También nos despedimos de vosotros. Ojalá poder volvernos a escuchar pronto.

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Recuperamos la entrevista que hicimos a Javier Macipe y Pepe Lorente a partir de una película de la que no conseguimos despegarnos, La estrella azul.

Lía nos pide películas sobre maternidad con una perspectiva feminista.

Y acabamos en la que sería, en palabras de Clara, "la Champions Burger de las plataformas": Prime Video.

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Recuperamos la entrevista que hicimos a Julián Génisson por una de las mejores películas que hemos podido ver este año, Inmotep.

Recomendamos películas 'cozy' y acabamos buscando alguna película que ver en Mubi.  

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Volvemos a Sobre todo de noche con su director, Víctor Iriarte.

Recomendamos películas de las que poder desconectar sin que pase nada.

Le echamos un vistazo a FlixOlé.

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Recordarmos la entrevista a Pablo Berger por Robot Dreams.

Recomendamos películas sobre pasar el verano en la ciudad.

Y seguimos buscando qué peli ver, esta vez en una de nuestras plataformas favoritas, RTVE Play.

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La película "Los Ilusos" (2013) del director español Jonás Trueba, nos sumerge en la vida de un grupo de amigos en Madrid, aspirantes a artistas y soñadores. Con un estilo naturalista y diálogos improvisados, la película retrata sus encuentros y desencuentros, sus ilusiones y frustraciones. Es un homenaje al cine, la amistad y la búsqueda de la propia identidad.

El arte de inventar la realidad: ¿Dónde termina la ficción y comienza la realidad?

En un mundo digitalizado, donde las imágenes dominan nuestra percepción, surge la pregunta: ¿Cómo distinguimos la ficción de la realidad? El ensayo "El arte de inventar la realidad", de Áurea Ortiz, analiza cómo las ficciones, especialmente en el cine y la televisión, moldean nuestro imaginario y nuestra comprensión del mundo. A través de ejemplos de películas y series, la autora explora cómo algunas imágenes se han superpuesto a la realidad y cómo las ficciones influyen en nuestra forma de pensar.

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Blondi nos ofrece una nueva visión sobre la maternidad y la familia. El personaje femenino central, interpretado por la cineasta, muestra a un adulto anclado en una eterna adolescencia, pero que daría todo por el bienestar de su hijo y de su familia. Una comedia fresca y gamberra, donde suenan populares bandas de rock-indie como “Las ligas menores”, “The velvet underground” o “Blondie”. Una película que nos hace también reflexionar sobre las relaciones y los vínculos familiares. 

Dolores Fonzi es una destacada intérprete, productora, guionista y directora argentina de cine y series, con una larga trayectoria profesional. Su trabajo en 2015 en la película “Paulina”, dirigida por Santiago Mitre, la consagró definitivamente como actriz a nivel nacional e internacional. Ha participado en más de 30 películas como actriz, entre ellas Truman” (2015) de Cesc Gay, “La Cordillera” (2017) de Santiago Mitre, o “Distancia de rescate” (2021) de Claudia Llosa. Con Blondi debuta por todo lo alto al otro lado de la cámara, además de dirigirse a sí misma.

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Una geografía marcada por los conflictos, las fronteras inciertas y las pasiones humanas. Este mapa personal, en forma de diario de viajes, es un elogio a la pasión del autor por el cine, la gente y la cultura de los Balcanes. El resultado es una guía alternativa, cinéfila y a ratos provocadora, ideal para viajeros sin complejos.

Shayda

Ganadora del Premio del Público del Festival de Cine de Sundance, candidata australiana a la mejor película internacional en los Premios Óscar 2024, cinco nominaciones a los Premios de la Crítica Australiana, dos de ellas traducidas en premio: el de Mejor Actriz y Mejor Guion... Shayda, la ópera prima de la directora iraní Noora Niasari ha conquistado crítica y público allá por donde ha pasado.

Producida por Dirty Films, una apuesta de Cate Blanchett, y protagonizada por la multipremiada Zar Amir Ebrahimi -Mejor Actriz del Festival de Cannes 2022 por Holy Spider. Araña sagrada-, Shayda nos traslada a la infancia de la propia directora, cuando pasó un tiempo en un centro de acogida para mujeres maltratadas junto a su madre. Un relato basado en su realidad, pero con una gran carga de luz y esperanza, con el que ha querido rendir un homenaje a la valentía de su madre y a la de todas las mujeres iraníes.

Casa en flames

Casa en flames, la nueva comedia dramática de Dani de la Orden, llega a los cines este viernes 28 de junio.

Casa en flames, que inauguró con gran éxito de público y crítica el pasado BCN Film Fest, está protagonizada por Emma Vilarasau, Enric Auquer, María Rodríguez Soto, Alberto San Juan, Clara Segura, José Pérez-Ocaña y Macarena García. Recientemente la película se hizo con el Premio del Público en el Festival Internacional de Cinema en Català (FIC-CAT).

Diez años después del estreno de 'Barcelona, nit d'estiu', Dani de la Orden vuelve a trabajar con el guionista Eduard Sola (guionista de 'Barcelona, nit d'estiu' y 'Barcelona, nit d'hivern') y a rodar en catalán esta comedia dramática sobre "el lado más oscuro de las familias, sobre todo lo que se calla, lo que no se dice y de la parte menos tierna y más egoísta que tenemos todos con la gente a la que más queremos".

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Lo segunda clave de su éxito fue leer la necesidad de potencia visual que parece exigir el audiovisual en este momento, con una puesta en escena radicalmente estudiada para que todos los planos impactaran y funcionaran casi como un gran videoclip.

En Los indeseables sin duda no ha perdido el pulso sobre la puesta en escena, pero tal vez sí lo haya hecho en el planteamiento y en el guion. En esta ocasión, el director se centra en la violencia política. Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar un barrio obrero. Pero rehabilitar pasa, precisamente, por imponer en un barrio una vida que sus habitantes no quieren. Y la alternativa es echarles a la fuerza.

La política, como decíamos, pero también la vivienda y la policía (siempre la policía) son identificados como los grandes enemigos de la clase obrera migrante. A partir de esa buena intención, el problema de Los indeseables es que subraya tanto todo el rato, que genera una película de trincheras con personajes tremendamente planos. No solo eso, con la necesidad de que se crucen la vida de los personajes pero también con la distancia natural entre la clase política y la población vulnerable, se acaba generando una artificialidad en la historia que acaba generando una sensación más verdadera que la realidad: parece que Ladj Ly sea un director ajena, cuando sabemos que no lo es.

Estos problemas no permiten salvar las imágenes de la película, que acaba siendo una excelente película para explicar los problemas y las tendencias audiovisuales populares contemporáneas, pero no para hacer avanzar nada. Tal vez ese sea el gran pero de la película, que pulsa el presente pero no hace resonar nada en el futuro.

ALUMBRAMIENTO

Es 1982 en España, y mientras los simpatizantes del PSOE celebran la primera mayoría absoluta de Felipe González como si se tratara de un Mundial de Fútbol, una madre y su hija intentan llegar en taxi al Patronato de la Mujer. Lucía, la joven, está embarazada y la solución es internarla junto a otras jóvenes.

Alumbramiento, la película de Pau Teixidor, explora, a través de Lucía, dos de los grandes dramas por lo que se podía pasar siendo una adolescente embarazada en aquella España que seguía siendo muy oscura: el nulo acceso a un tratamiento de interrupción voluntaria del embarazo y, en aquellos Patronatos, el drama de los bebés robados.

Dos temas sobre los que Teixidor propone hablar desde el prisma de las propias chicas y que hace con mucha sensibilidad. Y para saber cómo ha sido construir está película le hemos invitado a Última Fila. ¿Qué tal, Pau?

MAMÁNTULA

Un apunte más, esta vez de una película pequeñita que llega a Filmin también este viernes. Se trata de Mámantula, de Ion de Sosa, y que sigue una estela extraordinaria de varias películas recientes que reivindican un misterio a medio camino entre la libertad absoluta en la puesta de escena y un manejo brillante del misterio creado precisamente por esa puesta en escena y no por los miedos sociales evidentes. Ahí estaría, claro, Espíritu Sagrado, de Chema García Ibarra; pero también la más reciente Inmotep, de Julián Genisson.

