mismo tiempo, el primer largo en la historia completamente animado por computadora.

La mesa estaba servida para pasar a la historia. Pero además Pixar, con esta película dirigida por John Lasseter y escrita por él mismo, Joss Whedon, Joel Cohen y Alex Sokolow, entregó un producto cálido y humano… A pesar de no contar entre sus protagonistas a nadie cálido y mucho menos humano.

Ocho premios en los Annie Awards son suficientes para dar constancia de su calidad, pero su permanencia en la memoria del público cinéfilo a pesar del paso del tiempo y los avances tecnológicos son, probablemente, su mayor sello de garantía.

En 2025 Toy Story cumple 30 años de haber revolucionado el mundo del cine y para celebrarlo invitamos a este podcast a Eduardo Limón, cuentista, entrevistador, cronista, locutor, cinéfilo y testigo del paso del tiempo.

Felices 30 Toy Story.

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Cuando comenzaba el siglo XXI, hace 25 años, el peculiar director Elias Merhige presentaba al mundo una película llamada La sombra del vampiro. La historia que en ella se cuenta surge de un mito que a muchos aún les hiela la sangre: Max Schreck, el actor protagonista del primer Nosferatu, la cinta dirigida por Friedrich Wilheim Murnau, era en realidad un vampiro, un Nosferatu de la vida real.

El resultado es una película que en un ejercicio meta de triple calado nos narra cómo es que Murnau (interpretado por John Malkovich) convenció a ese vampiro (encarnado por Willem Dafoe) de aparecer frente a la cámara y exponerse no sólo al equipo de producción sino al mundo entero.

Hoy, a 25 años del estreno de La sombra del vampiro y con una nueva versión del Nosferatu en cines dirigida por el sorprendente Robert Eggers, es tiempo de revisar a esta película de culto de un director que, probablemente, lanzó con ella un vampírico canto del cisne.

Revisemos La sombra del vampiro y su manejo del terror, a 25 años de su estreno.

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En septiembre de 1975 una película dirigida por Miguel M. Delgado y escrita por Víctor Manuel “El Güero” Castro y Francisco Cavazos, estrenaba en las salas de cine de México: Bellas de noche.

La película fue todo un éxito y detrás de ella aparecieron cientos de imitaciones aunque en formato de sexy comedia, toda una época hoy conocida como la del cine de ficheras, tremendamente popular y viciosamente vilipendiada.

Aunque esas películas merecen estudio aparte, el caso de Bellas de noche se cocina distinto. Fruto de su época es, sin embargo, toda una peculiaridad y goza, aunque sus detractores se retuerzan, de varias y distintas cualidades que en un mundo como el nuestro (atascado de cancelaciones y lecturas superficiales) surgen con una fuerza diferente, incluso mayor a la que en su momento se detectó.

¿Merece Bellas de noche un regreso a las salas de cine ahora que cumple 50 años?

¿Merece la película un podcast desde nuestra realidad?

Creemos que sí y para hablar de ella invitamos a Sergio Huidobro, crítico de cine, profesor cinematográfico, tallerista y amigo entrañable de Cinegarage.

Celebremos los 50 años de Bellas de noche.

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En 1990 David Lynch presentó en el Festival de Cannes una película visionaria: Wild at Heart. Una historia de amor y muerte salpicada de referencias pop y brutalmente honesta que, como todas las películas visionarias, incomodó a más de uno, aunque a pesar de todo e impulsada por el presidente del jurado de ese año, Bernardo Bertolucci, se hizo con la Palma de Oro, el mayor premio de ese festejo.

El pasado 15 de enero David Lynch falleció, dejando un hueco enorme en el mundo pero también un legado cinematográfico robusto, poderoso y sobre todo (mil gracias señor Lynch), indescifrable.

El cine de Lynch es eso, indescifrable, inabarcable para las superficiales lógicas de la opinología del siglo XXI y, sobre todo, voraz contra las formas convencionales a las que peleó desde el intestino de su industria. Lynch, en persona y en obra, luchó contra el monstruo desde el interior de ese monstruo. Y probablemente Salvaje de corazón, con su rabia, su lluvia eterna de sexo, amor loco y desencanto, sea el mejor ejemplo de ello. Y si no lo es, la usaremos de pretexto para hablar del cine del genio al que siempre recordaremos como David Lynch.

Para repasar el improbable y muy violento road trip que es Salvaje de corazón invitamos a este episodio al guionista y director Antón Goenechea, quien de Lynch sabe, y sabe mucho.

Adiós y hasta siempre David Lynch.

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En la última parte de 2024 el mundo de la cultura y el espectáculo mexicano recibió una noticia durísima: Silvia Pinal, una de sus más grandes representantes e icono del cine, había fallecido.

Cientos de notas periodísticas, entrevistas y reportajes se publicaron en periódicos, tele y radio y en algún momento alguien puso etiqueta a todo esto: habíamos perdido a la última diva del cine mexicano.

Pero, ahora cabe la pregunta: ¿Silvia Pinal era en realidad una diva?

Actriz talentosa e incansable, cantante, productora, icónica tanto como cercana, creemos que Silvia Pinal es mucho más que eso. Para repasar su carrera y resaltar trabajos que muchos olvidaron en esos recuentos, tan importantes o más que sus colaboraciones con el no menos grande Luis Buñuel, hemos hecho este podcast dedicado a su figura.

Para lograrlo de la mejor manera invitamos a este episodio a Roberto Fiesco, productor, guionista, director, enamorado y especialista en el cine mexicano. 

Con Roberto Fiesco vamos a recordar el peso y el legado de una figura inclasificable como lo es Silvia Pinal. Inmortal.

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Emilia Pérez, la nueva película de Jacques Audiard, director responsable de maravillas como Un profeta y Metal y hueso, es todo un suceso. Por un lado, buena parte de la crítica internacional ama la historia de un narcotraficante que después de llegar al fondo de su personalidad ha decidido cambiar de género y convertirse en mujer. Por el otro, buena parte de la prensa mexicana odia con fervor que la película, ambientada en México, no se haya filmado en el país y cuente, apenas, con una sola actriz mexicana, la siempre sorprendente Adriana Paz.

Emilia Pérez es un musical y eso ha hecho que esa prensa, la acuse de alivianar una problemática tan dura como la del narco.

En Cinegarage, lejanos como queremos estar de las cancelaciones hoy tan de moda y transformadas muchas veces en caballo de batalla de ciertas visiones conservadoras, queremos tomar todo con calma.

Por ello hemos decidido hacer este podcast sobre la película y el fenómeno alrededor de ella y de las numerosas nominaciones que está recibiendo para la temporada de premios. El invitado ideal era, claro, Rafa Sarmiento, periodista especializado, analista de altos vuelos y amigo cercano de Cinegarage.

Con Rafa Sarmiento vamos a hablar bien y bonito de Emilia Pérez… Porque sí nos gustó la película.

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Una vez más el cine mexicano está atrapado entre el gran número de películas producidas y el reducido de las que estrenan. La taquilla es otro tema y los premios que el cine mexicano sigue cosechando en festivales de todo el mundo, parece que también.

Creemos que estos especiales en los que rescatamos los nombres de las mejores películas mexicanas del año servirán de algo para que el público de México, y del resto del mundo, conozca y reconozca sus nombres, en especial si por fin nos damos cuenta de la enorme madurez creativa que los y las cineastas mexicanas han alcanzado.

Entregamos entonces un especial más de temporada dedicado a listar a las mejores películas mexicanas de 2024. Y una vez más nuestra invitada para hacerlo es la crítica de cine Fernanda Solórzano, que claro que conoce al cine de este país.

Estas son las mejores películas mexicanas de 2024.

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En lo cinematográfico 2024 ha sido un año muy ajetreado. Si nos gustaran los lugares comunes diríamos que ha sido una verdadera montaña rusa peliculera. Pero como no nos gustan, decidimos hacer un podcast especial más, de esos que ustedes disfrutan, para enlistar a las mejores películas del año.

Lo mejor es que, como siempre, no nos cerramos a nada. Hay cine de autor (poco), hay películas que después de estar en festivales llegaron a la taquilla para alegrarnos el ojo, pero también hay terror, aventura, acción. Aquí cabe todo el cine.

El invitado a este especial de temporada es el crítico de cine Sergio Huidobro, a quien ustedes conocen bien y suelen aplaudir a rabiar.

Así que con ayuda de Sergio comencemos este episodio especial de temporada, uno de tradición, con las mejores películas de 2024.

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La tradición se mantiene. Como cada año desde hace muchos años invitamos a Andrés “Boludo” Durán a esculpir el tradicional y siempre aplaudido podcast Cinegarage dedicado, inspirado y mantenido a favor del Día de los inocentes.

Y como cada año les invitamos a servirse un vino espumoso y escuchar este especial que ha cruzado fronteras.

Dados los tiempos que corren, al lado de Bolu decidimos hablar de esas películas que nos han mostrado el fin del mundo. Podríamos decir que elegimos el tema para tranquilidad de nuestras audiencias, para hacerles ver que el fin del mundo ni está tan cerca ni será como lo han representado las películas.

La verdad es que lo elegimos por el simple hecho de desmadrar un rato, de soltar un par de chistes de tío y de darles a ustedes un pretexto para terminarse esa botella de vino espumoso.

Así que aquí lo tienen. Junto a Bolu hablaremos de las películas del fin del mundo en un especial más del Día de los inocentes.

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Villancicos, escarcha, árboles llenos de adornos que ocultan a los árboles, luces de colores que titilan a velocidades estratosféricas e impredecibles, aire frío y días cortos. La navidad tiene lados muy, muy oscuros que a veces se esconden en la escarcha y los disfraces de Santa Claus.

Pero probablemente el peor de esos lados lo encontramos en el cine. Mucha gente ha intentado hacer la mejor película para las navidades y seguramente han estado cerca de conseguirlo.

Pero, lo sabemos: por cada acierto hay cientos de fallas y hoy nos vamos a centrar en ellas, las peores películas navideñas, precisamente para divertirnos y pasar de mejor forma una temporada tan encimosa como la de las navidades.