Ios de Sosa, que comparte como digo amistad y escena con los otros dos autores, propone en este mediometraje una investigación policial que busca resolver una serie de asesinatos que están sucediendo en lugares de cruising en la ciudad de Berlín. Alguien está succionando el interior de los cuerpos de hombres a través de felaciones. Las pruebas médicas apuntan a una araña gigante. ¿Qué pasa entonces? Pues que es Mamántula, una araña gigante travestida de humano con sed de venganza y semen.

Tras él una pareja de mujeres detectives que intentan resolver, como si fueran Mulder y Scully, este caso tan estrambótico. Lo hacen precisamente, y aquí ya empezamos a hablar de las decisiones de De Sosa, desde la autoconsciencia. El director se toma en serio a sus personajes, y son las propias detectives las que se arrastran hasta la autoparodia.

Como en los otros dos ejemplos que he puesto al principio, en Mamántula encontramos un escenario nuevo hecho con los escombros de todo lo que ya conocemos. Una mirada periférica que, en vez de señalar “lo otro” señala “lo familiar”. ¿Y qué es lo familiar? Es Cruising, de William Friedkin, es Expediente X, de Chris Carter, es El estrangulador de Boston, de Richard Fleischer. Y sin embargo, es algo totalmente nuevo.

La capacidad de generar ese algo nuevo con los elementos precisamente que explican nuestra cultura audiovisual contemporánea permite que todo entre en un terreno magnético, algo parecido a los cortometrajes de David Lynch, entendiéndolo siempre en su contexto.

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El director de Jauja, volvió al Festival de Cannes con una de sus películas más ambiciosas, un viaje fascinante y enigmático a través del tiempo en el que explora la experiencia de las comunidades indígenas comparando la forma de vida de los indios en la selva de América Latina, donde todavía pueden refugiarse en su vasto entorno natural, con la situación de los nativos americanos, que viven en una parcela de tierra asignada por el gobierno estadounidense. 

¿Hacia dónde nos dirigimos? ¿Adónde nos lleva el progreso? ¿Qué ha hecho la noción de progreso por los nativos americanos? ¿Es mejor ser pobre en Sudamérica o estar un poco mejor, pero completamente aislado y sin perspectivas de futuro? ¿Es mejor vivir bajo un árbol viendo la luz a lo largo del día, o ser un engranaje de la civilización occidental?. 

Un singular western en blanco y negro con una mirada hacia el futuro en el que Mortensen une fuerzas con Chiara Mastroianni para crear una película mágica sobre la condición global de los pueblos indígenas y nuestra misma noción del progreso. 

El cielo rojo

El cielo rojo del director alemán Christian Petzold (“Ondina”) se estrenará en CINES el próximo 14 de junio, distribuida por Filmin. La película, que viene de ser premiada en el Festival de Berlín con el Gran Premio del Jurado y de participar en el Festival de San Sebastián, es una comedia dramática sobre cuatro jóvenes desconocidos entre ellos que, por distintas razones, comparten una casa de verano al lado de la playa. Uno de ellos es Leon (Thomas Schubert), un escritor engreído y estancado en su última obra que se va de vacaciones con su amigo, de carácter opuesto, Felix (Langston Uibel). Devid (Enno Trebs), por su lado, es el socorrista de la playa y Nadja, quien ya estaba en la casa cuando los demás llegaron, es una chica misteriosa y escurridiza que va arriba y abajo con su bicicleta rohmeriana. La joven, objeto de deseo y de ira para el escritor protagonista, está interpretada por la ya actriz emblema de Petzold, Paula Beer (“Ondina”).
Se trata de la segunda película de la trilogía de los elementos de Petzold, que se inició con el encantador relato sobre una ninfa acuática y un buceador industrial en “Ondina” (2021). Esta vez, el fuego tiñe el cuento. “El cielo rojo” empieza con la llegada de Leon y Felix a la casa, cada uno con sendos planes: terminar su segunda novela y disfrutar del verano en la costa báltica, respectivamente. La presencia casi mística de Nadja en la casa distrae a Leon, a pesar de que nunca se deja ver durante el día y solo se la escucha por las noches mientras mantiene relaciones. El misterio de Nadja irrita y atrae, al mismo tiempo, a Leon.
“No fue hasta los ensayos que me di cuenta de que la película iba sobre mí”, admite Petzold haciendo referencia al protagonista, un autor solitario que oculta sus inseguridades y su frustración a través del sarcasmo y la soberbia. “Haciéndola, he aprendido mucho sobre mí mismo, sobre las estructuras narcisistas y sobre el valor del trabajo colectivo”. En la película, cuando un fuego forestal amenaza al grupo, Leon descubrirá si es capaz de preocuparse de algo más que de sí mismo. El director sentencia: “Leon tiene mucho que aprender, al igual que yo”.

Green Border

Vercine estrenará el 14 de junio Green Border, la nueva película de la tres veces nominada al Óscar Agnieszka Holland (Europa, Europa, Amarga Cosecha, In Darkness). Tras ganar el Premio del Jurado en el Festival de Venecia, el filme pudo participó en la Sección Oficial de la SEMINCI y más adelante pudo verse en el BCN Film Fest, fuera de competición.

Es un relato que nos abre los ojos, habla al corazón y nos desafía a reflexionar sobre las decisiones morales que recaen todos los días sobre la gente común y corriente.

El bosque en la frontera entre Polonia y Bielorrusia es uno de los últimos bosques primitivos de Europa, a la vez que monumental y traicionero. Las autoridades aislaron a los medios de comunicación y a toda la ayuda humanitaria y médica. Muchos polacos estuvieron de acuerdo con estos métodos, y la Unión Europea tampoco protestó contenta de que el problema se estuviera solucionando sin su implicación. Pero una gran parte de la población local y de los jóvenes activistas, ante el sufrimiento y el miedo de personas inocentes, reaccionaron con normalidad: hay que ayudar a estas personas. Esta es la historia de estos sucesos.

Agnieszka Holland habla sobre su implicación personal y política en la película: “Mi generación de cineastas sentía que éramos responsables de representar los problemas del mundo y que era necesario hablar de temas difíciles y hacer preguntas, no sólo existenciales, sino también éticas, sociales y políticas. Soy consciente de que podría provocar reacciones muy desagradables y mal entendidas por parte de las personas, quienes, tal vez si escucharan lo que digo, podrían entenderlo. Pero en general no tengo miedo. No tenía miedo antes, así que no veo ninguna razón para tener miedo ahora. Cada vez tengo menos que perder y cada vez más responsabilidad por lo que debo transmitir.”

Lost Country

El director serbio Vladimir Perisic ha llegado este lunes a la Sección Oficial de Mostra de València-Cinema del Mediterrani con Lost Country, un film premiado en La Semana de la Crítica del Festival de Cannes ambientado en las elecciones de Belgrado de 1996, en lo que era entonces Yugoslavia, que de forma inesperada acabó perdiendo el partido de Milosevic. "No percibimos la Historia como nos cuentan los thrillers de Hollywood", apunta.

La película se centra en Stefan, un adolescente que se encuentra en un dilema moral cuando se enfrenta a su madre, portavoz y cómplice del gobierno corrupto contra el que se levantan y manifiestan sus amigos. Aunque no coincide con su biografía al completo, el director comparte similitudes con el protagonista: "Yo tenía 14 años cuando empezó la guerra de Yugoslavia, crecí viendo algo que no entendía; mi madre también formaba parte del Partido Socialista, aunque no ocupaba un rango tan alto", manifiesta.

A través de esta relación materno-filial, Perisic quería también explorar el papel de la mentira en la política: "La madre es una experta en comunicación pero es incapaz de comunicarse con su hijo, no puede hacerle cambiar de opinión pero sí engañarle".

Lost Country refleja "cómo la política se abre camino en nuestras relaciones más íntimas y cómo la persuasión, la seducción, incluso la ternura, a pesar de su apariencia no violenta, pueden desempeñar un papel en nuestras luchas de poder", explica el realizador, según ha indicado la organización del festival en un comunicado.

La historia de Lost Country "tiene ecos de lo que está sucediendo ahora, cuando el autoritarismo y el nacionalismo regresan a Serbia y mientras la extrema derecha gana terreno en todo el mundo amenazando a la democracia", destaca.