La invitada es nuestra escritora favorita, Gabriela Damián Miravete: escritora, narradora, ensayista, periodista de cine y literatura, gran amiga de este podcast y, por lo que vemos, fan de la antinavidad.

Aquí va nuestro especial de temporada con las peores películas navideñas.

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Hemos llegado. El fin del año está, otra vez, aquí, justo aquí.

Como cada año los recuentos son necesarios, pero como ustedes lo saben, en Cinegarage también nos gusta hacerlos bien, como se debe. Por eso para revisar el comportamiento de la taquilla en México invitamos de nuevo al especialista de la industria, el gran Edgar Apanco.

Con él vamos a conocer no sólo el nombre de las películas que más recaudaron en la taquilla de México y del mundo, sino todos los números, los datos secos.

¿La razón?

Eso lo sabrán dentro del podcast, porque no se trata de aplaudir sólo porque sí a la película más taquillera. El análisis de esos números tiene y puede tener otros fines. Edgar Apanco, nuestro invitado a este episodio, lo tiene muy en cuenta.

Conozcamos a las películas más taquilleras de 2024.

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Las series en streaming son ya un producto distinto al cine y a la propia televisión. A lo largo de los últimos años han encontrado su propio camino, sus ritmos, y han hecho aportaciones importantes y muy interesantes al entretenimiento del primer cuarto del siglo XXI.

Directores, productores, escritores, actrices, actores, saltan del cine a las series nutriendo ambos mundos. No es extraño entonces que las series sean ya consideradas en los premios de prensa y crítica y que, por supuesto, calen en la cultura popular como antes lo hacían las telenovelas o las películas más populares.

Por eso en este episodio del podcast Cinegarage haremos, por primera vez, una selección de las mejores series del año. La mejor manera de hacerlo es con el crítico Ernesto Diezmartínez, quien les ha seguido el rastro muy de cerca.

Ernesto Diezmartínez es además profesor especializado y colaborador de distintos medios, todo un gigante de la crítica de cine. Con él elegiremos a las mejores series de 2024.

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A pesar de ser un trabajo fundamental, la labor del departamento de sonido en las películas suele ser ignorada por quienes las vemos y a veces hasta por quienes las hacen. Por eso es que en este episodio del podcast Cinegarage nos vamos a centrar de nuevo en su peso, en su trascendencia y sobre todo en su propuesta.

Hoy tendremos una plática a profundidad con Isabel Muñoz Cota, sonidista experimentada dentro de la industria cinematográfica mexicana. En esta ocasión nos contará su experiencia en el rodaje de La cocina, la muy comentada nueva película de Alonso Ruizpalacios cuya historia transcurre casi al 100% en una gigante y muy ruidosa cocina.

¿Cuál  y cómo es el trabajo del departamento de sonido en una película como esta, con tanta gente, tanto espacio y tanto qué contar?

Nos lo responderá la jefa de sonido Isabel Muñoz Cota, cuyo trabajo puede escucharse en películas y series como El último vagón, Narcos: México, Belascoarán, Una película de policías, Noches de Julio, Museo, Camino a Marte y Belzebuth.

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Antes de entrar a la recta final de 2024 queremos hacer una pequeña pausa para reflexionar sobre algo que en Cinegarage nos entusiasma mucho: el cine de terror.

En 2024 aparecieron fenómenos que parecen inexplicables como el éxito rotundo de una segunda secuela como Terrifier 3, que quedará enmarcada en el año al lado de una nueva versión de un clásico del género que muchos consideran intocable, es decir, la versión de Robert Eggers del Nosferatu.

¿Tenemos o podemos ver si el terror tuvo sorpresas similares hace 10 años? Creemos que tras una década la reflexión cabe y por eso en este episodio invitamos al director de cine y especialista en el terror, Emilio Portes, a revisar las películas de terror de hace 10 años.

2014 fue un año raro. Con bodrios insoportables y joyas inmediatas nos trajo de arriba para abajo tratando de descifrar qué estaba pasando en las sombras de la pantalla. Diez años después Emilio Portes nos ayudará a hacerlo.

Revisemos el cine de terror de 2014, el año en que comenzamos el podcast Cinegarage.

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Hoy todo mundo conoce a John Wick, el asesino a sueldo que rompe todo lo que puede romperse para vengar la muerte de su perro, para recuperar lo poco que le queda de alma y para terminar con un destino que nomás no lo deja en paz. Un antihéroe en toda regla.

Pero… Seamos sinceros… No hay antihéroe posible si es interpretado por el carisma materializado que lleva por nombre Keanu Reeves.

Antes de John Wick, Keanu, como le decimos en Cinegarage, pasaba por un momento extraño. Después de Constantine, un clásico olvidado, no se había sumado a un proyecto interesante y además realmente exitoso (a excepción de A Scanner Darkly), hasta que llegó a sus manos la propuesta de filmar una película con historia mínima pero llena de acción y catorrazos y que finalmente fue dirigida por un primerizo que trabajaba como especialista en acción y catorrazos, el buen Chad Stahelski, al lado de otro viejo conocido, David Leitch.

Keanu aceptó y el resultado es un clásico del género con algunas cualidades extra bien ocultas.

Para descubrirlas, para hablar de John Wick y su influencia en el cine de acción de este siglo, y para aplaudir acción y catorrazos, invitamos a este podcast Cinegarage a Andrés “Boludoi” Durán, especialista en videojuegos, Star Wars, cómics y cine del bueno, como John Wick, que cumple 10 agitados años de haberse estrenado.

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Terrifier 3 es todo un suceso. En muy pocos días conquistó la taquilla del mundo a pesar de carecer de una clasificación “tradicional”. En prácticamente todos los países en que se exhibe, los menores de 18 años tienen prohibido verla sin estar acompañados por un adulto, algo que limita la experiencia para audiencias que disfrutan de ese cine, el del horror, el terror y el gore, precisamente por no estar acompañados de ningún adulto.

Sin embargo, la película ha hecho y hará mucho más dinero del esperado.

¿A qué se debe? ¿Es el morbo lo que lleva a la gente  a ver una de las películas más gore y explícitas de la historia, que es como se promociona actualmente?

¿Es la violencia explícita algo tan redituable en la actualidad? ¿O hay algo más detrás del enorme éxito de una película pequeña e independiente?

¿Cuáles son los secretos detrás del fenómeno y el éxito de Terrifier 3?

Para esto es que hicimos este podcast sobre la película. Para tratar de entender las lecciones que con ella nos da el director y guionista Damien Leone.

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Pedro Páramo, una de las mejores novelas escritas en español, tiene una nueva adaptación al cine. Después de las versiones de Carlos Velo en 1967 y de José Bolaños en 1977, las palabras del gran Juan Rulfo llegan a la pantalla ahora bajo la dirección de Rodrigo Prieto.

Rodrigo es fotógrafo de cine y entre sus trabajos encontramos colaboraciones con Martin Scorsese como Los asesinos de la Luna, El irlandés, El lobo de Wall Street, con Pedro Almodóvar con Los abrazos rotos, con Ang Lee con Brokeback Mountain y lo hecho con Alejandro González Iñárritu en Amores perros y 21 gramos. Ahora, ese fotógrafo se lanza a dirigir una novela que, lo que son las cosas, es tremendamente visual y visualmente discursiva.

¿En este Pedro Páramo dominó el fotógrafo o se da a conocer un muy buen director? ¿Qué nos dicen las imágenes del Pedro Páramo personal de Rodrigo Prieto?

Para hablar de este ambicioso proyecto, de sus procesos y de las decisiones para dejarlo así, listo para el México y el mundo del siglo XXI, es que en este podcast hablamos con Rodrigo Prieto, tanto el director como el fotógrafo.

Rodrigo Prieto es el invitado a este podcast Cinegarage.

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A primera vista una película como Technoboys parecería tener todos los ingredientes para recibir el odio que todos los días se fabrica en las redes sociales. Actores populares, comedia con mucha música incluida e incorrección política en tiempos de cancelación.

A pesar de que ese odio a final de cuentas llegó a Technoboys, la película está muy bien posicionada en la lista de lo más visto en su plataforma. ¿Por qué? Porque no tiene nada de los supuestos malos ingredientes comenzando por la famosa incorrección. Es, de hecho, una comedia propositiva que nos invita alegremente a ritmo de pop noventero a centrarnos en temas que nos hace falta debatir.

Co dirigida por Gerardo Gatica González y el también actor Luis Gerardo Méndez, Technoboys es tanto una muestra del estado de salud de la producción audiovisual en México, como la prueba de que en nuestro cine no sólo se hacen comedias románticas.

¿Cómo se le define entonces y qué dice la película de nuestro cine? Para responder, nuestra invitada a este episodio es Sarai Campech, colaboradora de Cinegarage, periodista cultural, colaboradora de La Lista y conductora de 80 millones, programa en ONCE TV dedicado a visibilizar las discapacidades.

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Es hora de hablar de surrealismo. El Manifiesto Surrealista, ese texto en el que lo racional volaba por los aires para dar sustento a una nueva forma de creación y entendimiento del mundo, fue publicado el 15 de octubre de 1924, hace 100 años.

Como toda corriente de vanguardia y en especial en los inicios del siglo XX, el surrealismo fue adoptado por una larga serie de artistas y profesionales, y probablemente fue a través del cine desde donde llegaron las aportaciones más activas, febriles y revolucionarias.

¿Es el cine el arte surrealista por excelencia? ¿Hubo películas surrealistas antes de la publicación del manifiesto? ¿Luis Buñuel era en realidad surrealista? ¿Quería serlo? ¿Dónde quedó el cine surrealista? ¿Existe en nuestros tiempos?

Para tratar de abarcar este tema sin pasiones ni recelos es que haremos este podcast Cinegarage para ustedes y, evidentemente tenemos invitado especial: Sergio Huidobro, profesor cinematográfico, tallerista y amigo entrañable de Cinegarage.

Hablemos de Cine y surrealismo a 100 años del Manifiesto.

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El Guasón, Joker para los amigos, es uno de los villanos más famosos de la cultura popular. En su mente se conjugan tantos factores tan distintos que a veces lo vemos como un niño grande y otras, como en las dos películas que le ha dedicado Todd Phillips, como un asesino en serie que responde con violencia extrema a un sistema igualmente inhumano.

Justo en estos días Joker 2 estrenó en las salas de todo el mundo y el villano se pone de nuevo bajo la lupa, por lo que en Cinegarage daremos un trato especial a esta, una de las mentes más retorcidas de la villanía en el universo de los cómics y las películas surgidas de ellos.

La película, una mezcla de drama criminal y musical tradicional, nos sirve en esta ocasión para hablar de Joker desde el ángulo de la psiquiatría, porque algo de realidad existe en las coloridas fantasías por las que nos invita a pasear la cinta. Para hacerlo, recurrimos a nuestro psiquiatra de cabecera, Rafa López, productor y anfitrión del podcast hermano Supracortical.

Con Rafa hablaremos de Joker 2. Pero también de la mente dentro del personaje y quizá, sólo quizá, de las mentes que hicieron realidad la película. Porque a lo mejor como en el mundo de Joker 2, todos estamos locos… O no.

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Nudo mixteco, la anterior película de Ángeles Cruz, resultó toda una revelación. Con un discurso circular y contundente, los personajes presentados por Cruz se dejan ver ante nosotros a través de sus secretos y sus dolores.

Ahora en su nueva película, Valentina o la serenidad, la contundencia permanece pero llega envuelta en una sensibilidad distinta. Valentina vive un luto y a través de ese otro dolor y desde sus ojos infantiles, Cruz nos regala una narración que explora al mundo de los niños, para conocer un poco más al nuestro, el de los adultos.

La película ha recibido premios y aplausos en festivales de cine de todo el mundo y ahora, tras sus valiosas nominaciones al Ariel, puede verse ya en cines de México. Es un evento que no debemos dejar pasar.

Por eso en este podcast Cinegarage la invitada es nadie menos que la directora Ángeles Cruz y cone ella conoceremos todavía más lo que nos dice y nos cuenta entre líneas su película Valentina o la serenidad.

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En 1992 México estaba al borde de un cambio gigantesco. Desde un sistema político atorado y muy viciado se prometía un futuro lleno de luces y riqueza, mientras en la realidad el país se encaminaba a una nueva crisis económica y social. El desencanto se paseaba a sus anchas por las calles de México.

En ese año Gabriel Retes, uno de los directores y dramaturgos más importantes de su generación, estaba por entregar una de sus películas insignia, El bulto, que debido a su enorme carga política, su crítica social y punzante sentido del humor, es también considerada una película emblemática de ese periodo en México.

El bulto relata el renacer de Lauro, un periodista comprometido y combativo (interpretado por el propio Gabriel Retes) que tras ser atacado en el Halconazo (esa violenta represión estatal sobre un grupo de estudiantes en manifestación ocurrida en 1971) cae en coma para despertar 20 años después y encontrarse con un mundo completamente transformado y al que no puede reconocer.

Hoy, con el país al borde de otros cambios creemos que es buena idea reflexionar nuestros tiempos desde una película como esta. Por eso invitamos a este podcast a Gabriela Román Mérida, promotora, investigadora y divulgadora de cine mexicano, gestora y promotora cultural.

Revisemos El bulto.

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Los cines del mundo están a punto de recibir en sus pantallas a La sustancia, la nueva película de Coralie Fargeat que recibió el premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes 2024, pero que también sacudió a la asistencia delicada forzándola a abandonar las salas donde se proyectaba.

Con una historia tan sencilla de seguir, pero en una forma realmente extravagante que va del gore extremo al drama personal, La sustancia es por momentos una experiencia viscosa y por otros una propuesta visual tan arriesgada como ingenua. Como resultado la pantalla se sacude en una mezcla de ciencia ficción, horror corporal, estupendas actuaciones y una banda sonora poderosa como el discurso mismo que lanza Coralie Fargeat.

Y como en el podcast Cinegarage queremos mucho a la gente que nos escucha armamos este episodio para darles una lista de sugerencias que van desde la literatura hasta la música y el horror francés más impetuoso, todo para que disfruten más la casi indescriptible propuesta de La sustancia.

Para hacerlo la invitada perfecta es Sarai Campech, colaboradora de Cinegarage, periodista cultural, colaboradora de La Lista y conductora de 80 millones, programa en ONCE TV dedicado a visibilizar las discapacidades.

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Asesinos por naturaleza, Natural Born Killers,  Asesinos natos o como la llamen ustedes, es a la fecha, una de las películas más sobresalientes de finales del siglo XX y una de las más relevantes en este primer cuarto del siglo XXI. Pero curiosamente, es también una de las menos recordadas. Una injusticia que necesitamos corregir.

Dirigida por Oliver Stone, con un reparto alucinante y una forma que es a la vez marca de su época y precursora de muchísimas cosas, Asesinos por naturaleza es todavía una bestia que pide ser domada. Su banda sonora es una gran muestra de ello. En ella aterrizaron músicos y artistas de todo tipo que acompañan a la anécdota de dos rebeldes descastados enredados entre la muerte y la única esperanza que les queda para sobrevivir un mundo como el nuestro: su amor.

Esta banda sonora es un poderoso mosaico que incluye a gente como Leonard Cohen, Nine Inch Nails, Jane’s Adiction, Diamanda Galas y L7 en una lista que se alarga y mucho. Para revisarla y dejar claro el peso de Natural Born Killers invitamos a Roberto Garza, Promotor Cultural, anfitrión de Banda Sonora Podcast y gran amigo de Cinegarage.

Hablemos de la música de Asesinos por naturaleza.

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Hace apenas unos días Francis Ford Coppola mostró al mundo el primer avance de su película Megalópolis. La pieza comenzaba con citas de supuestos críticos de cine que en su momento hablaron mal de las películas anteriores del director, para después presentar en imágenes a la megapelícula. Más tarde se supo que las citas eran falsas y el avance fue descolgado de internet.

Movida de mercado o no, las reacciones al video nos dan oportunidad de hablar de ese extraño fenómeno, uno que ocurre entre lo que dice la crítica de una película y el lugar que esa misma pieza toma en la historia, ya sea la de una película buena que fue mal apreciada, una película que a pesar de todo ganó premios, o que hizo mucho dinero en taquilla.

¿Cuántas y qué películas han estado en esa posición?

Podemos hacer una lista larga de ellas y a eso se va a dedicar este podcast Cinegarage:  repasar películas vapuleadas por la crítica y que después se convirtieron en un fenómeno. Ya veremos qué tipo de fenómeno.

Para ello invitamos a Edgar Apanco, analista especializado en la industria cinematográfica y amigo entrañable de Cinegarage.

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Una segunda versión cinematográfica de El cuervo está ya en los cines. Basada, igual que la de 1994 que dirigió con mucha inspiración Alex Proyas, en el cómic de James O’Barr y este, como no queriendo la cosa, se acerca a una vieja idea tanto literaria como cinematográfica que ha tenido un éxito enorme: la de los fantasmas vengadores.

En el cine, efectivamente, siempre hemos tenido seres de otro mundo que regresan al nuestro para saldar viejas deudas, de ellos o de alguien más, y las películas que se centran en ese drama sobrenatural adornado con terror y últimamente mucha acción, son varias, numerosas y muy propositivas. Mucho de ello se lo deben a esa vieja conexión con la literatura.

Por esa razón, en este episodio del podcast Cinegarage, haremos mención de los mejores fantasmas vengadores en el cine de todos los tiempos y dejaremos para ustedes una lista que con suerte, les funcionará para transitar no al inframundo, sino toda la segunda mitad de este año.

Hablemos entonces de fantasmas vengadores en el cine.

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Si año con año los Juegos Olímpicos dan paso a los Juegos Paralímpicos, este año que los deportistas han estado presentes por todos lados, no podemos sino hacer lo mismo. Por esa razón es que en este nuevo episodio del podcast Cinegarage haremos varias reflexiones sobre las discapacidades y las formas en que el cine las ha recogido y las ha representado… Especialmente porque no siempre lo ha hecho de la mejor manera.

Hablaremos de clásicos inolvidables, cine animado, drama y hasta comedia, porque en un mundo que busca ser inclusivo, justo y democrático, escuchar y conocer todo tipo de historias, incluyendo las que se acercan a las discapacidades, no puede sino hacernos bien.

Para este episodio extra especial convocamos a Saraí Campech, colaboradora de Cinegarage, periodista cultural, colaboradora de La Lista y conductora de 80 millones, programa en ONCE TV dedicado a visibilizar las discapacidades.

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Los Juegos Olímpicos de París 2024 han despertado todo tipo de debates. Uno de ellos (quizá el más innecesario) es el que trata de señalar como fracaso el hecho de que los atletas no consigan medallas en las competiciones en las que participan.

El ansia por el primer lugar suena tan del siglo XX, que en este podcast pensamos que era buena idea voltear a un gran clásico que en el nombre lleva el mensaje: Campeón sin corona.

Esta ejemplar película, obra de don Alejandro Galindo y protagonizada por un inmejorable David Silva, retrata el ascenso y la caída en desgracia de Kid Terranova, un boxeador de barrio que alcanza la gloria pero que no sabe qué hacer con ella.

Obra vanguardista del cine mexicano (y del universal), Campeón sin corona probablemente nos da algunas pistas de lo que se considera como triunfo. Y si no, con ese pretexto podremos revisar aquí a una película excepcional en todos los sentidos. Una a la que hay que ver y estudiar igual que a sus herederas, El Campeón y por supuesto Rocky.

Para hacerlo invitamos a este episodio a Gabriela Román Mérida, promotora, investigadora y divulgadora de cine mexicano, gestora y promotora cultural.

Revisemos Campeón sin corona.

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En 2024 las salas de cine se quedaron sin películas de Marvel. Por un lado, la culpa fue de la famosa y muy comentada huelga de escritores en Hollywood del año pasado que provocó el retraso de decenas de películas que pensaban estrenarse este año. Por el otro, parece que Marvel se dio cuenta que más que un refresco (que nunca se darán a sí mismos) su maquinaria acaparadora de salas de exhibición necesitaba un respiro.

Deadpool & Wolverine será, entonces, el único estreno en cines del famoso Universo Cinematográfico de Marvel.