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En ella, tres generaciones de hombres viven el desamor en diferentes fases de su vida. Simon Pearce decide divorciarse de su mujer ya en la vejez avanzada. Varios años después, con demencia y viviendo en una residencia, su hijo Peter afronta, a mediana edad, el divorcio con su mujer. Y los dos hijos de estos, Nick y Mickey van de fin de semana a celebrar la despedida de soltero del primero en Tulum, México.

Nick y Mickey coinciden con su padre Peter, que también iba al mismo destino para despresurizarse, y durante el fin de semana se encontrarán en diferentes momentos. La despedida de soltero que plantea Pritzker, y aquí vamos a desvelar la que es la gran fortaleza de la película, es poco o nada testosterónica, nada asidua a los lugares comunes, y normaliza (sin pretensiones) un acercamiento mucho menos machista. Ocurre que la gran diversión se ve ensombrada porque Nick está a punto de cancelar la boda, cercado por su precariedad y depresión.

Con estos pilares, Nick, Mickey y Peter viven un fin de semana en Tulum con frentes diferentes, de manera introspectiva, pero sin dejar que la comedia atraviese toda la película. Pritzker hace normal lo que no lo es, sobre todo en una película que está tan dominada por hombres. Y no necesita, y doy gracias a dios por ello, remitir a las nuevas masculinidades ni a los no-sé-qué beta, sino que las cosas suceden con la ligereza que permite la profundidad a completar por el espectador.

La puesta en escena es sobria y eficiente, y la película solo se embarra precisamente cuando, a la vuelta, empieza un epílogo que frena todo el ritmo construido con subtramas que, o ya estaban resueltas, o no había tanto interés por resolver. Esta frase horrible de “a esta película le sobran 20 minutos” aplica aquí. No se hace, literalmente hace falta que le corten los últimos 20 minutos porque no tienen el más mínimo interés.

Aparte de esto, Ex maridos me hace pensar en lo importante que es ver una despedida de soltero en el cine americano de esta forma tan pausada. Y es que casi diría que las despedidas de solteros de los países occidentales beben mucho de las expectativas que ha ido creando el cine americano a lo largo del tiempo. Otra vez, Pritzker acierta haciendo normal lo que no lo es sin ponerse ninguna medalla por ello.

Tal vez Ex maridos, por este motivo, interpele más a las personas que socializan con grupos de hombres, porque les hará avanzar. No sé si esto por delicado, interpela igual de poco a las mujeres que las películas de despelotes. En todo caso, un título a ver, sin duda. La comedia indie americana podría volver. Aquí lo ha hecho.

Les pires

Escondida en pocos cines también encontraréis este viernes una película de la que teníamos muchas ganas de hablar. Lo queríamos hacer desde que ganara el premio a la mejor película en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes de 2023; y lo confirmamos cuando pudimos verla en La Mostra de València del año pasado. Así que aquí lo tenéis: Les pires, de Lise Akoka  y Romane Gueret.

En la barriada Picasso, va a empezar un rodaje. Un director quiere filmar su ópera prima acercándose a las miserias que él no ha vivido pero le apetece contar. Nos suena de algo, del cine social de algunos grandes nombres del cine europeo que juegan precisamente con la vulnerabilidad desde el privilegio y dejan ver sus costuras en sus filmes, aplaudidos cuando solo se ve el qué y no el cómo.

Pero un rodaje en un barrio popular, queriendo además contar con actores y actrices no profesionales para que haya más verdad —porque cuando tú no puedes poner verdad alguna, alguien lo tendrá que hacer por ti—, es en realidad un espejo de las relaciones de poder de una industria, la del cine, que estructuralmente tiene poco remedio.

Les pires es todo ese reflejo, tomando el punto de vista de los cuatro niños y adolescente que deciden, en un primer momento, participar en la película para contar algo parecido pero no igual a sus vidas. Ellos ven la película como algo nuevo, como algo otro, que no tiene por qué involucrarse en el resto de su vida. Y el director, caótico y con interés por la película final por encima de  todo, no deja que nada permee en su conciencia dormida.

Desde este análisis, podría parecer que Les pires es una parodia. Pero lo bueno de esta película es que, siendo clara en su crítica, le da otra vuelta. Y sin dejar de tener razón sobre lo que hemos contado, también en medio de esas relaciones de poder, la humanidad se deja ver entre las grietas y da también los frutos de manera autónoma. Y un rodaje, en tanto en cuanto es un equipo humano convive a todas horas durante un corto pero intenso plazo de tiempo, también puede hacer crecer a las personas y hacerlas mejor, o al menos sacarles del vacío existencial.

Les pires es todo eso, contado de una manera sencilla, riéndose de su propio dispositivo. Por eso se mereció el premio en Cannes y por eso, a pesar de estar solo en unos poquitos cines, no podemos dejar de recomendárosla. 

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Las películas de juicios tienen una larga y rica trayectoria en la historia del cine. Desde los clásicos como 12 hombres sin piedad (1957) y Matar a un ruiseñor (1962), hasta thrillers modernos como Veredicto final (1982) y El dilema (2009), este subgénero ha demostrado su capacidad para entretener y hacer reflexionar al público.

Las películas de juicios no solo son entretenidas, sino que también pueden ser una herramienta valiosa para comprender mejor el sistema legal y las complejidades de la justicia. Al exponer las fallas y contradicciones del sistema, estas películas pueden generar un debate social y promover reformas positivas.

Continúan evolucionando con el tiempo, adaptándose a los nuevos contextos sociales y políticos. En la actualidad, vemos un creciente interés en las historias que exploran temas como la discriminación, la corrupción y los abusos de poder.

Fireworks

Este es uno de los viernes de cartelera casi de avalancha, con más de una decena de títulos que compiten por hacerse un hueco, por muy pequeño que sea, y mantenerse una segunda semana. Empieza también la época de los festivales de cine; y mientras no llegan las películas que van ganando, la cartelera ha casi agotado los mejores títulos del año pasado. Así que tenemos a tocar el cine de verano, ese que no nos importa tanto, pero que disfrutamos de la misma manera que disfrutamos una peli de tarde al lado de alguien que queramos, o un blockbuster palomitero que nunca más recordaremos, pero cuyo bochorno pasamos conscientemente entre amigos.

Entre la marabunta de estrenos queremos destacar una película que formó parte de la Sección Oficial de la última Mostra de València, Fireworks, una cinta italiana que es la ópera prima de una personalidad televisiva de la Rai, Beppe Fiorello. La película está ambientada en la Sicilia de 1982 durante la copa del Mundo de fútbol que ganó Italia, el del tercer mundial que ganaría su selección. La historia cuenta la compleja relación entre Gianni, que sufre el acoso de los matones del pueblo por sus tendencias homosexuales y una situación familiar angustiosa, y Nino, un atractivo chico con una familia estructurada que suministra fuegos artificiales a todos los festivales y fiestas de la zona. Tras un encuentro casual entre ambos, y una amistad que termina en enamoramiento, los jóvenes deciden vivir su amor libremente, sin ocultarse, mostrando su alegría de estar juntos ante todo el mundo. La gente empieza a murmurar, y las peores reacciones proceden de los lugares más insospechados. En una atmósfera tan masculina, aupada por el fervor futbolístico, dos adolescentes se enamoran: uno al que, en su pueblo, ya tienen machacado; otro que se descubre con una mayor libertad ante él.

El cine LGTBIQ+ ha cambiado su categoría, en los últimos años, de una etiqueta a un subgénero. Mala noticia en lo que respecta a la configuración de espacios comunes por los que transitan muchas de las propuestas sobre historias del colectivo. Sin duda, esta película se pasea por casi todos los posibles. Hay muy poca verdad en esta historia, a pesar de estar basado en los hechos reales del asesinato de una pareja homosexual en ese mismo contexto. La verdad se la quitan las imágenes, esos lugares comunes, esa crueldad tan mal equilibrada y esa falta de originalidad en la puesta en escena formal. Los personajes son planos, arquetípicos, y la trama absolutamente predecible. Ni siquiera se sube a la ola de la gran enmienda en cuestión de representatividad que actualmente se está dando: la de dejar de vincular las historias LGTBIQ+ a un destino fatal. No lo hace porque llega a tarde a todo, y el único logro es la construcción de la atmósfera masculina.