¿Cuáles son las consecuencias de esto?

En este podcast trataremos de centrarnos en un solo rostro de esta respuesta. ¿Qué espacios se abrieron para otras películas en los cines? Y, sobre todo ¿qué lecciones podemos aprender como espectadores sin el ruido de fondo de las películas de superhéroes?

Desde el podcast Cinegarage proponemos un ejercicio de auto crítica sobre lo que Marvel mete a los cines.

Y también que volteemos a otros cines, industriales y no, que este año se hicieron alegremente presentes.

Revisemos los pros y contras de un 2024 sin Marvel.

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Olimpia, el controvertido documental dirigido por Leni Riefenstahl, es probablemente el registro más famoso de unos Juegos Olímpicos. Adelantado a su época también recogía las influencias necesarias e inevitables del cine de otros países. Hoy, aún con el debate ético alrededor de él y el compromiso ideológico de la directora con el régimen nazi que produjo la película, es o debería ser material obligado en escuelas de comunicación de todo tipo.

Por el otro lado, Olimpiada en México del director Alberto Isaac, es también un documento invaluable que, a su manera, muestra e impulsa la modernidad del cine mexicano en una etapa no menos convulsa en la historia de este país. En su momento nominada al Oscar, la película de Isaac habla por el cine de esos tiempos y por el innegable talento del director y del equipo que lo acompañó.

Ahora que estamos inmersos en el espíritu de los Juegos Olímpicos de París 2024 es buen momento de revisar estos documentales más allá del evento deportivo en sí. Para hacerlo invité al crítico de cine Sergio Huidobro, profesor, tallerista y buen amigo de Cinegarage.

Hablemos de los Juegos Olímpicos a 24 cuadros por segundo.

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Desde hace algunos años el cine ha comenzado a reescribir su historia. Muchas mujeres contribuyeron al desarrollo tecnológico del cine, no se diga del artístico. Nombres como el de Alice Guy, Mimí Derba, Dorothy Azner han surgido de los sótanos en que las mantenía una supuesta historia oficial.

Hoy el cine hecho por mujeres (escritoras, guionistas, fotógrafas, editoras) es una realidad tangible. El camino para lograr sus espacios no ha sido fácil de recorrer. Las injusticias han sido muchas. Pero en muchos países del mundo podemos detectar ya que poco a poco los espacios que antes se pensaba eran exclusivos para los hombres han cedido, y en ellos muchas profesionistas del cine pueden desarrollarse.

El cine mexicano no es la excepción y puede presumir tener entre sus filas activas (y entre las que están por serlo) una lista importante de mujeres que hacen cine, buen cine y de todo tipo.

Al lado de Verónica González, locutora en Gran Angular, programa de recomendaciones audiovisuales y una de las nuevas voces del periodismo cinematográfico, hoy nos vamos a centrar en las directoras mexicanas del siglo XXI.

Hablemos de nuestras directoras. Hablemos de cine mexicano.

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Hayao Miyazaki es uno de los grandes genios de la animación y del cine universal. Como prueba están los más de 80 premios que ha recibido alrededor del mundo (y entre los que podemos contar dos Oscar), pero sobre todo sus películas llenas de discursos de humanismo y solidaridad y su inconfundible e inigualable estilo.

En 2024 uno de sus más grandes logros cumple 20 años de haberse estrenado: El increíble castillo vagabundo, una historia indescriptible pero que desde el primer fotograma se adentra en el corazón de quien la ve. Una aventura en la que caben influencias y referencias ya sea a los mundos de Lewis Carroll o a las pinturas de El Bosco. Una oda al pacifismo pero también al surrealismo, a la vejez y a la juventud al mismo tiempo.

Para revisar a esta, una de las películas animadas más famosas, queridas y exitosas de la historia invitamos a este podcast al guionista y director Antón Goenechea, viejo amigo de Cinegarage y gran detective de los callejones de alegorías que propone siempre el mundo de Hayao Miyazaki.

Hablemos entonces de El increíble castillo vagabundo.

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Purple Rain une en una sola idea (y la idea se llama Prince) una película y un disco. Ambos narran de manera muy fabulada y nada detallada el ascenso en la carrera de uno de los músicos más talentosos y vanguardistas del rock. Adivinaron: Prince.

Pues bien, Purple Rain, disco y película, cumple 40 años y con ese pretexto nos pareció buena idea recordar a otras biopics del rock -un par de ellas mexicanas- que han dejado huella en la historia del cine. Y si de paso podemos reforzar la ya de por sí sólida relación entre el cine y el rock and roll pues el plan suena perfecto.

Ojo, no se trata de películas en las que salen rockeros y rockeras, sino de aquellas que cuentan sus historias verdaderas. Por esa razón nuestra invitada tenía que ser una experta de verdad. Ella es Leonora Milán, científica, comunicadora, locutora, melómana, una de las cabezas del exitoso podcast Mándarax y clavada sin remedio en esto de las biopics musicales.

Damos la bienvenida a Leonora Milán y comenzamos este podcast sobre biopics del rock.

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El pasado 20 de junio el actor Donald Sutherland falleció a los 88 años. El mundo se conmovió ante este hecho por la sencilla razón de que Sutherland, fue, es y será uno de los actores emblemáticos del planeta, de esos que presumiremos cuando los extraterrestres nos invadan.

Su carrera incluye trabajos en televisión y cine, mismos que lo llevaron del drama a la comedia, cine de acción, bélico, de terror, con carga política, la sátira, el doblaje y hasta la fantasía felliniana.

Hablando de Fellini, otros directores con los que trabajó incluyen tanto a James Gray como a Robert Redford, igual que a Giuseppe Tornatore y Bernardo Bertolucci o Denys Arcand y Robert Altman. Es decir, no le tenía miedo a nada.

Para este in memoriam invitamos al no menos talentoso y multifacético René García, actor, actor de doblaje, conocedor del medio y amigo entrañable de Cinegarage aunque nos hable con la voz de Vegeta.

Hablemos del recientemente fallecido Donald Sutherland.

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Hace exactamente 20 años Fernando Eimbcke presentaba al mundo su ópera prima: Temporada de patos.

La historia de cuatro personajes solitarios dentro de un espacio confinado en una de las ciudades más grandes del mundo se convirtió muy pronto en una bandera más del cine mexicano del siglo XXI, uno que buscaba rumbos autorales a veces demasiado estrictos, otros, como el de Eimbcke, abiertos al abrazo de la experiencia y al debate con sus audiencias.

Temporada de patos cumple 20 años. Dos décadas en las que tanto la carrera de Fernando Eimbcke como el propio cine mexicano han tomado giros aún más interesantes. El cine mexicano de los años 20 del siglo XXI le debe mucho a la madura adolescencia de esta película.

Por eso queremos recordarla y para hacerlo invitamos a este episodio al crítico de cine Sergio Huidobro, quien también se ha transformado mucho en las últimas dos décadas.

Hablemos de Temporada de patos a 20 años de su estreno.

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La película más reciente del gran Jeff Nichols se llama El club de los Vándalos, una revisión muy poco enamorada de la figura del motero moderno, ese antiguo símbolo de libertad y rebeldía de los años 50 y 60, que luego se mudó a escenarios menos luminosos.

Ante el inminente estreno de The Bikeriders, su nombre original, en este episodio del podcast Cinegarage queremos hacer recuento de las películas más trascendentes y emocionantes con moteros en el corazón de su acción, desde aquellas aventuras con Marlon Brando en chamarra de cuero, hasta El club de los Vándalos, pasando por todo tipo de personajes (ahí anda Pedro Infante) y, sí, todos los modelos de motocicletas.

El invitado ideal para este episodio era Marcelo Lara, músico para cine, guitarrista de bandas legendarias, icono del pop mexicano y, sobre todo, motero de hueso colorado. Así que, aquí lo tienen.

Hablemos de moteros y cine antes de lanzarnos a ver El club de los Vándalos.

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Mucho se ha hablado de la oferta en series de televisión que nos llega desde la galaxia Star Wars. Muchos están a favor y al parecer muchos más en contra.

Aquí en el podcast Cinegarage hemos hablado anteriormente de ello.

Ahora vamos a retomar el tema a propósito del estreno de la nueva serie de la galaxia Star Wars: The Acolyte, una apuesta lanzada por la productora y escritora Leslie Headland que desde el nombre ya nos dice que aunque puede caminar los mismos senderos quizá se atreva a retorcer un poco las cosas que los fans a ultranza cuidan con tanto afán.

Ya hay, de hecho, voces disidentes sobre esta nueva historia.

Aquí en Cinegarage pudimos revisar ya prácticamente la mitad de la serie, cuatro capítulos, para tratar de entender la nueva propuesta y, sin querer venderla de más, hemos decidido darles a ustedes, fans y curiosos, cinco grandes aciertos y cinco imperdonables errores cometidos en The Acolyte, la nueva serie de Star Wars.

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Esta semana, hace exactamente cuatro años, los cines abrían de nuevo después del azote de la Covid 19. El Anuario Estadístico del Cine Mexicano del año siguiente nos decía a través de sus números que el regreso del público a los cines para ver películas mexicanas significaba un trabajo más largo de lo pensado.

Hace apenas unos días se publicó el Anuario Estadístico del Cine Mexicano 2023. Esta nueva edición profundiza en el tema del regreso al cine, un problema no resuelto, pero como cada año nos da la información necesaria para conocer a nuestro cine desde otra perspectiva, desde el armazón que pocas veces detectamos.

¿Cuántas películas hacemos hoy? ¿Quién las hace y dónde? ¿En qué ciudades se filma? ¿Qué historias contamos y dónde las vemos? ¿Cuál es el papel de la piratería?

Ahí están los números. Pero luego hay que saber qué hacer con ellos.

Por eso a este podcast invitamos al mejor analista de la industria en México, Edgar Apanco. En este episodio Edgar nos va a ayudar a interpretar toda la información del Anuario nuevo y, se los digo desde ahora, hay información muy importante.

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Después de presentarse al mundo con Perros de reserva, Quentin Tarantino se encumbró en el mundo del cine independiente con Pulp Fiction, una película de apenas 8 millones de dólares. Eso ocurrió en 1994, hace 30 años.

Todo comenzó en Cannes en donde la película compitió por y ganó la Palma de Oro, para después llegar a los cines y transformar para siempre la cultura pop.

Con una forma que escapa de la narración cronológica del cine tradicional y un tono desvergonzado cimentado en multi referencias cinematográficas, Pulp Fiction aglutinó ideas y propuestas del arte posmoderno para convertirse en la consolidación del mismo a la vez que en su trágica entrada a la cultura dominante.

Tarantino fue ovacionado y denostado al mismo tiempo, demostrando que si bien el lenguaje cinematográfico se transforma poco desde sus elementos, la combinación de estos es infinita en números y más aún en sus discursos. Mucho de ello puede verse directamente en el guion de la película.

Para hablar a profundidad de Pulp Fiction invitamos a este episodio a Anna Grajales escritora y guionista, productora  de tele y cine y a José Miguel Nuñez, productor y guionista cinematográfico de los buenos y fan total de Pulp Fiction.

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Después de seis años de preparación el director y guionista Carlos Enrique Taboada completaba en 1984 la que se convertiría en su última película totalmente terminada y, para muchos, su mejor obra: Veneno para las hadas.

Carlos Enrique Taboada es quizá el director de cine de terror más popular del cine mexicano, poblado de autores, autoras y películas de altísima calidad en el género.

Pero Veneno para las hadas tiene un encanto especial, un atractivo espeluznante.

Retrato de las infancias universales, de fantasías oscuras y tétricas, en algunos aspectos adelantada a su época, la película tuvo un éxito instantáneo tras su estreno. Estuvo nominada a 10 premios Ariel de los cuales ganó cinco incluyendo Mejor Película Mexicana. Rápidamente se convirtió en referencia generacional y por si esto fuera poco, también en película de culto, un culto que en 2024 cumple 40 años de actividad.

Para revisar esta joya del cine de terror mexicano, invitamos a este podcast a Emilio Portes, director de cine también residente del terror que nos ha regalado películas como Belzebuth y Pastorela.

Entremos al alucinante mundo de las brujas a través de Veneno para las hadas acompañados de Emilio Portes.

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En 1979 el mundo del cine de acción estaba por cambiar para siempre. Vaticinado un mundo destruido en más de un sentido, el novel director George Miller presentaba una cinta de acción áspera, ruda, desértica y desilusionada a la que llamó simplemente Mad Max.

Protagonizada por un hasta entonces desconocido Mel Gibson narra con sencillez y austeridad post apocalíptica la venganza de un policía que va detrás de una pandilla de moteros enloquecidos, culpables de asesinar a la esposa del pobre Max. Furioso el policía se da cuenta que en un mundo sin ley sólo la venganza lo alimenta, se monta en su carro y cruza el desierto en busca de los asesinos.

Esa simple historia marca el nacimiento de uno de los antihéroes más conocidos del cine moderno, así como el inicio de una saga que cada vez que estrena un nuevo episodio revoluciona y modifica la forma de hacer cine de acción. Se hizo en sus años y se hará ahora con el estreno del nuevo capítulo llamado Furiosa.

En este episodio nuestro invitado es el director de cine y sonidista Axel Muñoz Barba, gran conocedor de la saga y fan absoluto de ese primer Mad Max.

Vamos a repasar las enormes herencias que con las películas de la saga George Miller le ha hecho al cine de acción y, ¿por qué no? al cine en general.

Vamos a la conversación sobre Mad Max con Axel Muñoz Barba.

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La película Yellow Submarine es probablemente la mejor incursión de The Beatles en el cine. Varias cintas y algunas propuestas audiovisuales intentaron registrar el espíritu de una de las bandas más populares y trascendentes del rock universal. Pero es posible que la única que lo haya conseguido sea este ejercicio narrativo que une distintos estilos de animación y que juega con las letras de las canciones del grupo.

Dirigida por un fantasmal George Dunning la película es también una invitación a disfrutar de narrativas poco racionales en el cine y se convirtió en una influencia poderosa para muchas películas animadas posteriores y por supuesto, una celebración de los mundos lisérgicos y psicodélicos de la cultura pop.

Hoy, a más de 55 años de su estreno, invitamos a Eduardo Limón a hablar de Yellow Submarine. Eduardo es cuentista, entrevistador, cronista, locutor y amante empedernido no sólo de The Beatles sino del Submarino Amarillo que desde hace décadas le da la vuelta al mundo a través del océano lisérgico desatado en la época hippie.

Bienvenido Eduardo Limón para platicar con nosotros de Yellow Submarine.

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Regresamos a esta serie de episodios del podcast Cinegarage dedicados al cine en blanco y negro. Quienes conozcan la idea sabrán que los hacemos con mucho interés y más ganas de despertar su curiosidad, para pelear contra la idea de que el cine en blanco y negro (viejo o nuevo) no merece ser revisado.

Todo lo contrario. El manejo de los contrastes, la aparición de todo tipo de grises, la pureza de lo blanco o las luces turbias que no lo son tanto, son más que un capricho artístico. Como veremos en este episodio son parte de lo dramático y elementos del discurso. El uso del blanco y negro es también una decisión para subrayar aquello de lo que las películas quieren hablar.

En este episodio revisaremos dos películas que pudieron rodarse a color pero que sus directores y equipos decidieron realizar en blanco y negro: El odio de Mathieu Kassovitz y Guerra Fría de Pawel Pawlikowski.

El invitado es el director de cine Jorge Michel Grau a quien seguramente ustedes conocieron por sus películas Somos lo que hay, 7:19, Perdida y Rabia.

Hablemos de El odio, Guerra Fría y las posibilidades del blanco y negro con Jorge Michel Grau.

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El terror fue uno de los primeros géneros cinematográficos que se consolidaron tras el nacimiento del cine. Desde sus orígenes, la pantalla grande encontró en el terror un vehículo poderoso para el entretenimiento y poco después para desarrollar discursos más que interesantes. México no fue la excepción.

En este país el cine de terror ha estado presente desde siempre y con una fuerza realmente envidiable.

A últimas fechas el terror mexicano ha conquistado un lugar en la cartelera para llegar a su público con historias tan pertinentes como bien desarrolladas.

Jugaremos en el bosque es una producción que busca encontrar su lugar en esta nueva oleada tanto con grandes valores de producción como con ganas de entretener a las audiencias, sin despegarse de la larga tradición del cine de terror mexicano.

Para conocer más de Jugaremos en el bosque y de sus raíces invitamos a este podcast a Alejandra Cárdenas y a Guillermo Granillo. Ambos con una larga carrera cinematográfica -ella en la producción, él en la fotografía- debutan como directores de esta película.

Vamos a hablar de Jugaremos en el bosque.

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El nombre Alex Garland puede dividir opiniones. En el mundo de la cultura popular generalmente se le aplaude su literatura (cuenta con una novela publicada), tanto como su trabajo como guionista de series, videojuegos y películas, así como el de director y productor de cine.

Pero es en este último apartado en donde el desconcierto (elemento fundamental de sus trabajos) desborda a muchos que terminan por descalificarlo.

Guerra Civil, su nueva película, está a punto de estrenar en los cines del mundo y pensamos que era buen momento para revisarla y conectarla con otras valiosas propuestas de Garland. En especial porque, al contrario de lo que muchos dicen, no es una película de ciencia ficción como Ex-Machina, ni una película apocalíptica como Exterminio. Pero sí es un ejercicio de reflexión envuelto en cine de acción de primer nivel.

Así que en este episodio hablaremos de la peculiar Guerra Civil y el sello de Garland. Invitamos para eso al crítico de cine Jorge Negrete, colaborador y parte fundamental de Butaca Ancha y anfitrión de lujo en el programa de radio Derretinas.

Hablemos de Guerra Civil y del cine de Alex Garland.

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Si alguien busca en internet la biografía de John Travolta lo más probable es que se tope como primer dato del actor que es el protagonista de Pulp Fiction. Y eso es cierto. Pero alguien como él que en 2024 cumple 70 años debe tener logros previos.

El John Travolta que Quentin Tarantino presentó a las nuevas generaciones en 1994 contaba con una carrera amplia y, aunque llena de altibajos, tenía entre sus mejores propuestas a Fiebre de sábado por la noche, una película que marcó época, que describió como pocas a la juventud de su tiempo y que además lanzó a la fama universal a ese John Travolta de 23 años.

Ahora que Travolta ha apagado las 70 velas, en Cinegarage lo celebramos con un análisis de Fiebre de sábado por la noche, una película que es mucho más profunda y oscura de lo que mucha gente recuerda y que además, es una de las favoritas de nuestro invitado para este episodio: Cha, músico, bajista de la banda Fobia y del enorme proyecto Gran Sur, diseñador gráfico de amplios éxitos y amigo de Cinegarage.

Hablemos de Fiebre de sábado por la noche para celebrar los 70 años de John Travolta.

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1994 es un año importante en la historia del cine mexicano por la sencilla razón de que es un año importante en la historia de México. Después de largos años de políticas económicas erradas y radicales, México buscaba una reestructuración para participar en la globalización económica que estaba por consolidarse antes de la llegada del siglo XXI. Esa reestructuración alcanzó de forma inevitable al cine, que todavía añoraba los lustros de su llamada Época de Oro pero que, desde la óptica de los políticos neoliberales resultaba un peso que las arcas públicas no podían soportar más.

Fue precisamente en ese año en el que se concretó lo que muchos conocen como el desmantelamiento del cine mexicano que quedó suelto a su suerte para entrar a una competencia mundial para la que tras años de crisis creativas y financieras no estaba listo.

Hoy, 30 años después, las consecuencias de ese derrumbe planificado desde las esferas del poder en México, se siguen sintiendo. Y es ese año, 1994, el que ha quedado marcado no sólo por los pésimos manejos del cine mexicano desde el gobierno (quien simplemente decidió abandonar el escenario), sino porque los gobiernos que le siguieron han manifestado un desinterés hacia él que tenemos que seguir analizando.

Para voltear hacia esa época, hacia la entrada en vigor del Tratado de Libre Comercio en Norteamérica, las consecuencias que tuvo para el cine mexicano y con ello tratar de entender mejor el cine que tenemos ahora, invité a este podcast a Sergio Huidobro, critico de cine, profesor y buen amigo de Cinegarage.