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Isaki Lacuesta y Fernando Navarro firman el guión de esta película, protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón.

Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción… Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país. 

Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “Los pasos dobles” (2011) y “Entre dos aguas” (2018). Ha dirigido, entre otras, las películas “La leyenda del tiempo”, “Los Condenados”, “La noche que no acaba” y “La próxima piel”. Esta última tuvo su estreno en el Festival de Málaga. En 2022, estrenó “Un año, una noche” la cual compitió en la Sección oficial de la Berlinale.

Pol Rodriguez con su primer largometraje de ficción, “Quatretondeta" obtuvo 2 Biznagas en el Festival de Málaga. También ha dirigido capítulos de la serie "Deudas",y segundas unidades de películas como "Carta a Eva", "Descalzo sobre la tierra roja" y "Don't grow up”. Ha realizado series documentales como la aclamada "Match Day”, o la serie documental "Year Zero" seleccionada en la sección oficial de Tribeca y producida por la ganadora de un Oscar, Kathryn Bigelow.

El último late night

El último late night es la nueva película de los hermanos Cairnes, que hasta la fecha habían dirigido dos largometrajes de terror: 100 Bloody Acres (2012) y Scare Campaign (2016). Los directores demuestran su dominio del género con una película que adopta la estética y las formas de un programa de televisión de finales de los 70, Night Owls, un espacio nocturno de entrevistas que presenta el popular Jack Delroy (David Dastmalchian). Después de la muerte de su mujer, Delroy ha vivido momentos muy complicados y las audiencias de su programa lo han acusado. Dispuesto a recuperar el interés de los espectadores, decide montar el especial de Halloween más sonado de la televisión estadounidense, sin ser consciente de la maldición que está a punto de desatar sobre todos los hogares del país.

Stephen King fue una de las primeras personas que se manifestó a favor de la película, diciendo de ella que es "brillante" y que nadie debería perdérsela. La crítica especializada, nacional e internacional, la ha destacado como una de las propuestas más sugerentes del cine de terror en los últimos tiempos.

Filmin estrena en cine el próximo 24 de mayo una de las películas más esperadas de la temporada por los amantes del cine de terror.

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Un sol radiant

La película Un sol radiant, protagonizada por Laia Artigas (Estiu 1993), Núria Prims (Sica, Historias del Kronen, Hospital Central, Hache), Núria Sales y Jaume Villalta se estrena en cines el 17 de mayo.

La película nace del deseo de imaginar lo inimaginable. ¿Cómo sería la última semana de nuestra vida si tuviéramos la certeza de que está llegando a su fin? Un sol radiant es un proyecto colectivo, con dirección de Mònica Cambra Domínguez y Ariadna Fortuny Cardona, guion de Ariadna Fortuny Cardona y Clàudia Garcia de Dios y sonido de Lucía Herrera Pérez y Mònica Tort Pallarès.

Un sol radiant cuenta la historia de Mila, quien afronta los últimos días de vida antes del fin del mundo. Mientras lucha por comprender la complejidad de la muerte, también trata de mantener unida a su familia organizando una fiesta que se lleva a cabo el último día de vida en la tierra.

Relata la historia del fin del mundo a partir de las vivencias de una familia, los Verdi, desde la perspectiva de Mila, la más joven de la familia. La película está protagonizada por Laia Artigas (Estiu 1993), Núria Prims (Sica, Historias del Kronen, Hospital Central, Hache), Núria Sales y Jaume Villalta.

Mila, una niña de once años, y su familia afrontan los últimos días de vida antes del fin del mundo. Diez meses antes, se descubrió que un meteoro se dirigía hacia la tierra, sin dejar posibilidades de supervivencia. A partir de entonces, la familia Verdi, formada por Alicia (45), la madre de Mila; Gabriel (71), el abuelo de Mila, e Íngrid (16), la hermana mayor de Mila, intentan vivir con la mayor tranquilidad posible el tiempo que les queda.

La película comienza cinco días antes del fin del mundo, cuando surge la idea de hacer una fiesta para pasar los últimos momentos juntos. Para Mila, esto se convierte en algo a lo que aferrarse, una forma de celebrar la vida antes de que termine. A medida que se acerca, la fiesta se convertirá en mucho más que una simple celebración.

Un sol radiant participó en el Festival D'A de Barcelona y ganó el Premio Talents, compitió en la Sección Esbilla en la categoría Espectru del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) y competirá en Sección Oficial de Ibicine. Una producción de Atiende Films, producida por Xesc Cabot y Pep Garrido, con distribución y ventas internacionales de Begin Again Films.

Mars Express

Aline Ruby es una testaruda detective privada, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha ‘reencarnado’ en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar.

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Nina

Peli, palomitas y vengarte de un abusador sexual? Si ese es tu plan para este finde, entonces tu película es Nina. Nina es un thriller, o casi un western en el norte de España.

Con un inicio que ya engancha, unos total looks que te muertes y una Patria López Arnaiz que ya la habría querido como protagonista Nicholas Rey o el mismismimo Alfred Hitchkock que va vida a una actriz, que vuelve a su pueblo a vengarse de Darío Grandinetti, su pareja cuando esta tenía 17 años, el hombre culto argentino que vio en ella algo más que una niña y decidió pues liarse con ella que te voy a contar.

Hasta el fin del mundo

Falling no fue un capricho, ni una incursión experimental detrás de la cámara para Viggo Mortensen. El famoso actor presenta ahora su segunda película, Hasta el fin del mundo, que se estrenará en cines el próximo 10 de mayo y que demuestra la capacidad de Mortensen por la creación fílmica, tanto en su dirección como en su guion. El autor empezó la gira de presentación de la película en los Cines Lys de València.

Hasta el fin del mundo es un western inusual que deja la cámara en la casa de Vivienne Le Coudy en vez de seguir las aventuras de Holger Olsen en la Guerra Civil estadounidense. Es ella la verdadera protagonista, y el film cuenta cómo tiene que hacer frente a la soledad y a sus traumas, pero también a los peligros del pueblecito del lejano oeste y las fortalezas que le mantienen. 

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Es el mismo pueblo el que se revela, consciente de lo difícil que es mantener equilibrio. En este caso, está amenazada la corriente de agua natural, que puede contaminarse, y perder la cuadratura del círculo de ese sistema ecológico perfecto que es un espacio natural respetado por la acción humana. El pueblo, en todo caso, censura el proyecto sin perturbarse. Y el espectador occidental se pregunta: ¿Cómo se puede construir el dramatismo sin subir los decibelios cuando un problema es colectivo? Ryûsuke Hamaguchi lo demuestra en El mal no existe, una película que aprovecha escenas de diálogo largas para hacer, precisamente, una película mínima.

La oposición del pueblo, la vida tranquila de Takumi o la ambición impotente del capital necesitan de muy poco para quedar negro sobre blanco. Nada está subrayado, nada sobra, todo está en equilibrio. Todo un ejercicio de cine.

En ese sentido misterioso de dónde colocar los elementos narrativos y repartir el peso para que las cosas sucedan sin que apenas se note, es un don que Hamaguchi domina a la perfección. Y en realidad, pasa casi dos horas no solo manteniendo el equilibrio, sino preparando un golpe de efecto, que es algo desconcertante, pero que no desluce el resultado final.

El personaje de Takumi, hipnótico, explica la propia película, es reflejo de su totalidad. En esa tranquilidad categórica, en esa defensa pacífica, en esa seguridad de quien se siente en equilibrio, el más urbanita se sentirá como ese cazador de talentos que una vez lo entiende todo quiere quedarse en el pueblo; mientras que la persona que esté más conectada con el medio rural, verá en pantalla grande aquello que le es tan fácil de entender y tan difícil de explicar.

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Giorgio Agamben dice: “Contemporáneo es aquel que mantiene fija la mirada en su tiempo, para percibir, no sus luces, sino su oscuridad. Contemporáneo es aquel que recibe en pleno rostro el haz de tiniebla que proviene de su tiempo. Percibir en la oscuridad del presente esa luz que trata de alcanzarnos y no puede: eso significa ser contemporáneos. Por eso los contemporáneos son raros; y por eso ser contemporáneo es, ante todo, una cuestión de coraje: porque significa ser capaces, no solo de mantener la mirada fija en la oscuridad de la época, sino también de percibir en esa oscuridad una luz que, dirigida hacia nosotros, se nos aleja infinitamente”.