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El Festival Internacional de Cine de Berlín cerró, no sin librarse de algunas controversias y con cambios importantes en su futuro, una edición exitosa más, la de 2024.

Una vez más el cine mexicano estuvo presente en la Berlinale, como cariñosamente se le llama a este festejo. Esa presencia fue desde la competición oficial en donde La cocina, nueva película de Alonso Ruizpalacios, estuvo presente, hasta la proyección de cortometrajes, performances, asistencia a talleres,  así como la promoción de los distintos rostros del cine mexicano.

En este podcast haremos un recuento de la presencia de México y su cine en la Berlinale 2024. Lo haremos a través de pláticas con Lola Díaz-González, de la Dirección de Promoción del Cine Mexicano del IMCINE y Jannicke Curuchet, Subdirectora de Promoción Internacional de Imcine; así como de entrevistas con el director José Eduardo Castilla que presentó su cortometraje Aguacuario en la Sección Generation KPlus, y con Azucena Losana, que al lado de la también directora Elena Pardo presentaron su proyecto Nanacatepec.

Exploremos algo de la presencia mexicana en la Berlinale 2024, porque el cine mexicano se construye desde varios frentes y estas pláticas son prueba de ello.

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Stanley Kubrick es, sin duda alguna, uno de los directores de cine más populares en el mundo. Incluso ahora, en 2024, terminado el primer cuarto del siglo XXI, a 25 años de su fallecimiento, su nombre aparece una y otra vez cuando alguien habla de sus influencias para ver o hacer cine.

Kubrick falleció un 7 de marzo de 1999. Murió a muy poco de poder terminar lo que fue su película póstuma: Ojos bien cerrados. El mundo había esperado 12 años, desde el estreno de Cara de guerra, para poder ver y debatir alrededor de la película más reciente del ya nombrado genio absoluto del cine.

Y es que en realidad la filmografía de Stanley Kubrick no es tan extensa… Probablemente en ello también demostró que nació para romper moldes. A lo largo de 47 años Kubrick concretó 13 largometrajes.

Apenas 13 largos, dirán algunos. Pero son 13 largos que resignificaron al cine, la forma en que se hace y, claro, la manera en que se ve.

A 25 años de su muerte vale la pena revisar sus películas, su idea del cine, su manejo de la imagen.

Lo vamos a hacer en este podcast y para ello invitamos a Ernesto Diezmartínez, crítico de cine, profesor universitario, investigador y amigo de Cinegarage.

25 años sin Stanley Kubrick.

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Los robots en el cine… Podemos decir que siempre han estado aquí. Pero tras el enorme éxito mundial de Robot Dreams y su nominación al Oscar es casi un hecho que los robots vienen de regreso a las películas y a nuestros días.

Los viejos, los nuevos, los que llegan desde tierras lejanas. En el cine ha habido todo tipo de robots y con ellos se nos han contado infinidad de historias. Es momento de hacerles un homenaje.

Por eso en este podcast Cinegarage haremos una larga, larga lista de nuestros robots favoritos, desde los que aparecieron en los orígenes del cine hasta los que en las películas actuales causan furor, terror y amor con el desarrollo de la Inteligencia Artificial, esta lista quiere que ustedes se interesen en los hombre de hojalata tanto como en los réplicos de un mundo en decadencia.

Por eso aquí va, paso a paso,  tornillo a tornillo y pasando por todos los países posibles, un recuento de los robots del cine favoritos para Cinegarage.

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Zombis, no muertos, infectados. La historia de las hecatombes zombi en el cine es larga, pero hay pocas películas en este subgénero que logran sobresalir, enriquecerse con el paso de los años y, sobre todo, convertirse en mensajeras de muchas cosas más que la emoción de sus historias.

Ese es el caso de Shaun of the Dead, película creada por Edgar Wright y Simon Pegg que en 2024 cumple nada menos que 20 años.

¿Hay en la película un signo de nuestros tiempos? ¿Qué pensarían si les dijera que esta enorme comedia de horror y que a la vez es una historia romántica, es vanguardista desde el punto de vista del feminismo del siglo XXI y del retrato de sus masculinidades?

Shaun of the Dead es, además, una crítica ácida, gore, vertiginosa, mordaz e inclemente a las sociedades de su tiempo y, por supuesto, a las que vivimos 20 años después. Todo lo va a dejar claro en un análisis puntual y brillante nuestra invitada a este podcast, Gabriela Damián Miravete: escritora, narradora, ensayista, periodista de cine y literatura, gran amiga de este podcast y fan absoluta de Shaun of the Dead, una de las películas más divertidas dentro del universo cinematográfico de los zombis, los no muertos, los infectados o como quieran llamarles.

Shaun of the Dead cumple 20 años.

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Aquí estamos de nuevo. Los premios Oscar 2024 están a la vuelta de la esquina y la ya larga tradición de podcasts Cinegarage con las predicciones antes de la entrega no puede interrumpirse. Así que aquí está ya el podcast de este año.

Pero no nos vamos a quedar con las meras predicciones. En este especial anual hablaremos de las supuestas omisiones alrededor de películas como Barbie, pero también de otras que no se mencionan tanto. Alrededor de ello y siempre de la mano de nuestro invitado, el especialista y periodista Rafa Sarmiento, trataremos de lanzar los nombres de los y las ganadoras en categorías como Mejor Actuación, Mejor Dirección y, por supuesto, Mejor Película… Aunque en la plática seguro se cuelan otros apartados.

Lo dicho, Rafa Sarmiento, gran amigo de este podcast, la persona indicada en el tema, es el invitado de este episodio y realizamos una conexión entre la Ciudad de México y Madrid para poder conversar con él y conocer sus apreciaciones alrededor de uno de los premios más populares en el mundo del cine.

Aquí van las predicciones al Oscar 2024.

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¿Se habían dado cuenta? Hellboy, una de las películas más queridas por el propio Guillermo del Toro, cumple 20 años de haberse estrenado. Hellboy, una aventura adaptada de un cómic, con un superhéroe en el centro de todo, llegó a loc cines hace 240 meses, cuando hacer eso, adaptar cómics y hablar de superhéroes, no era tendencia y en consecuencia, resultaba mucho más difícil.

Pionera en ese y en muchos otros sentidos Hellboy es además una película pivote en la filmografía del gran Guillermo del Toro. Ahí se concentran los aprendizajes de sus películas anteriores y se ven ya los sellos que destacarán en las películas posteriores de este autor.

Por si fuera poco, es además una mezcla de cine de aventuras, de terror, de comedia y cuenta con secuencias de acción que hoy muchas películas envidian.

Para resumir y resaltar al mismo tiempo los logros de una película como ésta, invitamos a este podcast a Edna Campos Tenorio, amante del cine de terror, experta en el tema, directora de Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México y amiga entrañable de Cinegarage.

En su cumpleaños 20 hablemos de Hellboy.

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Habrá quien diga que le gusta la fotografía de cine y que elija a Emmanuel Lubezki como uno de sus representantes más internacionales. Y no dirá una mentira.

Lubezki es efectivamente uno de los cinefotógrafos mexicanos que más trabajan en el mundo, que innova y que tiene en su currículum colaboraciones con cineastas de enorme nivel.

Pero en realidad la tradición de buena fotografía cinematográfica en México es larga y nos lleva a los orígenes mismos del cine. Desde esos años, hombres y mujeres han hecho de la fotografía para el cine algo realmente prodigioso y, no exageramos, han construido una firma que le da la vuelta al mundo.

Por si eso fuera poco, varios de los fotógrafos para cine que han salido de la industria mexicana han conseguido premios internacionales, el Oscar por ejemplo, para mencionar al más popular de todos.

¿Este año habrá nuevo Oscar para un cinefotógrafo mexicano? Para eso habrá que esperar un poco pero no queremos dejar pasar la oportunidad de dedicar este episodio a la enorme tradición de la fotografía para cine en México.

Para realizar este conteo y quizá predecir si ganaremos un Oscar más, invité al crítico de cine, investigador y profesor Leonardo García Tsao.

Hablemos de la tradición de la fotografía para cine en México.

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Nos acercamos a una nueva entrega del premio Oscar, un reconocimiento que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos reparte entre sus gremios, pero que a nivel cultural impacta en prácticamente todo el mundo.

¿Por qué ocurre eso?

¿Es de verdad un premio universal?

El cine mexicano -tan cerca y tan lejos de ese Hollywood donde se cumplen todos los sueños- ocupa un lugar importante en la historia del Oscar. Más de una vez y siempre de forma notoria los y las cineastas mexicanas han recibido este reconocimiento. Con ello, nuestro cine y todos quienes trabajan en él han dejado una huella importante en la historia de este premio. Las razones de todo esto son varias y muy, muy interesantes.

Si ustedes quieren conocer los nombres de los y las mexicanas premiadas en la larga historia del Oscar y además saber las razones de ello, este es el episodio indicado.

Para re entender el papel del cine mexicano y sus cineastas en el Oscar invité a este programa al crítico de cine y profesor José Antonio Valdés Peña, director de la Licenciatura en cine y televisión en el CECC Pedregal, experto en este y otros temas y gran amigo de Cinegarage.

México, su cine y el Oscar.

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Hablemos de nuevo del cine en blanco y negro.

Regresa el ya exitoso apartado en los podcasts Cinegarage para hablar de cine en blanco y negro porque, a pesar de lo que influencers y falsos profetas digan, el cine en blanco y negro no es cine defectuoso.

Hablando de falsos profetas… Para dar vida a este nuevo episodio hemos llamado como invitado al protagonista de González: falsos profetas, Norteado, la serie de televisión Zero Zero Zero y que está a punto de estrenar una nueva película llamada Desaparecer por completo: el actor Harold Torres.

Harold ha elegido tres películas en blanco y negro para recomendar a toda la gente que escucha este podcast, películas que pudieron filmarse a colores pero que aceptaron el reto para regalarnos, irónicamente, una gama amplia de grises para hablar de ellas, de la vida, de nuestros sentimientos y de sus directores: Pontecorvo, Kaurismäki y Jarmusch.