Esta cita abre uno de los capítulos de La imagen incesante. Radiografía de los formatos audiovisuales, un ensayo escrito a cuatro manos por Jordi Balló y Mercé Oliva, publicado por Anagrama y con traducción al castellano de Carlos Losilla —originalmente está escrito en catalán.

El libro problematiza los formatos televisivos de entretenimiento y los pone en conversación con las sociedades en las que se desarrollaron y aquella política que parecían adelantar. No hay mayor reproducción de las aristas de las sociedad neoliberales que el espectáculo televisivo, y frente a la superficialdad de la crítica televisva, Jordi Balló y Mercé Oliva han escrito una obra lúcida, didáctica y punzante.

Hoy, en Última Fila, contamos con ellos, y lo primero que os quería preguntar si la televisión refleja la sociedad, la televisión moldea la sociedad, o son las dos cosas a la vez.

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'La casa' se presentará el próximo lunes 22 en el Barcelona Film Fest tras alzarse con seis premios en el Festival de Málaga: Biznagas de Plata a Mejor Guión, Mejor Música y la del premio del público junto al Premio Feroz Cámara Oscura, el Premio Jurado Joven y también una Mención Especial del Premio Signis. 

Tras la muerte de su padre, tres hermanos se reúnen en la casa familiar en la que pasaron los veranos de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado.

Producida por Raw Pictures , Nakamura Films y Haciendo la casa AIE , la película cuenta con la financiación del  ICAA , del Institut Valencià de Cultura y del Instituto de Crédito Oficial , con la participación de Radio Televisión Española ,  À Punt Mèdia  y CREA SGR  y con la colaboración de FGV: Ferrocarrils de la Generalitat Valenciana . La distribución en cines correrá a carga de  A Contracorriente Films.

Mamífera

Lola disfruta de una vida feliz con su pareja, Bruno, hasta que un embarazo inesperado revoluciona todos sus planes. Aunque Lola siempre ha tenido claro que lo de ser madre no va con ella, ahora se siente cuestionada por las expectativas sociales y se enfrenta a sus temores internos. Durante los tres días que tienen que esperar hasta que llegue su cita en la clínica, Lola se acerca a sus amigas y a su familia con la intención de reafirmar su decisión. Bruno tampoco se había imaginado nunca como padre. Hasta ahora.

Liliana Torres (Vic, 1980), estrenó su primera película, Family Tour, en el SSIFF - San Sebastián IFF y participó en la Selección Oficial del Warsaw IFF y del Busan IFF. Fue reconocida con el premio Best European Film Award en Crossing Europe. Su segunda película, ¿Qué hicimos mal?, se estrenó en la Selección Oficial del PÖFF - Tallin Black Nights, y compitió en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y en el Miami Film Festival. Mamífera será su tercera película, y cerrará la trilogía autobiográfica que inició con sus trabajos anteriores. En las dos primeras, reflexiona sobre la familia y la pareja respectivamente y, en esta tercera, lo hará sobre la maternidad.

“Tenía 25 años cuando, por sorpresa, mi madre me dijo: "no tengas hijos, disfruta de la vida". La frase me marcó. ¿Era mi madre una madre arrepentida? Esta fue la semilla que sembró mis dudas sobre la maternidad. Se ha hablado poco hasta ahora de lo que llegar a los 40 sin hijos significa para las mujeres. Especialmente para aquellas que tienen la posibilidad de tenerlos, pero no quieren. La sociedad, aunque esté abierta a nuevos modelos parentales, todavía no cuestiona que los hijos e hijas sean el centro de la familia. Las mujeres sin hijos son relegadas a tópicos baratos (soltera, antinatural, egoísta...), victimizantes y limitantes. He ido descubriendo que no quiero tener hijos. Quiero contar la historia de una mujer que decide no ser madre para hacer visibles las dificultades de la no maternidad y desestigmatizarla. También me gustaría que Mamífera sirviera como espejo para otras mujeres que han decidido no ser madres y se sienten incomprendidas. Mamífera tiene conflicto y reflexión, pero el humor característico de la pareja principal inunda toda la película y la convierte en una dramedia. Mi deseo es que esta película no sirva para reivindicar una opción de las mujeres contra otra, sino para tejer redes de comprensión entre todos los posibles modelos”, explica la directora.

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La quimera cuenta con un reparto encabezado por Josh O'Connor, que interpreta a un arqueólogo involucrado en el tráfico clandestino de artefactos arqueológicos. Ambientada en la campiña toscana, completan el reparto Isabella Rossellini y Alba Rohrwacher. 

En su paso por la Sección Oficial del Festival de Cannes, La quimera fue calificada como la película "más libre, imprevisible y misteriosa de toda la competición" y "un homenaje a los extraños personajes que poblaban el cine de Fellini".
Lo último de Rohrwacher celebró su premier en España en la Sección Oficial de la SEMINCI, conquistando la Espiga de Plata del festival gracias a su frescura, lirismo y encanto.

Considerada por muchos la heredera del neorrealismo italiano, Rohrwacher invita con La quimera, su cuarto largometraje, a vivir una nueva fábula con toques mágicos y poéticos que nos traslada a la Italia rural de los años 80.

Sueños y pan

Sueños y Pan, nos muestra un Madrid como telón de fondo, donde dos jóvenes, Javi y Dani, protagonizan una emocionante peripecia tras robar un cuadro. La historia se entrelaza con la vida de una mujer adicta y su hijo, quien, a pesar de todo, aún conserva su inocencia.

El reparto está encabezado por el actor Javier de Luis y George Steane, conocido por su trabajo con Pedro Almodóvar en el cortometraje Extraña forma de vida. El jurado la describió como "radical, novedosa y audaz", y la verdad es que esta definición es acertada.

Por todo eso, entrevistamos a su director, Luis (Soto) Muñoz.

El Consentimiento

El Consentimiento, el segundo largometraje de Vanessa Filho, llegará a cines el próximo 19 de abril de la mano de Vercine. Presentada en el Festival Internacional de Tallin, donde Kim Higelin se alzó con el Premio a Mejor actriz, y nominada a Mejor guion adaptado y a Mejor actriz revelación en los Premios César 2024, se trata de la adaptación de la impactante novela homónima de Vanessa Springora, con el que la escritora y editora sacudió el panorama intelectual y sociopolítico francés e internacional, contribuyendo incluso al cambio en las leyes nacionales francesas sobre la edad legal del consentimiento. 

Escrita en colaboración con la propia Springora y François Pirot, la película reabre un debate de profunda actualidad a través de la narración de relación de dominación que la autora mantuvo a los 14 años años con el famoso escritor Gabriel Matzneff, 36 años mayor que ella, un pederasta y depredador sexual que hasta hace muy poco era celebrado en el mundo de las letras. 

Protagonizada por una inmensa Kim Higelin en su debut en el largometraje y por Jean Paul-Rouve en su mejor papel desde La vida en rosa, completan el reparto Laetitia Casta (Un hombre fiel), Sara Giraudeau (Médico de noche) y Lucie Debay (Omen). 

El Consentimiento, que se estrenó en Francia en octubre de 2023, provocó una gran reacción viral entre el público joven a causa de la crudeza de ciertas escenas y diálogos. Esto acabó generando un trend en la plataforma TikTok donde muchos se sumaron grabándose antes y después de ver la película en cines, creando gran expectación.

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Presos que en ese momento mutaban de presos políticos a aquellos que delinquían por el paro o por la droga. Historias de teleprisión nos intenta explicar cómo fue la creación de una televisión hecha por y para los presos, y el día a día de la cárcel más masificada en la españa de 1986.

No esperéis un documental al uso, ni una producción “joya” como se suele decir ahora. Cuenta con testimonios del director del canal, combinados con una voz en off que sitúa un poco al espectador de las imágenes.

Teleprisión fue la primera actividad cultural de aquella cárcel. La biblioteca, las salas de estudio y los talleres llegaron mucho después. Las imágenes se grababan con una cámara que les proporcionó la institución y se pasan por las televisiones de cada pasillo.