Nosotros les pedimos a ustedes entrarle al tan vilipendiado blanco y negro y escuchar las recomendaciones y las razones para hacerlas de Harold Torres, uno de los mejores actores del cine mexicano.

Toca hablar de tres joyas del cine contemporáneo de las cuales están a punto de conocer sus nombres.

Con ustedes Harold Torres y sus películas en blanco y negro.

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HBO Max acaba de estrenar True Detective: Tierra Nocturna, la cuarta temporada de una de las series policiacas más enigmáticas que nos ha regalado la televisión.

Ante eso vale la pena felicitar a la directora de la serie, la mexicana Issa López y a sus dos protagonistas, la ya legendaria Jodie Foster y a la debutante Kali Reis, encargadas de interpretar a las dos detectives de esta cuarta temporada.

¿Por qué hablamos de True Detective: Tierra Nocturna? En Cinegarage amamos al thriller y desde el nombre, las locaciones en la Alaska del invierno con noches eternas, hasta sus elementos casi sobrenaturales, el thriller que López, Foster y Reis desarrollan tiene un sabor único: es parte del legado True Detective pero se sostiene con elementos propios y muy originales.

True Detective: Tierra Nocturna tiene lo mejor de los thrillers del siglo XXI. Entramos a un viaje de secretos que parecen engaños en el que tendremos un ramillete de escenas con la dosis perfecta de pesadilla, casos que literalmente nos llegan del inframundo congelado y un par de detectives que antes que dar respuestas, se enfrentan a un destino fatídico que las ha esperado toda su vida.

True Detective: Tierra Nocturna es una dosis de nocturnidad trepidante que envuelve un caso policiaco que parece surgido de las más oscuras leyendas. En este podcast, Issa López, escritora y directora de la serie nos hablará de dos legendarias películas que le ayudaron a dar forma a este relato.

¿La recomendación? True Detective: Tierra Nocturna puede verse en HBO Max.

¿La segunda recomendación? Escuchen a la directora Issa López hablar de los thrillers que forjaron parte del espíritu de la serie.

¡Ve True Detective, Tierra Nocturna ahora en https://sonoroads.com/hbomax !

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¿Quién es Alexander Payne? Es un hombre, dicen, que nació viejo, que observa, que aprende y luego comunica.

Educado mientras miraba las películas del famoso nuevo Hollywood de los años setenta, Alexander Payne ha nutrido su creatividad cinematográfica desde muchos frentes y hoy, al lado de directores contemporáneos como Paul Thomas Anderson y Quentin Tarantino, es un autor consumado pero al mismo tiempo y contrario a los mencionados, prácticamente indefinible.

A propósito del estreno de su película más reciente, la sorprendente y arriesgada Los que se quedan -protagonizada por su actor fetiche, el inigualable Paul Giamatti- invitamos a este podcast a Sergio Huidobro para hablar de la corta pero muy sólida filmografía de este director, uno de los últimos autores en el cine de los Estados Unidos, que siempre sabe dónde poner la cámara para descubrir las capas de sus complejos, contradictorios, intensos y siempre divertidos personajes.

Pocos como él saben hablarnos a nosotros, gente común, desde historias cotidianas, ordinarias, casi desde un documental rodado al lado de una carretera. Y nadie como él sabe inyectarle a esa fórmula sátira y un humor fino como el pelo de un ángel en blanco y negro.

Así que, denle la bienvenida a Sergio Huidobro, crítico de cine, amigo de Cinegarage y fan absoluto de Alexander Payne.

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Es hora de hablar de un viejo amigo: Godzilla. Después de una marejada de películas en las que Godzilla pasó de ser un símbolo poderoso de la posguerra japonesa a una especie de tiranosaurio enojado con la vida capaz de poner millones de huevos por toda Nueva York, los estudios Toho decidieron dar luz verde al proyecto de Takashi Yamazaki (un experto en esto del cine de acción bien estructurado y de los efectos especiales) para recuperar la idea original de la Godzilla del siglo pasado y modernizarla en el mejor de los sentidos.

¿Cuál es ese sentido? Para eso es que hacemos este podcast dedicado a Godzilla Minus One, la película de Yamazaki que además de emocionar a propios y extraños ha rebasado ya todas las previsiones de taquilla. Sabemos que el éxito de una película no depende de la venta de boletos y también por eso es que decidimos hablar de la película, porque creemos que las lecturas que nos regala la convierten ya y sin lugar a dudas en la mejor película jamás hecha alrededor de Gojira: un Plus One que la hace ya inmortal.

En esta ocasión el invitado es no sólo un buen amigo de Cinegarage sino un experto en Godzilla: Enrique Figueroa Anaya.

Hablemos pues del Plus One de Godzilla Minus One.

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El año 2023 fue un año agitado para el cine mexicano. Sin llegar a niveles realmente extraordinarios hubo un aumento en el número de películas producidas, pero las pantallas de los cines siguen negadas para los y las cineastas nacionales.

Por otro lado y peleando contra el abandono de parte de Cannes, el cine mexicano estuvo más que presente en otros festivales de cine internacionales. Desde ahí entregó producciones para todo tipo de público y en varios géneros, desde el drama y el thriller hasta la ciencia ficción.

Un recuento de las mejores películas mexicanas es nuevamente necesario. No sólo porque se trata del cine que más y de mejor forma nos representa, sino porque al querer reforzar una industria alrededor de él, analizar y comprender las historias que nos cuenta nos ayuda a acercarnos más y a hacerlo de manera más crítica. Ese es el diálogo que el cine mexicano necesita, el de sus producciones con la gente que las ve.

Por esa razón haremos nuevamente un recuento con las mejores películas mexicanas de 2023 y lo haremos al lado de la crítica de cine Fernanda Solórzano que sabe, ve y conoce de cine mexicano.

¿Ustedes quieren saber qué se vio y cómo se vio?

Estas son las mejores películas mexicanas de 2023.

De eso trata este episodio especial de fin de año.

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Como cada año aterrizamos alrededor del Día de los Inocentes para entregar un especial más de fin de año. Año con año nos hemos abierto aquí un espacio para relajarlo todo, desde las muecas que genera el estrés hasta nuestras apreciaciones alrededor del cine.

Y año con año quien nos acompaña y sube el rating de estos especiales es el gran Andrés “Boludo” Durán, viejo camarada de Cinegarage, especialista en videojuegos, en Star Wars y sobre todo en elegir a los mejores borrachos del cine, un talento que descubrimos hace muy poco de la forma más sorprendente del mundo.

Por eso estamos aquí y tenemos para ustedes, justamente, un podcast Cinegarage en el que al lado de Bolu vamos a elegir a los mejores borrachos (y similares) del cine: los más simpáticos, los más pesados, los más cosmopolitas, clásicos, sorprendentes y uno que otro sacado de la manga.

Así que aquí vamos con el especial Cinegarage del Día de los inocentes 2023: los mejores borrachos del cine.

Denle la bienvenida a Andrés “Boludo” Durán.

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El debate se abre cada año. De hecho este debate nunca se cierra. Elegir a las mejores películas de un año -en este caso 2023- siempre abre discusiones. Pero en el podcast Cinegarage refuerza amistades.

Por esa razón es que para elegir, debatir y analizar a las mejores películas de este año es que hemos convocado a amigos. Se trata de un amistoso crossover con el proyecto Butaca Ancha y en consecuencia quienes nos ayudarán a elegir esas películas -que tenemos que ver tarde o temprano- son Rafa Paz y Jorge Negrete, críticos de cine con buen ojo y excelentes reflexiones.

Vamos a aclararlo de nuevo. En Cinegarage no van a encontrar la lista que les diga cuál y sobre todas las cosas es la mejor película del año. Lo nuestro es elegir y proponer para entregarles una caja llena de títulos que hicieron este año más llevadero. No hay un orden premeditado en nuestra selección, sino que nuestra selección es un mapa que les sugerimos que recorran o que, de haber visto las películas, vuelvan a pensar y sobre todo a sentir. Así debe tratarse al buen cine.

Así que, abrochados los cinturones, saquen lápiz y papel porque la lista con las mejores películas de 2023 afortunadamente es larga.

De eso trata este episodio especial de fin de año.

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Sabemos que cada uno de nosotros tenemos gustos diferentes. Y es por eso que hacer comparaciones de cosas como el cine siempre es arriesgado. Al momento de decidir si una película es mejor o peor que otra alguien puede sentirse herido o herida. Y sin embargo, en materias como el cine, que es arte y consumo a la vez, comparar aquello que pensamos que es bueno con lo que consideramos malo es un ejercicio necesario.

Ejerciendo nuestros derechos como espectadores, comparar buenas y malas películas nos debe llevar a cuestionarnos qué tipo de cine se nos ofrece, qué tipo de cine podemos demandar y por qué no podemos tener una cartelera con mejor y más variada oferta.

Decidir si una película es buena o mala es cosa personal pero cuando analizamos por qué las películas consideradas malas tienen a veces más presencia en la cartelera que otras, debería ayudaros a afinar nuestra mirada para después demandar una mejor oferta y, claro, siempre mejores películas.

Por esa razón aquí estamos de nuevo, haciendo un podcast Cinegarage para enlistar a las peores películas de 2023 analizando su paso por las carteleras de México y el mundo.

Para realizar esta lista y este análisis invitamos a Hugo Corona, productor editor y responsable de la sección de cine en Yordi en EXA.

¿Quieren conocer la lista con las peores películas de 2023 para Cinegarage?

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Hemos llegado a esa época del año. En el podcast Cinegarage diciembre es el mes en el que hacemos recuento de todo lo que hemos visto y todo lo que hemos sentido en el cine y aquí está ya el primer episodio especial del cierre de año: Las películas más taquilleras del año.

¿Cuáles fueron las películas que más recaudaron en el mundo? ¿Cuáles fueron las que hicieron explotar la taquilla en México?

¿Sirve hacer un recuento tan materialista como este alrededor de algo que es en parte industria y en parte arte?

Vale la pena siempre y cuando se haga con un experto como al que invitamos a este episodio: Edgar Apanco.