Sangre en los labios

Sangre en los labios, el nuevo thriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass (Saint Maud), se estrenará en cines el próximo 12 de abril de la mano de Filmin y Avalon, anteriormente anunciado para el 19 de abril. La película, cuyo título original es Love Lies Bleeding, retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de ser culturista. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris (El show de Truman), Dave Franco (Infiltrados en clase) y Jena Malone (Donnie Darko). Además, la película tuvo su premiere mundial en Sundance y su premiere internacional en el Festival de Berlín, donde recibió una cálida acogida por parte de los espectadores y de la crítica.

La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amor loco a través de la combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. (…) Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.

En una entrevista reciente con la revista Variety, Kristen Stewart explicó que lo que más le interesó de la película fue lo radicalmente distinto que es su personaje Lou –masculina, luchadora, queer sin remordimientos– de todas las interpretaciones estereotípicamente femeninas que han definido su carrera: “Encuentro muy sexy que las cosas que me resultan atractivas se ensalcen. (…) Hay una escena de sexo en la que ni quiera se quitan la ropa, pero va a chocar a los espectadores”. Asimismo, tanto Stewart como Glass tenían claro que estas escenas eróticas debían contener mucha verdad: “Incluso el sexo hetero es siempre igual en las películas, (…) nadie se atreve a mostrarse a sí mismo”, comenta Stewart, y añade: “Glass supo cómo capturar la verdad, dirigió las escenas con máxima precisión”.

Se trata del segundo film de la cineasta británica Rose Glass, quien en 2019 sorprendió al público y a la crítica con su opera prima “Saint Maud”, un thriller también producido por A24 que tuvo una acogida excepcional hasta el punto de ser considerada actualmente una “obra de culto moderna”. La esperada “Sangre en los labios” se estrenará en las salas de cine españolas el 12 de abril.

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Desde un parking de El Cabanyal, hasta el Delta del Danubio en Rumanía.
Pau Durá nos propone un viaje pasando por la Costa Brava, Italia o Hungría para conocer a Colombo, un ex-músico que trabaja en un taller y vende marihuana que acepta el extraño encargo de conducir para Mario. Un supuesto amante de las aves que va siguiendo el viaje de una grulla muy especial.

Y así comienza este viaje, con esta pareja tan imprevista que se enfrenta a todo tipo de contratiempos en idiomas conocidos y desconocidos, mientras que el espectador también es conducido por escenas de alegría, ternura y tensión.

Esa ternura, y a la vez esa tensión sólo se consigue con dos interpretaciones fantásticas que encarnan dos tipos de hombres muy diferentes que buscan los mismo, el perdón por sus decisiones del pasado.

Javier Guiterrez como un machote inseguro, que se ríe alto y conoce miles de maneras de pedir la cuenta. Un padre ausente, un rockero fracasado,  que no quiere ver en espejo lo que todos los demás ven, y para el que es demasiado tarde para arreglar algunas cagadas que le hicieron perder a su mujer.

Y Luis Zahera, al que todos tenemos en mente en papeles tan aterradores como el de As Bestas, el Reino o Celda 211 de repente se mete en el traje de un personaje tartamudo, larguirucho que se va quedando dormido por las esquinas, y que arrastra una herida gigante que necesita cerrar. Merecidísima la Biznaga a mejor interpretación que se llevó en el festival de Málaga, y papel alentador para aquellas a las que nos gusta ver a actores actuando, no actores haciendo el mismo papel una y otra vez.

Pájaros, Cómo evidencia en el título, y en el cartel que es bastante mono, los pájaros migran buscando su lugar en el mundo, y tengo la sensación que ese hogar es lo que buscan también estos personajes.

Su Friedrich

La Filmoteca Valenciana presenta un ciclo sobre la directora vanguardista estadounidense Su Friedrich (1954, New Haven). Conformado por ocho películas (un cortometraje, cinco mediometrajes y dos largometrajes), se trata de la primera retrospectiva que se hace en España sobre esta cineasta norteamericana.

El ciclo es un proyecto del festival Punto de Vista de Navarra, que cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, Cineteca (Madrid), la Filmoteca de Galicia y La Filmoteca Valenciana. Todas las proyecciones son en sesión única.  

Desde 1978 hasta la actualidad, Su Friedrich ha rodado más de veinte películas con una clara conciencia feminista y humanista, grandes dosis de honestidad, sensibilidad y un fino sentido del humor.

Sus obras parten de sus experiencias personales, emociones, sueños, miedos y deseos para explorar formas de conocimiento a partir de una toda serie de procesos íntimos como el amor, la sexualidad o la enfermedad. También aborda las relaciones familiares con sus padres y cuestiones sociales como la gentrificación o el activismo lésbico.

Sus películas están escritas, filmadas, montadas y sonorizadas por ella, salvo excepciones muy puntuales. Trabajando con una gran libertad formal, Friedrich presta especial atención a la yuxtaposición de textos, sonidos e imágenes de variada procedencia. Pese a su carácter experimental, su filmografía es accesible para un público muy amplio, incluso para los espectadores que no están acostumbrados al cine experimental, feminista o queer.

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También hablamos de Puan. María Alché y Benjamín Naishtat se sientan con nosotros en la última fila para hablar de una de las películas argentinas más importantes de 2023.

The Beast (La Bestia)

La película, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial a competición en el Festival de Venecia, donde consiguió la mayor puntuación de la crítica, supone el gran regreso de Bertrand Bonello, realizador de 'Nocturama', 'Zombi Child', 'Coma' y 'Saint Laurent', entre otras.

Su estreno en nuestro país tuvo lugar en la 68º edición de la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid), donde la protagonista de la película, Léa Seydoux, recibió el premio a la Mejor Actriz.

En ‘The Beast (La Bestia)', adaptación libre de 'La bestia en la jungla' de Henry James, el cineasta francés nos traslada a un futuro distópico dominado por la inteligencia artificial y en el que las emociones humanas se consideran una debilidad. Combinando la ciencia ficción y el melodrama, Bonello explora los cambios que el avance tecnológico ha generado en nuestras vidas: cómo han mutado las relaciones humanas, en este caso, a partir de la irrupción de la inteligencia artificial.

En esta asombrosa historia que transcurre en tres tiempos y espacios, nos encontramos con Léa Seydoux ('Dune 2', 'Crímenes del futuro', 'Una bonita mañana', 'La crónica francesa', 'La vida de Adèle') y George MacKay ('1917', 'Ofelia', 'El secreto de Marrowbone', 'Captain Fantastic', 'Pride') como protagonistas principales.

En un futuro cercano en el que reina la inteligencia artificial (IA), las emociones humanas se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, Gabrielle debe purificar su ADN regresando a sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero el miedo la invade y presiente que se avecina una catástrofe.

En palabras de su director, guionista y compositor: "En primer lugar, quería hacer el retrato de una mujer y abordar de frente el amor y el melodrama. Después, confrontarlo con el cine de género, ya que para mí el romance y el género parecen responder el uno al otro. Mi deseo era entrelazar lo íntimo y lo espectacular, el clasicismo y la modernidad, lo conocido y lo desconocido, lo visible y lo invisible. Hablar, quizás, del más desgarrador de los sentimientos, el miedo al amor. 'The Beast' también es el retrato de una mujer que casi se convierte en un documental sobre una actriz".

Además de director y guionista, Bertrand Bonello es también músico y compositor. Se trata de uno de los directores franceses más eclécticos y personales del panorama actual. Un autor que retrata la contemporaneidad como nadie, desde un estilo robusto pero incómodo. Su trabajo también ha sido asociado a la corriente New French Extremity. Desde la presentación de 'Le pornographe' en Cannes 2001, Bonello es uno de los nombres imprescindibles del cine francés contemporáneo.

Puan

La película argentina Puan se estrena en cines españoles este 27 de marzo de la mano de La Aventura. Nominada en los Premios Goya, el título fue doblemente premiado en el Festival de San Sebastián. Marcelo Subiotto fue galardonado con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación Protagonista y los directores y guionistas de PUAN, María Alché y Benjamín Naishtat, recibieron el premio del jurado al Mejor Guion. 

Esta es una comedia filosófica, llena de interpretaciones y momentos memorables, que funciona también como un retrato político de gran intensidad, teniendo especialmente en cuenta el contexto argentino actual.

El elenco del film cuenta con Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Cristina Banegas, Andrea Frigerio, Mara Bestelli, Gaspar Offenhenden y la participación especial de Lali Espósito como Vera Mota. 

Marcelo (Marcelo Subiotto) ha dedicado su vida a la enseñanza de filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Cuando su mentor muere inesperadamente, asume que heredará la titularidad de la cátedra vacante. No imagina que el carismático y seductor Rafael Sujarchuk (Leonardo Sbaraglia) volverá de Alemania para disputarle el puesto.

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Club Zero

La profesora Novak se une al equipo de docentes de un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Uno de sus objetivos principales es enseñar que “comer menos es más saludable”, una práctica con la que se va ganando la confianza de sus alumnos hasta que saltan las alarmas entre el profesorado y los padres. Demasiado tarde: el Club Zero se ha hecho realidad y no será sencillo romperlo.

Según explica la directora: “Club Zero pone el objetivo en los padres que delegan la responsabilidad de la educación de sus hijos en profesores que pueden distorsionar esa relación de confianza que se les ha concedido. En nuestro caso, la profesora Novak manipula a los alumnos y les aleja de sus padres. Cuando estos perciben el peligro y deciden salvar a sus hijos, ya es demasiado tarde. Club Zero aborda este temor y plantea la pregunta: ¿Cómo pueden los padres velar por sus hijos cuando simplemente no tienen tiempo para ellos?”.

Y añade: “Este es un problema que afecta a la sociedad en su conjunto: los acontecimientos descritos en la película podrían sucederme tanto a mí como a cualquiera. Los padres no saben todo lo que sucede en la escuela y no tienen el tiempo ni los medios para averiguarlo. Vivimos en un sistema basado en la meritocracia que nos exige trabajar cada vez más. Y tengo la sensación de que el fracaso de los padres es sistémico. Club Zero tiene lugar en un internado para enfatizar el hecho de que los padres dependen de los educadores. En nuestra sociedad, la enseñanza suele estar mal remunerada y no suficientemente valorada, y debería ser justo lo contrario. ¿Deberían los padres confiar plenamente en los profesores o deberían asumir más responsabilidades? ¿Por qué pasa esto en una sociedad basada en el trabajo y el éxito? Me interesa cómo nuestra sociedad delega este tipo de responsabilidad. Como dice la directora Dorset: Los padres no tienen tiempo para estar con sus hijos, por eso es nuestra responsabilidad brindarles la atención y el cariño que necesitan»”.

El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas

El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas es un ensayo breve que analiza cómo la ficción, en muchas ocasiones, supera a la realidad, llegando a (con)fundirse una con otra. ¿Qué es lo real? ¿Qué es una ficción?

En el contexto actual, en un mundo puramente digital, las imágenes han cobrado un papel fundamental a la hora de sondear el mundo en el que vivimos, a través de ficciones creadas para el cine o las series de televisión y plataformas de streaming. 

El motivo de este libro se relaciona con la necesidad de revelar el poder de las imágenes y las ficciones a la hora de construir nuestro imaginario y capacidad de separar la realidad de la ficción. En este sentido, la autora, experta y crítica de cine, analiza a partir de diversos ejemplos de series y películas de nuestra historia, cómo algunas imágenes han terminado superponiéndose a la realidad, y cómo las ficciones se han adherido a nuestro imaginario creando una forma de entender el mundo y lo que nos rodea. En un contexto cada vez más digitalizado y plagado de imágenes, ¿cómo deberíamos relacionarnos con la ficción? La autora plantea la necesidad de reflexionar sobre las ficciones a través del cine, su influencia y cómo deberíamos entenderlas a la hora de discernir lo que es real de lo que no lo es. 

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How to have sex 

Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas

Premio a la Mejor Película en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde sorprendió al público y prensa especializada y 3 premios British Independent Awards (Mejor Interpretación Protagonista para Mia McKenna-Bruce, Mejor Interpretación de Reparto para Samuel Bottomley y Mejor Casting).

How to have sex recibió el premio FIPRESCI en los European Film Awards, donde obtuvo 3 nominaciones. En España, participó en la Sección Oficial de la SEMINCI - premio Pilar Miró a la Mejor Nueva Dirección y el del Jurado Joven a Mejor Película - y en Festival Cine por Mujeres Madrid, donde ganó el premio a Mejor Película Internacional.

Ha pasado por los festivales de Hamburgo (premio Arthouse Cinema Award), Estocolmo (donde ganó a Mejor Director y Mejor Ópera Prima), Atenas (premio a Mejor Película), Zúrich, Busan, Jerusalem y Melbourne.

La idea para la película se le ocurrió a Walker tras rememorar con algunos amigos el verano previo a la universidad en el que viajaron a España para salir de fiesta (un ritual, que ella misma comenta, es muy común entre los británicos). El ambiente sexualmente desinhibido marcó mucho su recuerdo y el de sus amigos: “estas fiestas son mundos construidos en torno a la presión sexual” y menciona cómo la historia puede incomodar a una parte del público masculino: “Perturbará a muchos hombres, porque muchos han estado en esas situaciones", dice. "No estamos retratando la agresión de manera violenta o excesiva, sino como algo real.”

La directora, que ya participó con Good Thanks, You? en la Semana de la Crítica 2020, lanza una mirada ingeniosa, matizada y, en última instancia, devastadora, sobre los entresijos de la amistad femenina y la sexualidad adolescente. 

Cine, registro vivo de nuestra memoria

El documental Cine, registro vivo de nuestra memoria, aplaudido por la crítica y proyectado ya en festivales, salas y filmotecas de más de 30 países, está haciendo gira por las filmotecas españolas de la mano de la distribuidora Lost & Found. Desde su estreno en la Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, la película de Inés Toharia ha tenido un potente recorrido internacional.

The Hollywood Reporter asegura que la película de Toharia “deleitará e iluminará a la cinefilia” y para The Guardian, “nos urge a ser más conscientes de cómo archivamos y preservamos las películas que vemos y filmamos” y “celebra el pequeño milagro que ocurre cada vez que rescatamos otro título del borde de la extinción”. Por su parte, el cineasta brasileño Walter Salles afirmó en una mesa redonda en la Cinémathèque Suisse que esta “sublime” película sirve para “conectar con los héroes anónimos de la preservación de cine, quienes nos han permitido entender a través del cine que el mundo es mucho más grande y complejo de lo que imaginamos”

Cine, registro vivo de nuestra memoria arroja luz sobre el inmenso valor de un trabajo habitualmente invisible: el de la preservación de películas y materiales cinematográficos, que se lleva a cabo en filmotecas, archivos, fundaciones y otras instituciones a nivel internacional. Porque con cada película que se pierde, se pierde parte de la memoria de la época en la que fue rodada. A través de cientos de entrevistas, imágenes de archivos de todo el mundo y un montaje que atrapa, la cinta de Toharia nos ofrece una mirada personal, técnica y artística sobre la preservación y restauración, sobre su enorme importancia y sobre sus futuros desafíos, que no se resuelven con el paso al digital.

Nuestro último baile

La directora suiza Delphine Lehericey ya había conquistado al público con dos historias centradas en una juventud física como lo son Puppylove y El horizonte, ambas presentadas en el Festival de Cine de San Sebastián y ganadora esta última del Premio Lurra y otros tantos galardones del cine suizo.

Con su tercer largometraje, Nuestro último baile, también ha comenzado con buen pie, Premio del Público en el Festival de cine de Locarno y, si bien se ha centrado en el otro extremo de la vida, se ha servido de un personaje igualmente joven de espíritu: Germain, interpretado por el ganador del premio César François Berléand. Una excusa para dar un toque de atención, en un registro cómico, a todos esos adultos que tratan a sus mayores, independientes, autónomos, útiles, como adolescentes.