Edgar nos va a ayudar a ver no solamente los números de las películas más taquilleras del año, sino a descifrar lo que esos números nos dicen sobre lo que vemos e incluso de lo que queremos ver y eso, si hablamos de cine mexicano, nos debe interesar mucho.

Sabemos que la taquilla no refleja en absoluto la calidad de una película, pero también sabemos que la taquilla puede ayudarnos a ver qué estamos haciendo con las películas de calidad.

Así que aquí lo tienen. Repasemos el top 20 internacional y el top 20 nacional en cuestión de recaudación en taquilla al lado de Edgar Apanco, gran analista de la industria cinematográfica.

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Lo dijimos en el primer episodio de esta serie de podcasts Cinegarage: existe en este mundo mucha gente que cree que las películas en blanco y negro no son buenas, que son anticuadas, incluso que no deben verse.

Lo diremos de nuevo: eso es completamente falso.

Para probarlo tenemos un nuevo episodio dedicado al cine en blanco y negro y nuestra invitada es nada menos que Abril Alzaga, Directora Ejecutiva del Festival Internacional de Cine de la UNAM, FICUNAM.

Abril, desde su experiencia como directora de uno de los festivales de cine más importantes de México y como cinéfila consumada que es decidió mostrarnos dos películas en blanco y negro que bien podrían estar en un museo.

Una fue hecha a mediados del siglo pasado. La otra se estrenó apenas en 2018, es decir, fue premeditadamente filmada en blanco y negro y las razones para hacerlo también las platicaremos en este episodio.

¿Cuáles son esas películas?

Escuchen esta plática con Abril Alzaga, Directora Ejecutiva del FICUNAM.

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Jesús Magaña es un director peculiar en el cine mexicano. Aunque en el discurso sus películas se comunican entre sí en la forma son distintas. En su nueva película llamada Recursos humanos Magaña entra al arriesgado terreno de la comedia mordaz, del humor ácido y de los antihéroes.

La película, basada en la novela de Antonio Ortuño, cuenta la historia de Gabriel Lynch, un oficinista atrapado en la extraña escala jerárquica de las grandes empresas de nuestros días y que día a día ve frustrados sus intentos de mejorar su situación laboral.

Con influencias que el mismo Magaña nos cuenta en este episodio (y entre las que se encuentra The Fight Club), la película alcanza un ritmo casi trepidante especialmente por su forma, por su cámara cambiante, por las pantallas que construye. ¿Cómo y por qué se decidió filmarla así? ¿Por qué vemos todo de esa forma y por qué esos personajes nos hacen cómplices de sus casi violentas experiencias en esta anécdota anti burocrática?

El propio Jesús Magaña, director y guionista de la película, nos cuenta esos procesos y nos cuenta lo recorrido para hacer esas elecciones.

Hablemos entonces de Recursos humanos, de The Fight Club, de Danny Boyle, de Mathieu Kassovitz y más.

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Mucha gente conoce ya el estupendo trabajo que se realiza en Permanencia Voluntaria, un proyecto encargado de archivar cine mexicano popular y, a últimas, fechas, también de restaurar y proyectar alrededor del mundo grandes títulos a través de colaboraciones con instituciones tan importantes como la Academia de Artes y Ciencias Cinematográfica de los Estados Unidos y Criterion.

Hoy, películas como Víctimas del pecado, La llorona, El vampiro y el sexo o La mujer murciélago pueden verse y disfrutarse con una calidad envidiable. Pero hay mucho trabajo por hacer en especial para quitarle de la mente a muchas personas la idea de que el cine popular mexicano no es de calidad o no merece su espacio en la historia.

Es justo todo lo contrario.

Para probarlo y conocer los trabajos de rescate y restauración de películas que se han hecho en Permanencia Voluntaria invitamos a este podcast a Viviana García Besné, fundadora del proyecto.

Permanencia Voluntaria archiva y restaura cine popular mexicano y queremos actualizarles sobre los trabajos realizados.

Hablemos con Viviana García Besné de este proyecto.

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Billy Wilder llegó de Europa al cine de Hollywood para transformarlo para siempre. Su visión aguda y crítica del país que lo acogió al escapar de Europa para salvar su vida, le dio a la comedia de los Estados Unidos una modernidad que la catapultó al infinito. Hoy esa comedia, tan popular en el mundo, sigue bebiendo de las enseñanzas y las directrices de Wilder.

¿Entenderíamos por ejemplo a Woody Allen sin la influencia de Wilder? ¿Por qué lo admira tanto Guillermo del Toro?

Wilder es en buena parte ignorado por las nuevas generaciones de cinéfilos y cinéfilas. Un genio de este tamaño, que fue el único que dirigió dos veces a Marylin Monroe y que incluyó a la homosexualidad en una comedia americana burlando censuras y prejuicios; un guionista que entró al thriller y al cine bélico con tanto éxito, no debe quedar en la sombra de quien sea que disfrute el cine en nuestros años.

Por eso vamos a dedicar este podcast Cinegarage a su obra y ojalá así despertemos la curiosidad cinéfila de todos y todas ustedes.

Para lograrlo invitamos a este podcast al también director y también guionista Antón Goenechea, admirador del gigante trabajo de Wilder y amigo de Cinegarage.

Hablemos de la vida y la obra cinematográfica de Billy Wilder.

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En 1981 parecía que en cualquier momento el mundo podría llegar a su final. Los temores surgidos de la Guerra Fría y la división del mundo simbolizada en el Muro de Berlín así como el resurgimiento de las políticas de derecha y sus gobernantes ególatras y pedantes fueron representados de muchas formas pero nunca como lo hizo John Carpenter en Escape de Nueva York, una película de bajo presupuesto pero larguísimos alcances en la que el terror social emanado del cine de zombis más clásico se suma a la acción y al cine de aventuras, con un toque de ciencia ficción equiparable al que hizo Ridley Scott en Blade Runner apenas un año después.

Escape de Nueva York es, además, una propuesta original, divertida y oscura para la temporada de Halloween. Aunque sus horrores no son sobrenaturales son capaces de tensar los nervios de cualquiera con las famosas atmósferas de Carpenter, inhumanas y aunque muchos lo duden, tremendamente narrativas.

Por eso para celebrar este Halloween 2023 decidimos invitar al profesor y crítico de cine José Antonio Valdés Peña a repasar con todo el cariño del mundo Escape de Nueva York, el otro Halloween de John Carpenter.

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¿Ustedes ven películas en blanco y negro? Porque hay gente que no lo hace y pensando precisamente en ese grave error, que cometen más personas de las que creemos, es que vamos a iniciar una nueva serie de podcasts Cinegarage dedicados a hablar de películas en blanco y negro, sin importar el género, el año en que estrenaron o la nacionalidad.

No había mejor manera de hacer eso que justo en la temporada de Halloween y no había mejor invitado para eso que José Luis Ortega Torres, investigador, programador, profesor, tallerista y responsable del proyecto Cinefagia, enfocado justo en el cine de horror y fantástico.

José Luis eligió no dos sino tres películas de horror de la significativa década de los años 60 del siglo pasado que además son perfectas para la temporada. ¿Horror en blanco y negro? Por supuesto que sí.

Escuchen la selección de José Luis Ortega Torres y que comience el horror, ese horror de sangre gris oscuro.

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Martin Scorsese uno de los mejores directores en la historia del cine está a punto de estrenar su nueva película, Los asesinos de la Luna. Y ya todo se ve venir.

Igual que ocurrió con el estreno de El irlandés, también dirigida por Scorsese, es muy probable que en busca de tráfico, de clics, de likes, sitios en internet, blogs, influencer y YouTubers traerán de regreso esa famosa pelea que ellos dicen Scorsese tiene contra las películas de Marvel y en particular las de superhéroes.

¿Existe de verdad ese pleito?

¿De dónde surgió?

¿Es verdad que Scorsese odia a muerte el Universo Cinematográfico de Marvel?

¿Alguna vez va a terminar, si existe, esta pelea entre marvelitas y amantes de Scorsese?

Aquí quisimos tomarlo con calma y sabiendo que Los asesinos de la Luna será una película fuera de serie quisimos discutir el tema con un experto y una experta.

Él es Wookie Williams, experto en cultura pop, podcaster, viajero incansable y marvelita declarado.

Ella es Anna Grajales, escritora y guionista, productora  de tele y cine y amante sin remedio del cine de Scorsese.

El tema se abre, el debate es libre.

Hablemos de Scorsese vs los superhéroes.

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Hace un año más o menos estrenó Belascoarán, una miniserie mexicana basada en la saga detectivesca escrita por Paco Ignacio Taibo II, una apuesta de noir mexicano de época, brillante, divertida, profesional, con excelente reparto y que contó con Ernesto Contreras, Gonzalo Amat e Hiromi Kamata en la dirección de sus tres episodios.

Por razones inexplicables la serie fue ignorada por buena parte de la prensa e incluso fue tachada de insuficiente.

Nada más lejano de la realidad. Nosotros desde un comienzo la recomendamos ampliamente.

Hace apenas unas semanas Belascoarán fue premiada como Mejor TV Movie del año en los Seoul International Drama Awards 2023 que celebró sus 18 años y en el que participaron 344 proyectos de 44 países. Belascoarán se convirtió en la única producción en español premiada este año.

¿Qué esfuerzos extra se deben hacer para que una producción mexicana obtenga estos logros?

¿Las series mexicanas están en realidad a la altura de las mejores del mundo?

¿Cómo consumimos los mexicanos nuestras propias series en streaming?

Para debatir alrededor de Belascoarán y de las series mexicanas en streaming invitamos a este podcast a Rodrigo Santos, productor ejecutivo y jefe de escritores de la serie.

¿Ustedes la vieron?

Hablemos de Belascoarán y de las series mexicanas.

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En 2023 El ansia cumple 40 años y aunque a poco tiempo de su estreno mucha gente decía que igual que el personaje de David Bowie la película había envejecido aceleradamente, hoy podría parecer todo lo contrario, una historia de vampiros que en realidad estaba adelantada a su tiempo. Para revisarla, invitamos al gran experto y constructor de cultura popular, músico, blusero y amigo de Cinegarage Marcelo Lara. Con él encontraremos la perspectiva de El ansia a 40 años de su estreno.

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