Pues como tal, Germain "se rebela" ante sus hijos buscando refugio en algo que nunca antes había experimentado, la danza contemporánea. Extraño para el personaje, pero no para la cineasta, que antes de dedicarse al mundo audiovisual había trabajado sobre las tablas en proyectos con una intensa vinculación con la danza. Por eso no dudó en fichar para el rodaje a La Ribot, artista multidisciplinar madrileña, una mujer referente con reconocimientos tales como el Premio Nacional de Danza o la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, entre otros. Para la ocasión no solo se ha encargado de la coreografía de la película, sino que se ha estrenado como actriz, interpretando un curioso personaje de sí misma.

Nuestro último baile supondrá el debut en la distribución de LAZONA, (productora de éxitos como la saga Ocho apellidos o No habrá paz para los malvados), que se estrenará en salas españolas el 15 de marzo de 2024.

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Los Pequeños Amores

Los pequeños amores, el nuevo largometraje de Celia Rico (Viaje al cuarto de una madre) llega a los cines este viernes 8 de marzo de la mano de Bteam Pictures.

La película protagonizada por María Vázquez (Matria) y Adriana Ozores (Thi Mai, Rumbo a Vietnam), junto a Aimar Vega (Modelo 77), compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga.

Los pequeños amores es una producción de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films AIE en coproducción con la francesa Noodles Production.

Rodada en diferentes localizaciones de Catalunya, Los pequeños amores explora el contradictorio vínculo de admiración y reproche entre dos mujeres de generaciones muy distintas;  un vínculo que define y atraviesa la manera en la que viven sus experiencias más íntimas.

Teresa (María Vázquez) cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre (Adriana Ozores), que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.

Los pequeños amores ' es una película sobre dos mujeres que han elegido caminos aparentemente opuestos y que ahora se reencuentran en el mismo lugar, compartiendo sus experiencias sobre el amor y la soledad.

En palabras de la directora y guionista, Celia Rico: “Los pequeños amores no es una película sobre la maternidad, tal vez lo sea sobre su reverso, la 'hijidad', si existiera esa palabra. Siempre me ha resultado curioso que no haya en nuestro vocabulario forma alguna de nombrar la condición de ser hijo, esa que, probablemente, sea la única que compartimos todos por imperativo y para siempre. Ser 'siempre hija' es el telón de fondo de esta historia, en la que he intentado navegar por la biografía emocional de una mujer en sus cuarenta y preguntarme sobre los modos posibles de sostener la vida y el amor a determinadas edades, cuando los padres se hacen mayores o ya no están, cuando los proyectos amorosos se desvanecen o no tienen como fin formar una familia".

Stop Making Sense

Regresa a los cines Stop Making Sense, una cita musical y cinematográfica que reúne a los Talking Heads, una de las mejores bandas de la historia, y al reputado director Jonathan Demme, ganador del Oscar a Mejor Director. Elástica reestrenará en cines el que es considerado el mejor 'concert film' de la historia que la prestigiosa A24 ha resucitado para reivindicar a la icónica banda de rock.

Con Stop Making Sense, el por aquel entonces joven cineasta Jonathan Demme pretendía seguir la estela de otros largometrajes musicales anteriores como The Last Waltz de Martin Scorsese o Rust Never Sleeps de Neil Young. Al director estadounidense siempre le encantó la música y había tenido la oportunidad de ver tocar a los Talking Heads a principios de 1983 en Hollywood, quedando fascinado por la magnética presencia del vocalista David Byrne y por la fuerza y potencia del directo de la banda.

Partiendo de su enfoque directo y honesto, el objetivo de Demme fue recoger en cámara para la posteridad el mejor 'concert film' de la historia, transmitiendo al espectador toda la energía de asistir a una actuación de los Talking Heads.

Estrenada en cines en 1984, Demme filmó con 7 cámaras y durante cuatro noches los conciertos que los Talking Heads, la banda compuesta por David Byrne, Tina Weymouth, Chris Frantz y Jerry Harrison dieron en el Teatro Pantages de Hollywood Boulevard durante la Navidad de 1983.

Uno de los momentos más memorables del concierto es cuando Byrne sale a escena a cantar la canción Girlfriend Is Better con el Big Suit, un traje absurdamente grande que estaba inspirado en parte en el teatro Noh japonés y que se ha convertido en un icono no solo de Stop Making Sense sino también del propio cantante.

Tras su estreno en cines, el concierto filmado recibió excelentes críticas y fue considerado como "una de las más grandes películas de rock jamás hechas", además de recibir calificativos como "abrumadora", "fascinante" y "brillante", destacando también la habilidad de Jonathan Demme para capturar "el enérgico e impredecible directo de la mejor época de Talking Heads en todo su esplendor y agudeza visual".

Para celebrar su 40 aniversario, Elastica estrenará en nuestros cines una restauración completa de la película que retrata la frenética energía de la banda en su momento álgido. Considerado por muchos el mejor concierto filmado de todos los tiempos, Stop Making Sense se estrenará en cines el 8 de marzo.

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Se estrena Not a Pretty Picture, un documental vanguardista que vuelve a las salas después de su restauración en 4K para poner sobre la mesa el debate del consentimiento sexual y la semiótica que lo acompaña.

También analizaremos La Mecánica de los Fluidos, un escalofriante video-ensayo sobre la comunidad incel, dirigido por la española Gala Hernández, ganadora del el Premio César.

Y finalmente, hablaremos con Sara Mansanet, gestora cultural, integrante del grupo de trabajo de violencias de la Junta Directiva de CIMA, también es delegada en la Comunitat Valenciana, sobre el trabajo de la asociación, el camino recorrido desde 2006 y las herramientas que están implementando para fomentar la igualdad para las mujeres en el sector audiovisual.

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El otro día, en el informe de taquillas semanal, se alzaba la voz de alarma. El pasado fin de semana fue desastroso. Pero hoy aquí no vamos a hacer ninguna defensa genérica de ir al cine. Os vamos a recomendar de corazón que, si vais al cine, vayáis a ver las dos películas de las que hablaremos. Dos joyas, desde lugares distintos, de nuestro cine, que no os deberíais perder. Este es uno de esos fines de semana donde se alinean los astros. Así que poneos cómodos, escuchad Última Fila y mientras, id haciéndole hueco a La Estrella Azul y a Negu Hurbilak.

La Estrella Azul

Mauricio Aznar es una figura imprescindible de la escena rock zaragozana de los 90, líder del grupo Más Birras. Javier Macipe coge prestada su vida para contar una de las historias de autodescubrimiento y música más fascinante que uno ha podido ver, La Estrella Azul.

Mauricio, ahogado entre la rutina, las adicciones y la manera en la que se vive la música en España, escapa a Latinoamérica buscando reencontrarse con su vocación. Allí conoce a Carlos Carabajal, uno de los maestros de la chacarera, un subgénero tradicional de la Argentina rural. Carabajal, entristecido por el poco apoyo a su creación, y Mauricio, un músico pérdido, se acogen con generosidad. De su encuentro nace un extravagante dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial.

Javier Macipe dirigiendo y Pepe Lorente como protagonista lideran este film que es transparente como pocas veces he visto, y eso es lo que hace, en resumen de esta película una muy especial. Para desarrollar esto, quién mejor que ellos mismos para explicarlo.

Negu Hurbilak

En 2011 el prolongado conflicto que vive el País Vasco parece llegar a su fin. Una joven huye con un claro objetivo: cruzar la frontera. Llega a Zubieta, un pueblo fronterizo donde antiguos mitos y conflictos modernos parecen converger. Con el paso del tiempo, un tiempo difuso e indefinido, donde los días se convierten en noches y las noches en días, su huida comienza a ser cada vez más laberíntica…

Mientras las radio informan que ETA ha anunciado el cese definitivo de la actividad terrorista, una joven huye y se aleja de una familia. Cuando se habla de las heridas abiertas, o las que se tienen que cerrar, se hace, deliberadamente, de parte. Y la herida en Euskal Herria son muchas. Tantas, que el silencio que la tirita que se va pudriendo pero nadie se atreve a arrancar.

Desde aquí nace Negu Hurbilak, la ópera prima del Colectivo Negu, que presentó el film en el pasado festival de Locarno. Una película inédita porque es una de las pocas firmadas en plural en nuestro cine, también por la manera de romper con cualquier conformismo formal, pero sobre todo por no romper el silencio de una manera altiva, sino preguntarse sencillamente de dónde viene. 

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